Ce mémoire a pour objet d'étude le film Rubber (2010) de Quentin Dupieux. Nous nous intéressons en particulier à l'examen du spectateur idéal (celui qui répond aux offres de lecture proposées par le film) ou de l'énonciataire (cette instance du film à qui l'on prête la réception du discours) du second long-métrage du réalisateur français. Bon nombre de films de fiction semblent se dérouler « naturellement » ou en l'absence plus ou moins avérée des marques d'énonciation. Il arrive cependant que l'énonciation soit marquée ou se reconnaisse à l'emploi d'interpellations faites au spectateur, à la mise en présence d'un narrateur, à l'utilisation d'une mise en abyme (film dans le film, image dans l'image), voire à la déconstruction du récit. Lorsque l'énonciation du film est marquée, celui-ci met en présence l'instance de l'énonciation à qui il s'adresse. Cette mise en évidence des procédés mobilisés par le film change la dynamique de réception habituelle du cinéma narratif classique. La posture idéale du spectateur prévue par le film narratif classique, le spectateur idéal, celui qui reçoit et répond idéalement aux offres de lectures du film, en est nécessairement changé. Parce qu'il diffère du cinéma narratif classique, le film Rubber forme le dessein d'une nouvelle figure du spectateur.

Ce projet de création-recherche s’inscrit dans une démarche parathéâtrale menée de 2006 à 2012 à travers les ateliers du théâtre de recherche et performance LeTHAL (Le Theatre de l’Homme Actor’s Laboratorium). Le présent mémoire a pour objectif d’approfondir le questionnement sur le potentiel de guérison du théâtre, plus spécifiquement celui de l’image archétypique et des actions rituelles. Il s’agit d’une description des éléments (les universels du mythe, du théâtre et du rituel) qui ont eu le plus grand potentiel de guérison dans mon processus de recherche d’équilibre. Ce mémoire s’articule autour des témoignages que constituent le projet de création Auto-autopsie et certains extraits de mon journal d’expériences avec le maître de théâtre Ryszard Nieoczym. / This creation-research project is a paratheatrical research process experienced through workshops with LeTHAL Theatre (Le Theatre de l’Homme Actor’s Laboratorium) between 2006 and 2012. This Master’s thesis aims at deepening the questioning about the healing potential of theatre, more specifically archetypal images and ritual actions. The following document describes the elements (the universals of myth, theatre and ritual) that have had the greatest healing potential in my process of looking for a state of balance. This thesis includes testimonials : the creation project Auto-autopsie, and selected excerpts from my journal of experiences with the theatre master Ryszard Nieoczym.

Notre recherche-création porte sur la problématique que représente l’adaptation d’un texte narratif au théâtre lorsqu’il s’agit d’y incorporer les possibilités offertes par les médias numériques, et d’adopter la forme d’écriture élargie qui en découle. Pour ce processus d’adaptation qui s’éloigne de la façon de procéder traditionnelle, nous optons pour une approche intermédiale. Nous nous penchons plus particulièrement sur le théâtre hypermédia, ce qui nous permet de nous interroger sur les connexions qui surviennent entre les écritures visuelles, sonores, spatiales et textuelles, ainsi que sur leurs dynamiques de coprésence dans la scène théâtrale. Une partie essentielle de la méthodologie de cette recherche-création repose sur l’élaboration d’une série de laboratoires de recherche scénique dans lesquels ont été créés des dispositifs vidéographiques, sonores et spatiaux. Ces dispositifs ont été intégrés dans la création dramaturgique, présentée sous la forme d’une écriture intermédiale. Les chapitres 1 et 2 touchent le cadre conceptuel. Dans le premier chapitre, nous présentons les concepts d’intermédialité, de théâtre comme hypermédia, d’écriture intermédiale ainsi que d’autres notions qui nous permettent de discuter l’adaptation et sa relation avec les médias. Dans le deuxième chapitre, nous étudions la vidéo, le son, l’espace et le texte en relation avec les médias numériques. De plus, nous réfléchissons à la composition dramaturgique de chacun de ces éléments expressifs et aux points de repère qui peuvent contribuer à concevoir la dramaturgie. Les chapitres 3 et 4 discutent le volet pratique et la création. Dans le troisième chapitre, nous décrivons les dispositifs scéniques créés dans les quatre laboratoires de recherche scénique et les processus de création. Nous en faisons une analyse intermédiale. Nous présentons également un modèle de protocole de recherche en création qui a émergé de ces expériences pratiques réalisées au Laboratoire des Nouvelles Technologies de l'Image, du Son et de la Scène (LANTISS). Enfin, dans le quatrième chapitre, nous présentons l’œuvre dramaturgique intitulée Le monde n’arrête pas et son processus de création. / Our research-creation addresses the problematic of adapting a narrative text to the theater when it comes to incorporating the possibilities offered by the digital media, and adopting the expanded text that follows. For this adaptation process, which is moving away from the traditional process, we opt for an intermedial approach. We focus more particularly on the hypermedia theater, which allows us to question the connections that occur between the visual, sonic, spatial and textual writings, as well as on their dynamics of co-presence in the theater scene. An essential part of the methodology of this research-creation rests on the development of a series of scenic research laboratories in which videographic, sound and spatial devices have been created. These devices have been integrated into the dramaturgical creation presented in the form of an intermedial script. Chapters 1 and 2 touch on the conceptual framework. In the first chapter, we present the concepts of intermediality, theater as hypermedia, intermedial writing and other concepts that allow us to discuss adaptation and its relationship with the media. In the second chapter, we study video, sound, space and text in relation to digital media. In addition, we reflect on the dramaturgical composition of each of these expressive elements and the points of reference that can contribute to the conception of dramaturgy. Chapters 3 and 4 discuss the practical and creative aspects. In the third chapter, we describe scenic devices in the four scenic research laboratories and creative processes. We make an intermedial analysis. We also discuss the working protocol that emerged from these practical experiences in the Laboratory of New Technologies of Image, Sound and Scene (LANTISS). Finally, in the fourth chapter, we present the dramaturgical work entitled “The World Does Not Stop” and its process of creation.

Ce mémoire s’intéresse à la combinaison possible de principes liés à la méthode pédagogique de Rudolf von Laban et à celle de Jacques Lecoq dans la conception d’une méthode de préparation physique de l’acteur. L’objectif principal de la recherche est de poser les bases une pédagogie issue de ces deux conceptions du corps théâtral visant le développement de la conscience corporelle de l’interprète de théâtre. En posant d’abord le cadre historique de l’émergence des pédagogies de ces deux praticiens par une étude de l’évolution de la formation de l’acteur en Occident au courant du XXe siècle, il m’a été possible de retracer leur chemin jusque dans les institutions de formation de l’acteur au Royaume-Uni, où certains principes développés par chacun d’eux se côtoient. Un approfondissement des éléments centraux des enseignements de Laban et Lecoq m’a permis de dégager les principes pédagogiques qui allaient guider les prémices du développement de ma propre méthode d’enseignement. Celle-ci a été validée au travers de la préparation et de l’enseignement d’ateliers de mouvement destiné à l’acteur de théâtre. En annexe du présent document se trouvent les plans de leçon desdits ateliers, de même qu’un retour sur l’enseignement de chacun d’entre eux.

Ce mémoire propose une analyse transversale de deux versions d’un même récit: le roman Big Fish: A Novel of Mythic Proportionsde Daniel Wallace (1998) et le film Big Fishpar Tim Burton (2003). L’intrigue présente les dynamiques d’un rapport complexe entre un père et son fils. Leurs confrontations à propos des souvenirs d’Edward mènent les deux hommes à réaliser leur quête identitaire personnelle. Will découvre également l’importance de l’héritage familial lorsque, reprenant l’esprit de conteur de son père, il perpétue la tradition de passation des contes. Le film est la version cinématographiée du roman. Pourtant, Big Fishestà considérer comme une seule œuvre. La connaissance des deux versions offre au lecteur-spectateur une compréhension plus complète du récit. La transécriture permet de représenter le récit romanesque, son intrigue et ses thèmes majeurs, sur un support filmique. Notre étude considère la transécriture comme la représentation matérielle du thème de l’héritage développé dans le récit de Big Fish. À ce double processus de transmission s’ajoute l’enjeu du style artistique. Le roman comme le film appartiennent principalement au Southern Gothic. Les caractéristiques majeures du genre permettent une analyse de Big Fish, car les éléments gothiques utilisés sont porteurs de significations. De plus, le récit se place dans une continuité historique des genres littéraires et cinématographiques. De la figure du héros épique aux passions romantiques, en passant par l’adoration pastorale de la nature, Big Fishest construit grâce à des spécificités que divers styles artistiques ont légué à la postérité.La forme et le fond de l’œuvre sont donc liés, démontrant que la transmission est un processus inévitable. Edward et Will sont la représentation fictive d’un processus réel: la transmission du savoir et l’apprentissage par le passé en vue d’une amélioration de l’homme et de ses relations sociales. / This study proposes an inter-disciplinary analysis of two versions of thesame narrative: Big Fish: A Novel of Mythic Proportionsnovel by Daniel Wallace (1998) and Big Fish movie by Tim Burton (2003).The plot concerns the dynamics of a complex relationship between a father and his son. Confrontations about Edward’s memories lead both men on a quest for their own identity. Will also discovers the importance of family legacy. By taking on his father’s propensity for storytelling, Will perpetuates the family tradition.The movie is a cinematographed version of the novel. However, Big Fishmust be seen as a work of art on its own. By knowing both versions, the reader-spectator has a better understanding of the central narrative. Invoking the transwriting process, the plot and major themes of the novel are translated into a new medium, a movie. In this study, transwriting is conceptualized as a concrete representation of the legacy developed throughout Big Fish.The double-transmission of narrative is linked to an aesthetic preoccupation rooted in the politics of oral storytelling. To this end, the novel and the movie borrow from the Southern Gothic genre. Analyzing its major characteristics allows for abetter understanding of Big Fish, for the gothic elements carry hidden meanings. The story is also a result of the historical continuity that interweaves literary and filmic genres. From the mythical hero figure and the intense romantic emotions to the nature-loving pastorals, Big Fishaccumulates intertexts that a wide variety of artistic styles have handed down to posterity.The story’s style and content are thus interlinked, which shows that transmission is an unavoidable process. Edward and Will are fictitious representations of narrative process in constant evolution and development: the passing down and inheritance of knowledge. People learn from the past so as to evolve and improve man and his social relationships.