Malgré la longue et riche histoire des bandes dessinées, leur définition continue de stimuler le débat parmi les experts. Ces derniers ne parviennent toujours pas à s’entendre sur la composition d’une bande dessinée, certains choisissant de mettre l’emphase sur l’usage de phylactères ou de lignes de mouvement, tandis que d’autres insistent plutôt sur la présence d’éléments à la fois graphiques et narratifs. Une définition impeccable est peut-être improbable, mais un problème mérite toutefois d’être adressé: il s’agit bien sûr de la constante exclusion des romans graphiques sans texte. Cette catégorie d’œuvres est parfois mentionnée, mais se révèle plus souvent ignorée par les experts. En effet les définitions courantes persistent à représenter les bandes dessinées comme un indéniable mélange de texte et d’images. Ce mémoire cherche donc à démontrer la nécessité de définitions plus inclusives, afin d’incorporer les romans graphiques sans texte. D’abord, en explorant l’histoire du médium et le rôle du texte dans la création et la lecture des romans graphiques, nous réfuterons les idées préconçues qui ont apporté à l’élément textuel de la bande dessinée une allure de nécessité. Puis, à travers l’analyse des romans graphiques sans texte The Arrival de Shaun Tan et The System de Peter Kuper, nous rendrons évidente la nature facultative du texte dans le processus de création d’une histoire de bande dessinée. Finalement, avec le support d’exemples provenant des romans graphiques The System de Peter Kuper et Asterios Polyp de David Mazzucchelli, nous analyserons le rôle de l’image dans le développement de la complexité narrative d’une histoire de bande dessinée, afin de prouver qu’une image n’est pas intrinsèquement plus simpliste qu’un extrait de texte. Les romans graphiques sans texte méritent tout autant l’attention académique reçue par les bandes dessinées avec texte, et devraient ainsi être reconnus dans les définitions courantes du médium. / In spite of comics’ long and rich history, their definition remains today a significant source of contention in the field. Scholars cannot seem to agree on what constitutes comics, with some of them stressing the importance of conventions such as speech balloons or motion lines, and others focusingon the pictorial and narrative elements of the form. A perfect definition may be impossible, but one issue that needs tobe addressed is the current exclusion of wordless graphic novels. While occasionally acknowledged, these works remain mainly ignored, as most working definitions present comics as a combination of text and image. This thesis intends to show that there is a need for more inclusive definitions of the medium, in order to incorporate wordless graphic novels. By first exploring the wordless ancestry of the medium and the role of text in creating and reading graphic novels, this thesis refutes the foundationally baseless assumptions about the form that have made text so widely accepted as a defining element. Then, through an analysis of Shaun Tan’s The Arrival and Peter Kuper’s The System, both of which are wordless graphic novels, this thesis demonstrates the superfluous nature of text when it comes to narrative in this medium. Finally, through readings of Peter Kuper’s The System and David Mazzucchelli’s Asterios Polyp, the thesis considers the contribution of the image to the complexity of graphic novels with and without text, in order to prove that images are not more simplistic in nature than text. The case is thereby made that wordless novels are as worthy of academic attention as graphic novels with text, and deserve acknowledgement in definitions of the medium.

"En s’intéressant à la représentation du XIXe siècle véhiculée à travers Châteaux de la colère d’Alessandro Baricco, cette étude vise à mettre en lumière le rapport de la société du texte à l’innovation pour montrer comment l'activité de la révolution industrielle engendre des tiraillements sociaux. Plus particulièrement, il sera question d’analyser la quête de M. Reihl, de Pekisch et d’Hector Horeau, trois protagonistes de l’oeuvre qui désirent innover. À nos yeux, ce sont leurs quêtes, auxquelles nous attribuons une portée symbolique et signifiante, qui révèlent de manière plus distincte les bouleversements de la société romanesque. L’étude de ces personnages et de certaines scènes du roman nous permettra ensuite de poser des constats plus larges grâce auxquels nous pourrons saisir dans quelle mesure cette représentation sociale propose une lecture critique du XIXe siècle en Occident."

Le présent mémoire s’emploie à analyser la manière dont l’ironie supporte dans les trois romans de Rafaële Germain (Soutien-gorge rose et veston noir, Gin tonic et concombre et Volte-face et malaises) une parole métaféministe, soit un féminisme actualisé, en continuité avec les luttes passées et qui s’intègre à l’écriture plutôt que d’en être le motif. Il est vrai, ces romans, comme toute bonne série de chick lit, ont d’abord pour objectif de divertir leurs lecteur·rice·s. Fidèles au genre, l’alcool, les conquêtes et les relations amoureuses tordues s’y côtoient. Il n’en demeure pas moins qu’omettre d’interroger ces textes en raison de leur côté rose bonbon consisterait en une erreur : les sourires qu’ils provoquent sont souvent annonciateurs de l’ironie qui s’y terre. Ce qui n’est pas anodin puisque l’ironie, comme le constate Lucie Joubert, recèle souvent un potentiel dénonciateur. Ainsi, malgré ce que les préjugés entourant ce genre associé à la littérature de grande consommation laissent supposer, il ne se cache pas seulement une douce étourderie sous ces premières de couverture colorées. En prenant principalement en compte les relations interpersonnelles que les différentes héroïnes entretiennent avec leur entourage, c’est-à-dire avec leur mère, leur père, leurs ami·e·s, et leurs amoureux, ce mémoire exposera que l’ironie joue en quelque sorte un rôle de gardien qui les prémunit contre certaines constructions sociales particulièrement coriaces (par exemple qu’une femme doit absolument partager sa vie avec un homme, peu importe lequel, pour espérer être heureuse). Sans sombrer dans un optimiste débonnaire, puisque la chick lit reconduit, il faut en convenir, plusieurs stéréotypes de genre associés au féminin et au masculin, en même temps qu’un discours hétéronormatif restreignant, cette analyse démontrera que l’ironie permet aux romans de s’inscrire dans une trajectoire métaféministe, tout en prenant çà et là du recul vis-à-vis des discours plus conservateurs. / This thesis aims to analyze the ways in which irony supports a metafeministic voice, a contemporary feminism, in continuity with past struggles, which is integrated into the writing rather than being the motive in Rafaële Germain's novels (Soutien-gorge rose et veston noir, Gin tonic et concombre et Volte-face et malaises). Certainly, these novels, like any good series of chick lit, are primarily intended to entertain their readers. True to the genre, alcohol, conquests and twisted relationships rub shoulders. Nevertheless, omitting to analyze these texts due to their rosy-candy nature would be a mistake: the smiles they induce often herald the irony within these words. As observed by Lucie Joubert, this is not trivial since irony often conceals a potential whistleblower. Thus, despite the prejudices surrounding this genre associated with mass-consumption literature, look beyond the giddiness of their colorful covers. By mainly considering the interpersonal relationships that the various heroines have with their entourage, that is their mother, father, friends, lovers, this thesis sheds light on how irony plays, in a way, the role of a guard that protects them against certain particularly stubborn social conceptions. (For example, that a woman must absolutely share her life with a man, any man, if she wishes to be happy.) Always without indulging into a debonair optimism since the chick lit perpetuates many gender stereotypes associated to both, women and men – simultaneously a restrictive heteronormative speech – this analysis will demonstrate that irony allows novels to be part of a metafeminist trajectory, and take a step back, here and there, towards more conservative speeches.

"Ce mémoire porte sur les réécritures du mythe d’OEdipe dans Kafka sur le rivage d’Haruki Murakami et Les Gommes d’Alain Robbe-Grillet. Plus spécifiquement, il vise à cerner les stratégies par lesquelles ces auteurs se réapproprient le mythe d’OEdipe, d’abord en explorant les liens hypertextuels qui associent ces romans avec OEdipe roi, leur texte fondateur, ainsi qu’avec la psychanalyse freudienne. Ensuite, il sera question d’examiner les modalités entourant la transposition de ce mythe en un contexte moderne, en mettant en lien les thématiques et motifs qui sous-tendent chaque réécriture. Le mémoire procède, en dernier lieu, à l’analyse d’une philosophie de la métaphore dans ces romans, philosophie qui semble dans les deux cas (malgré les divergences fondamentales de point de vue des auteurs sur la question) liée de près à la question du mythe dans leurs oeuvres respectives."

Ce mémoire se propose d’analyser le pessimisme en littérature pour la jeunesse, en s’intéressant particulièrement à sa manifestation dans les dystopies pour adolescents. La littérature pour la jeunesse est issue d'une tradition qui la définit comme optimiste, ce que démontrent les processus de censure auxquels elle est souvent soumise, entre autres par le milieu éditorial. Dans un tel contexte, il paraît difficile d’expliquer la vague de popularité qu’ont connue les romans dystopiques adressés aux adolescents publiés au début du XXIe siècle. Ce genre, montrant une société fictive la plupart du temps futuriste dans laquelle évolue un protagoniste qui y souffre et qui désire se révolter contre elle, est en effet caractérisé par un pessimisme assez prononcé. Le présent mémoire s’interroge sur la façon dont les auteurs de dystopies pour adolescents parviennent à faire s’harmoniser l’optimisme de la littérature pour la jeunesse et le pessimisme du genre dystopique et pose l’hypothèse que ce pessimisme est présenté de manière édulcorée au jeune public visé. Une comparaison entre un corpus d’œuvres pour adolescents et un autre destiné à un public adulte nous a servi à mettre cette hypothèse à l’épreuve en considérant deux aspects principaux, le personnage et la société, ainsi que d’autres facteurs d’atténuation qui se voient au fil de la lecture. Ces divers éléments contribuent selon nous à édulcorer le pessimisme des dystopies pour adolescents en créant un effet de familiarité pour les lecteurs et en allégeant le poids mis sur leurs épaules et sur celles des protagonistes. / This master’s thesis aims to analyse the pessimism in children’s literature, focussing particularly on its manifestation within dystopias for young adults. Children’s literature is traditionally regarded by many as an inherent optimist genre, as shown by the censorship to which it is regularly subjected, principally by the editorial process. In this context, it seems hard to explain the massive popularity wave that the dystopian novels for young adults experienced in the wake of the XXI century. This genre, displaying an usually futuristic fictional society in which evolves a character who suffers and who desires to revolt against it, is indeed characterized by a pronounced pessimism. This master’s thesis questions the way authors of dystopias for young adults harmonise the inherent optimism of children’s literature and the pessimism of the dystopian genre, while posing the hypothesis that the said pessimism is presented to the young target audience in a much attenuated state. A comparison between a corpus of novels intended to teenagers and another one that has an adult target audience was used in order to study our hypothesis within two main aspects, the character and the society, as well as other mitigating factors that can be seen throughout the book. We think these various elements all contribute to reduce the pessimism in dystopias for young adults by creating a familiar feeling for the readers and by lightening the burden that is resting on their shoulders and on those of the protagonists.

Marguerite Porete a su, avec son Mirouer des simples ames anienties écrit entre la fin du XIIIe et le début du XIVe siècle, transformer le discours théologique en une œuvre mystique singulière en français, qui se présente comme une quête spirituelle de l’Âme, dont les guides, Amour et Raison, se disputent le discours jusqu’à ce que l’Amour divin l’emporte et que l’Âme s’anéantisse en lui. Cette étude s’attache à briser la surface miroitante de l’œuvre, pour réfléchir à la senefiance de ce « miroir » offert au lecteur. S’il ne s’agit pas ici de proposer une nouvelle analyse historique et théologique des propos hérétiques de Marguerite Porete, ce mémoire suggère une lecture du Mirouer d’un point de vue littéraire. Son point de départ se situe dans le constat que le texte propose une voix féminine doublement à la marge, par son genre et par sa langue, le français, pour un propos théologique. L’idée a donc été de voir jusqu’où pouvait être utilisée l’image du miroir et comment le conflit présent dans sa double nature, celle d’objet optique de savoir et celle d’objet courtois, pouvait être exploré pour comprendre le texte. Par l’observation détaillée des composantes courtoises et allégoriques de l’œuvre, nous espérons dégager les particularités d’un traité dont les formes du discours joignent théologie et littérature dans un ensemble mystique qui se distingue des œuvres didactiques et spirituelles traditionnelles. En relevant les éléments constitutifs de l’ouvrage, en regard d’un genre didactique attesté, celui du miroir, nous voulons démontrer comment cette tradition se confronte et s’unit à un langage courtois et lyrique, ce qui permet de proposer un enseignement théologique particulier puisqu’il prône, avec l’anéantissement de la raison, son propre anéantissement. De cette manière, nous proposons de réfléchir sur l’élaboration de ce discours mystique par l’intermédiaire de ses attributs courtois et allégoriques afin de mieux saisir l’édification de ce Mirouer original. / Marguerite Porete, with her Mirouer written between the 13th and the 14th century, has managed to transform the theological discourse into a singular mystical work in French, which presents itself as a spiritual quest of the Soul, whose guides, Love and Reason, compete for the discursive preeminence until Divine Love prevails and the soul is annihilated in him. This study seeks to break the shimmering surface of the work, to reflect on the senefiance of this "mirror" offered to the reader. If it is not a question here of proposing a new historical and theological analysis of Marguerite Porete's heretical remarks, this memoir suggests a reading of the Mirouer from a literary point of view. Its starting point lies in the observation that the text proposes a female voice doubly marginal, by its genre and by its language, French, for a theological purpose. The idea was therefore to see how far the image of the mirror could be used and how the conflict present in its dual nature, that of an optical object of knowledge and that of a courteous object, could help to understand the text. Through detailed observation of the courtly and allegorical components of the work, we hope to identify the peculiarities of a treatise whose forms of discourse join theology and literature in a mystical ensemble that differs from traditional didactic and spiritual works. By highlighting the constituent elements of the book, in relation to a known didactic genre, that of the mirror, we want to demonstrate how this tradition confronts itself to and unites with a courteous and lyrical language, which makes it possible to propose an original theological teaching since it advocates, with the annihilation of reason, its own annihilation. In this way, we propose to reflect on the elaboration of this mystical discourse through its courteous and allegorical attributes in order to better understand the construction of this original Mirouer.

Cette étude s’attache à la figure de Jack Kerouac, liée de manière inédite à celle d’Hector de Saint-Denys Garneau par le truchement du thème de la pauvreté. Prenant ainsi le relais de la discussion sur la pauvreté amorcée par Gilles Marcotte, Jean Larose, Yvon Rivard et Yvan Lamonde, cette étude s’articule en deux étapes. Elle cherche d’abord, dans un premier chapitre, à identifier des échos entre les imaginaires de Garneau et de Kerouac. Elle montre aussi comment la pauvreté peut être à la fois vocation, aspiration et même posture chez chacun d’eux. Le deuxième chapitre, quant à lui, analyse l’héritage de la pauvreté de Kerouac, à l’aide de trois de ses romans : Visions of Gerard, On the Road et Satori in Paris. Enfin, ce mémoire met également en relief l’idée qu’il y a plusieurs liens à faire entre la littérature québécoise et Jack Kerouac, mais que ces liens dépassent une simple communauté de langue et tiennent plutôt à une réflexion autour de l’identité canadienne-française et d’un héritage culturel problématique commun / This study engages with Jack Kerouac’s figure, and links it to Hector de Saint-Denys Garneau’s in through the theme of poverty. Invoking theorizations of the term by Gilles Marcotte, Jean Larose, Yvon Rivard and Yvan Lamonde in relation to Québec writers, this thesis will comprise two parts. In the first chapter, this study highlights some dialogic interlinkings between Garneau’s and Kerouac’s imaginaries. The point is to explain how poverty can simultaneously be a vocation, an aspiration, and a posture (as in Jérôme Meizoz’s study) for each writer. The second chapter analyzes what Jack Kerouac’s poverty heritage entails through a discussion of three of his novels: Visions of Gerard, On the Road and Satori in Paris. Lastly, this study also highlights that they are many links to be made between Québec literature and Jack Kerouac, but that these links go beyond a linguistic community; rather, they have to do with a negotiation of both French-Canadian identity and a problematic shared cultural heritage.

Ce mémoire de maîtrise en recherche-création se divise en deux parties, soit un recueil de fictions et un essai théorique. Le bleu des garçons regroupe douze fictions interrogeant le désir masculin. La forme versifiée des textes explore la frontière entre prose et poésie, alors que la mobilisation de stratégies narratives variées et d’un style minimaliste exacerbe les non-dits de chaque situation, tout en brouillant la ligne entre le réel et l’imaginaire. Qu’ils soient fils, oncles, amoureux, queers, traîtres ou voyageurs, les protagonistes de ces fictions se rejoignent à travers la mise en doute de leur identité, de leur sexualité et de leur rapport avec autrui dans un moment de crise concentré dans l’espace et le temps. En continuité avec les considérations narratologiques du recueil, «Pourquoi se refuser, ce soir, à cette supposition?» Imaginaire et contamination narrative dans Dix heures et demie du soir en été de Marguerite Duras étudie l’adhésion de la narration de ce roman aux fabulations de la protagoniste. Notre essai analyse comment l’émotion et les appréhensions croissantes de cette dernière, initiées par le désir, contaminent le regard narratif en focalisation interne et contribuent à l’objectif cognitif de l’œuvre : faire du sensible son événement central. / This Master’s Dissertation in research-creation splits in two parts: a collection of short fictions and a theoretical essay. Le bleu des garçons regroups twelve fictional stories questioning masculine desire. The texts’ versified form explores the limit between prose and poetry, while the use of various narrative strategies, along with a minimalist style, highlights every situation’s underlying sense and blurs the line between reality and imagination. They might be sons, uncles, lovers, queer men, traitors and travellers, the protagonists of these short fictions still come together as they challenge their identity, their sexuality and their relationship with others in a critical moment condensed in time and space. Ensuing from the creative part’s narratological issues, “Why refuse oneself, tonight, to this supposition?” Imagination and narrative contamination in Marguerite Duras’s Dix heures et demie du soir en été studies this novel’s narrative adherence to the protagonist’s imagination. Our essay analyses how the narration’s gaze and internal focalization are contaminated by the main character’s growing emotion and apprehensions initiated by desire, while assisting the book’s cognitive objective: making passion its central event.

Ce mémoire traite des représentations des souffrances et des horreurs de la guerre dans les journaux de tranchées de la Première Guerre mondiale. S’inspirant des travaux qui croisent littérature et médias, il montre de quelle manière les soldats-journalistes expriment leur réalité à travers les pages de journaux éphémères, qui reprennent les codes formels de la presse traditionnelle, et à l’aide desquelles ils redonnent un sens à leur expérience de la guerre et trouvent là une forme d’exutoire à la violence du quotidien. Ce mémoire s’intéresse tout particulièrement à quatre titres : Le Bochofage, Le Canard du Boyau, L’Écho des Guitounes et Le Tuyau de la Roulante, journaux de régiments d’infanterie qui constituent un échantillonnage des centaines de titres produits par les soldats de ces unités, et dont nous proposons une lecture totale au prisme des souffrances et de la violence. En faisant usage de la notion d’abjection telle que définie par Julia Kristeva, nous proposons une analyse thématique des figures récurrentes des journaux du front (Poilus, Allemands et civils) et de leur implication par rapport aux tribulations traversées. Nous nous intéressons aussi aux principales sources de souffrance du quotidien dans les tranchées, ainsi que du traitement réservé à la représentation de la mort dans les colonnes des feuilles du front. Enfin, nous identifions les principales stratégies discursives mises en œuvre pour traiter de sujets aussi délicats, au sein de publications qui ont pour principale vocation de distraire le Poilu. En somme, nous montrons comment le soldat-journaliste, par le moyen des journaux de tranchées, se réapproprie son humanité dans un contexte qui le déshumanise, en représentant sa souffrance et son expérience de l’indicible de la guerre.