La connaissance de Séraphine Louis (1864-1942) est principalement basée sur des mythes entretenus depuis la fin des années 1920. L'essentiel de l'information existante sur cette artiste porte sur sa vie plutôt que sur sa production artistique. Il existe peu d'études sur ses peintures et les quelques tableaux connus de l'artiste sont perçus à travers une trame biographique subjective : celle de l'artiste mystique. La production artistique de Louis s'étend de 1905 à 1930. Entre 1927 et 1930, alors que la peintre réalise principalement des natures mortes, elle entreprend la production de dix peintures d'arbres dont les formats, tous similaires, excèdent le mètre. Nous estimons qu'il s'agit d'une série et que celle-ci est particulière. Ces tableaux, construits en parallèle aux natures mortes, représentent l'essence de la démarche plastique et artistique de la peintre. C'est par l'analyse détaillée de ces dix oeuvres que nous étudierons la production artistique picturale de Séraphine Louis, peintre française méconnue de l'histoire de l'art.

Tableau d'honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2011-2012 / Pour une ville historique comme Québec, le passé est un moteur promotionnel important. Cependant, de 1870 à 1960, les interventions architecturales dans cette ville mettent en scène un passé fantaisiste, ce qui encourage l'établissement d'une chronologie imaginaire, théâtralisant ainsi l'histoire de la ville de Québec. Voilà comment l'architecture prend des dispositions anachroniques; elle vieillit sans cesse l'image de Québec. L'on peut toutefois se demander si c'est véritablement l'architecture qui vieillit l'image de la ville, ou, inversement, cette dernière qui encourage l'émergence d'une pratique architecturale anachronique. En confrontant l'image textuelle et visuelle de Québec à la pratique architecturale dans cette même ville, nous mettrons en évidence qu 'elle fait l'objet de mythes qui influencent son devenir. Au XIXe siècle, la fiction historique qui prend forme dans l'architecture de Québec lui donne l allure d'une ville médiévale, alors qu 'au XXe siècle, elle cherche plutôt à lui donner l'apparence d'une ville de France.

La manoeuvre est une conception de l’art action développée au début des années 1990 au Québec. La création collective y est perçue comme un moyen de renouer avec l’environnement et de repenser la pratique de la performance. Les oeuvres-manoeuvres cherchent ainsi à sortir le spectateur de sa léthargie habituelle afin de le faire participer au processus de création, tant physiquement qu’intellectuellement. Ce mémoire vise à analyser comment une participation plus active du spectateur dans le processus de création artistique peut influencer la réception et l’appréciation de l’oeuvre performative par le grand public.

Cette recherche prend comme objet d’étude le portrait photographique de Rineke Dijkstra, artiste néerlandaise née en 1959. Cette recherche vise à cerner la présence ainsi qu’à déterminer le sens de l’humanisme de cette approche photographique. Une analyse de la série de portraits Beach, réalisée durant la dernière décennie du vingtième siècle, est à la base de cette argumentation. Ce mémoire s’intéresse à l’analyse du portrait et ses rapports au temps, à la culture d’une époque et à la réalité sociale d’un épisode historique. L’étude du portrait de Rineke Dijkstra, tout comme le discours de celle-ci, rend compte d’un humanisme qui s’avère insister sur la représentation de la fragilité humaine. Par une revalorisation de l’«humain», le portrait de l’artiste se distingue des démarches formelles et conceptuelles du portrait contemporain, lesquelles privilégient, entre autres, un déni de la subjectivité de l’individu portraituré. L’expérience perceptive du spectateur, face au portrait de la série Beach, montre que ce portrait renvoie l’image de l’humanité du spectateur. / This present thesis, which studies the photographic portrait of Rineke Dijkstra, Dutch artist born in 1959, supports the hypothesis and explains the presence and the meaning of humanism in this photographic approach. The in-depth analysis of the Beach portraits series, created during the last decade of the twentieth century, is the base on which the arguments are elaborated. This thesis seeks answers through the analysis of the portraits and its relations with time, culture and social reality of a historical episode. The study of Rineke Dijkstra’s portraits and of her work’s discussions reveals a humanism which seems to insist on human fragility. By valuing what is deeply human in the portrait, the artist’s work distinguishes itself from the formal and conceptual approaches of the contemporary portrait which tend to a denial of the subjectivity. The perceptive experience of the viewer facing the Beach portraits series seems to reveal that the portrait returns the image of the viewer’s humanity.

Notre mémoire propose une nouvelle compréhension des portraits bourgeois peints au Bas-Canada entre 1790 et 1830. Partant du constat que ces portraits étaient symptomatiques de la société dans laquelle ils ont été conçus, c'est le concept de « représentation sociale » qui dirige l'ensemble de notre étude. Pour ce faire, nous avons élaboré une argumentation en trois chapitres. Le premier chapitre nous permet de situer les éléments théoriques et historiques nécessaires à la compréhension du désir de représentation. S'ensuit, dans le deuxième chapitre, une analyse plastique, stylistique et iconographique, d'un vaste corpus de portraits, peints par cinq artistes. mis en relation avec la biographie des différents bourgeois portraiturés. Finalement, le troisième chapitre nous permet de donner tout son sens à cette analyse. La présentation des différents liens unissant les modes de représentativité de la bourgeoisie et ses aspirations, permet de comprendre le portrait, à la fois reflet de la société, de ses valeurs et de son évolution, comme un puissant objet de représentation sociale.

L'église prieurale de Saint-Loup-de-Naud a suscité l'intérêt des chercheurs depuis la première moitié du XIXe siècle. Toutefois, une étude globale de l'église, prenant en compte à la fois son architecture et ses images, tardait à être réalisée. C'est ce que nous avons entrepris, en confrontant différentes sources écrites à des résultats provenant de l'archéologie du bâti, des images sculptées et peintes et des photographies et plans d'archives. Nous revoyons d'abord l'historique du prieuré pour ensuite nous concentrer sur son histoire architecturale, puis nous analysons le programme iconographique de l'église. Finalement, notre dernier chapitre est consacré à une mise en commun de ces différents résultats, soit à une réflexion globale sur les rapports entre les images et les lieux de l'église. Nous espérons ainsi mieux comprendre l'église, qui était au centre du modèle social médiéval.