Vivre, c'est aussi raconter sa vie. Le langage devient une trace de l'évolution qu'il nomme et transforme. Le corps humain, prisonnier d'une apparence qui en établit les frontières physiques, est le lieu de passage d'une multitude d'impulsions qui le modifient. La volonté y répond en découvrant le rôle qui lui convient. La mascarade qui se déploie est un défilé de prêtresses intimes. Ces dames sont la vie, les vies qui m'habitent. Elles se nomment Vyes. Déesses troublantes d'une mythologie individuelle qui s'incarne dans les fantasmes et les inquiétudes. Elles sont légion et uniques à la fois car elles deviennent autres quand leur chair se moule à l'empreinte de ce qui me tourmente. Une étrange beauté émane de leur disgrâce parfois presque obscène et qui pourtant me rassure. Car ma stratégie pour dompter l'angoisse est de l'apprivoiser et de me muer en elle pour la pousser jusqu'à ses ultimes retranchements. Je prends donc l'apparence de mes fantasmes et de mes angoisses dans le but d'extérioriser le monde qui m'habite. L'identité de mes vies se module en fonction des divergences crées entre la perception de mon individualité et ce que j'en projette.

Ce texte d'accompagnement pose une réflexion sur mon projet de recherche création en arts visuels portant sur le diptyque en peinture et sur sa relation avec ma pratique artistique. Mon projet de maîtrise est constitué de quatorze peintures qui m'ont permis d'établir des confrontations, des formes de duels ou d'échos entre mes œuvres. J'ai observé mes diptyques et j'ai posé une réflexion sur mon processus de création et sur l'origine de chaque oeuvre. De plus, j'ai réfléchi sur le continuum de cette série et étudié l'impact du diptyque dans ma production artistique. Cette recherche vise à accroître mes connaissances sur ma pratique en arts visuels tout en m'aidant à mieux comprendre ma vie de jeune femme artiste dans la vingtaine. / This accompanying text describes an art-based research project that consists of my study of the diptych in painting and its relation to my art. I created fourteen paintings and was able to construct confrontations, forms of duels and echoes, and paintings that compliment each other. I examined my diptychs while reflecting on my creative process and the origin of each painting. Also, I reflect on the continuum of my series, as well as the impact of the diptych on my paintings. The goal of this research was to gain understanding on the continuum of my art practice while shedding light on my life as a young woman artist in her twenties.

Ce texte est un accompagnement théorique de l'exposition Piscines, présentée au mois de juin 2008 à la Galerie des Arts Visuels de l'Université Laval. J'y traite de mon travail de création en explicitant les points théoriques et formels essentiels : la représentation et ses mécanismes, le factice et l'apport des traces du travail, le jeu et sa relation à l'art et au rite, et enfin, l'hétérotopie et son rapport à la problématique du fragment et de la totalité.

Le cinéma a, dès ses débuts, suscité une fascination chez la plupart des gens. Très tôt, dans l'histoire cinématographique, les profanes se sont appropriés ses équipements et sa technique pour réaliser des films "amateurs", pour conserver des souvenirs de famille. Depuis les toutes premières pellicules 8mm et 16mm, les scènes sont invariablement les mêmes; des scènes somme toute banales. Le prélèvement d'un premier photogramme, tiré d'un film d'archives familiales trouvées au fond d'un placard, a conduit à son dépouillement et au désir d'y découvrir les évènements impromptus : observant, scrutant les images une à une, rêvant d'être émue à nouveau. Le fragment, le temps, la matière entrent ici en action et sont des composantes actives de ma démarche artistique. Les photographies présentées sont le résultat de cette réappropriation, basée sur la matérialité de la pellicule, sur son histoire. Les fragments - photogrammes - sélectionnés sont isolés et détachés de leur contexte. Ils ne disent plus le film, mais autre chose : ils disent le temps. Ils sont devenus non plus des citations, mais des palimpsestes sur lesquels l'image d'origine, l'image primitive est conservée et devient canevas. Leur extraction, présente le dedans du fragment où j'ai mis en scène l'accumulation d'empreintes, de marques de temps jusqu'à celles provoquées par le tirage final.

Ce texte est l'accompagnement théorique de ma recherche-création à la maîtrise en arts visuels (2006-2008). Il met en place l'univers entourant l'exposition ±Corneille Craquelée¿, présentée à la Galerie des arts visuels de l'Université Laval à l'automne 2008. J'explore, par le biais de mon processus de collage, un monde onIrique et farfelu composé de créatures inusitées. En oscillant . entre le songe et la raison, je me questionne sur la provenance de ces multiples naissances, sur leur composition et leur foisonnement. Explorant les analogies entre le collage de papier et les domaines de l'inconscient, de la mémoire et du rêve, j'aborde des territoires infinis propres à l'imaginaire.

Cet écrit sur mon projet de recherche création implique ma pratique en arts visuels, plus spécifiquement la peinture transitant par l'image photographique. Il questionne les répercussions sur les plans sémantiques et formels de l'utilisation d'une image référentielle en peinture ou, plus précisément, les différents enjeux de la représentation d'une image photographique en peinture (émotionnels, temporels et visuels), de l'étape de la prise de vue photographique jusqu'à son interprétation. Mes tableaux émergeant de photographies issues de ma vie personnelle, des thèmes comme l'autobiographie, l' autoreprésentation et le rôle de la mémoire d'un moment vécu dans l' interprétation d'une image en peinture sont abordés. Ce travail vise à développer une réflexion pertinente sur la problématique de la représentation et de l' autobiographie en tant que pratique artistique dans la peinture. Il est une mise en théorie qui accompagne la production visuelle que j 'ai effectuée au cours de ma maîtrise en arts visuels

Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2008-2009 / Ce mémoire se veut une réflexion sur la nature du lien qui unit l'oeuvre au regardeur. Il met l'accent sur une remise en question de la notion d'interprétation et propose un modèle d'approche différent qui privilégie plutôt l'expérience. Ici, l'oeuvre est envisagée telle quelle, c'est-à-dire désengagée de message ou de discours, dans son surgissement. Différents concepts y sont abordés, tels que le sublime et la signifiance. Les écrits de plusieurs auteurs importants comme Roland Barthes, Jean-François Lyotard, Giorgio Agamben et Roman Jakobson fournissent les lignes directrices de cette réflexion. Celle-ci sert ensuite de canevas à une analyse détaillée de mon travail. J 'y traite plus particulièrement d'une exposition intitulée Amas, fatras, îlots qui fut présentée au Centre d'art et de diffusion CLARK en février 2008.

Ce texte est la construction d'une pensée fondée sur une rupture avec ma pratique en design graphique et marque un passage progressif vers une création en dehors d'une problématique de commande. S'appuyant sur des données phénoménologiques et théoriques, il témoigne d'une expérience d'individuation associée au développement d'une démarche artistique multidisciplinaire. Il installe les bases d'une recherche inspirée par une méthode ludique et un regard poétique sur le monde, tout en cherchant à rendre compte de l'inattenduet du vide qui habite la dynamique des opposés à l'origine de la poésie. Il trace enfin les limites actuelles d'une pensée mouvante et propose un bref parcours à travers l'être, le faire et la matière au centre de mon œuvre

Ce travail de recherche en arts visuels est un travail de l'intervalle : à mi-chemin entre dessin et peinture, abstraction et figuration, forme et informe, les éléments picturaux fragmentés migrent afin d'établir un lien entre l'image du corps et les formes organiques abstraites relevant du hasard, de systèmes chaotiques. Par un travail sans croquis, au sol, je délègue mon autorité créatrice à la matière, dans cet environnement horizontal sans gravitation, ce qui me permet d'ouvrir l'œuvre à de nouvelles perspectives et d'ajouter des éléments à mon vocabulaire esthétique. Cette recherche d'inconnu permet une abolition de la distinction entre la matière et la forme du corps et donne un effet de flottement, les éléments visuels se dispersant à la manière d'un bruit à travers l'espace.

Ce texte rend compte de la naissance et du développement d'une démarche en arts visuels actuels basée sur une expertise et des acquis habituellement associés aux métiers d'art. Il reconstitue l'histoire du glissement d'une pratique en courtepointe d'un champ vers un autre, par le récit des remises en questions, des réflexions, des expériences et des découvertes qui l'ont ponctué. Il place d'abord en perspective les aspects historiques et techniques de la courtepointe. Il relate ensuite les étapes du processus personnel de création qui ont amené un renouvellement du motif et des sources de la matérialité, et aborde, à travers elles, les notions de déconstruction, de citation et de collection de même que les procédés de photocopie, de numérisation et d'impression. Il présente finalement les œuvres et l'exposition qui ont résulté de ce projet de recherche-création.