Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Faculdade de Arquitetura e Urbanismo, Programa de Pós-Graduação em Arquitetura e Urbanismo, 2018. / Submitted by Fabiana Santos (fabianacamargo@bce.unb.br) on 2018-08-21T19:30:15Z No. of bitstreams: 1 2018_LennonPedroNoletoFerreira.pdf: 2403022 bytes, checksum: b3c1cd37356249884920873cf00651c6 (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana (raquelviana@bce.unb.br) on 2018-08-27T19:39:00Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2018_LennonPedroNoletoFerreira.pdf: 2403022 bytes, checksum: b3c1cd37356249884920873cf00651c6 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-08-27T19:39:00Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2018_LennonPedroNoletoFerreira.pdf: 2403022 bytes, checksum: b3c1cd37356249884920873cf00651c6 (MD5) Previous issue date: 2018-08-21 / Este trabalho tem por objetivo analisar obras vinculadas ao grupo artístico O Cavaleiro Azul, iniciado em Munique em 1911. Ao interpretar obras e escritos, pretende-se mapear relações poéticas e discursivas que contribuam para uma noção de espaço. Nossa abordagem segue três etapas principais. Primeiramente, tomamos registros de cunho historiográfico como terreno para a abstração. Em seguida, avaliamos questões em torno do romantismo e da subjetividade com vistas a uma exposição crítica. Por fim, apontamos como estes dois temas confluem para uma noção de espaço; também sugerimos como tal noção se estenderá, num nível retórico, ao campo da arquitetura por meio de Walter Gropius. Neste texto, a pintura não é pensada como objeto de crítica, mas como um campo que possibilita exercício filosófico. / This text analyzes artworks related to the artistic group The Blue Ridder, stablished in Munich in 1911. By interpreting paintings and writings, it’s intended to chart poetic and rhetorical relations in order to pursue a definition of space. The approach goes after three main stages. I firstly assume historical records as a field to discuss the matter of abstraction; then, I consider propositions concerning to romanticism and subjectivity owning to a critical approach; finally, I suggest in which ways both themes might converge to a definition of space; moreover, I also suggest how such notion reaches rhetorically architecture through Walter Gropius. This thesis doesn’t assume paintings as na object to the critics, but a field in which philosophical inquiry is possible.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-graduação em Arte, 2017. / Submitted by Raquel Almeida (raquel.df13@gmail.com) on 2017-05-12T15:11:32Z No. of bitstreams: 1 2017_RaisaRamosdePina.pdf: 4967638 bytes, checksum: 27dd419e57c194257dc34a344e29e67a (MD5) / Rejected by Raquel Viana (raquelviana@bce.unb.br), reason: Boa tarde, Por favor, corrija os campos orientador e título. Atenciosamente on 2017-05-24T20:04:56Z (GMT) / Submitted by Raquel Almeida (raquel.df13@gmail.com) on 2017-05-25T15:53:58Z No. of bitstreams: 1 2017_RaisaRamosdePina.pdf: 4967638 bytes, checksum: 27dd419e57c194257dc34a344e29e67a (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana (raquelviana@bce.unb.br) on 2017-05-26T20:08:44Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2017_RaisaRamosdePina.pdf: 4967638 bytes, checksum: 27dd419e57c194257dc34a344e29e67a (MD5) / Made available in DSpace on 2017-05-26T20:08:44Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2017_RaisaRamosdePina.pdf: 4967638 bytes, checksum: 27dd419e57c194257dc34a344e29e67a (MD5) Previous issue date: 2017-05-26 / O pintor italiano do início do século XX Filippo de Pisis criou, ao longo de aproximadamente quarenta anos, composições de natureza-morta sobre a praia, com a paisagem litorânea de plano de fundo: mar, horizonte, céu e, por vezes, uma figura humana solitária contempladora. A frequência dessa produção e o destaque dado à paisagem apesar de as telas serem batizadas como natureza-morta suscitam, em um primeiro momento, questionamentos a respeito da definição do conceito de natureza-morta, que se mostra complexo e flexível ao longo da história da arte, além de problematizar a tensão entre gêneros pictóricos. Mais do que uma simples sobreposição de gêneros – natureza-morta e paisagem –, a composição evidencia o interesse metafísico do pintor, que contribuiu na década de 1910 com a nascente proposta de Giorgio de Chirico. A Escola Metafísica não foi uma vanguarda e os artistas que participaram dela tiveram produções independentes, difíceis de serem aproximadas pela estética, mas similares para além do visível, por meio do deslocamento do sujeito da obra e da revelação do invisível. A partir disso, esta dissertação analisa a metafísica dos elementos praianos recorrentes da paisagem de Filippo de Pisis, em diálogo constante com o gênero de natureza-morta. A tensão entre os gêneros e a metafísica do italiano apontam para uma ressignificação da morte: não seria mais castigo aos humanos pecadores, mas a concretização da promessa divina de vida eterna. / The early 20th-century Italian painter Filippo de Pisis created, over approximately forty years, stilllife compositions on the beach, with coastal landscape backgrounds: the sea, the horizon, the sky and sometimes a lonely human being figure. The frequency of this production and the emphasis given to the landscape, despite the fact that the canvases are called still-life, rise questions about the definition of the concept of still-life, which is complex and flexible throughout the history of Art, in addition to problematizing the tension between pictorial genres. More than a simple overlapping of the genres - still life and landscape - the composition evidences the metaphysical interest of the painter, who contributed in the decade of 1910 with the nascent proposal of Giorgio de Chirico. The Metaphysical School was not a vanguard and the artists who participated in it had independent productions, difficult to approximate by aesthetics, but similar to the visible, through the displacement of the subject of the work and the revelation of the invisible. From this, this dissertation analyzes the metaphysics of the recurrent beach elements of the Filippo de Pisis' landscapes, in constant dialogue with the genre of still life. The tension between the genres and the metaphysics of the Italian point to a re-signification of death: it would be no more punishment for sinful humans, but the concretization of the divine promise of eternal life. / Le peintre italien du debut du XXeme siècle Filippo de Pisis a créé, pendant environ quarante ans, des compositions de nature morte sur la plage avec de paysage côtier au fond: la mer, l’horizon, le ciel et, parfois, une figure humaine solitaire contemplative. La fréquence de cette prodution et l’accentuation données au paysage malgré que les tableaux soient nommés comme nature morte évoquent, dans un premier moment, quelques doutes à propôs de la definition du concept nature morte, qui se montre complexe et flexible à travers l’histoire de l’art, un plus de problématiser la tension entre genres picturaux. Plus qu’un simple superposition de genres – la nature morte et le paysage – la composition evoque l’intérêt métaphysique du peintre, qui a contribué dans la décennie 1910 à la proposition de Giorgio de Chirico. L’École Métaphysique n’était pas un mouvement d’avant-garde et les artistes qui y ont participé ont eu des produtions indépendantes, dificiles à rapprochées par l’esthétique, mais similaires au-delà du visible, à travers le déplacement du sujet de l’ œuvre et de la révélation de l’invisible. A partir de celà, cette dissertation analyse la métaphysique des élements de la plage solvente présents dans le paysage de Filippo de Pisis, em dialogue constant avec le genre de nature morte. La tension entre genres et la métaphysique de l’italian pointent vers une resignification de la mort: ce n’est plus une punition aux humains pêcheurs, mais la concretization de la promesse divine de la vie éternelle.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Departamento de Artes Visuais, 2012. / Submitted by Albânia Cézar de Melo (albania@bce.unb.br) on 2013-02-20T15:13:33Z No. of bitstreams: 1 2012_GuilhermeGorettiGonzaga.pdf: 19522273 bytes, checksum: 814dc4ea60aa85daa1aba9107e522c1a (MD5) / Approved for entry into archive by Guimaraes Jacqueline(jacqueline.guimaraes@bce.unb.br) on 2013-02-21T15:08:11Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2012_GuilhermeGorettiGonzaga.pdf: 19522273 bytes, checksum: 814dc4ea60aa85daa1aba9107e522c1a (MD5) / Made available in DSpace on 2013-02-21T15:08:12Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2012_GuilhermeGorettiGonzaga.pdf: 19522273 bytes, checksum: 814dc4ea60aa85daa1aba9107e522c1a (MD5) / O presente estudo trata da vida e obra do pintor inglês Augustus Earle (1793-1838), concentrando-se nas viagens que empreendeu durante aproximadamente dez anos entre a América do Sul e a Oceania. Após abordar sua formação artística, o trabalho enfoca a permanência forçada de Earle por nove meses na remota Ilha de Tristão da Cunha, quando seu estilo se torna mais sombrio e apresenta aspectos da estética do Sublime, tornando-se mais próximo das obras de grandes pintores românticos como Turner, Constable e Friedrich. É estudada também a atuação de Earle durante sua primeira passagem pelo Brasil, país que visitou duas vezes, sendo que na segunda passagem, esteve inclusive na condição de artista oficial da expedição do HMS Beagle, que também contou com Charles Darwin como naturalista a bordo. A produção brasileira do pintor é analisada e aproximada das obras de Debret e Rugendas que datam do mesmo período. Também se comentam as obras produzidas durante o período passado na Austrália e Nova Zelândia, que levaram o nome de Earle a alcançar alguma importância na História da Arte destes países. ______________________________________________________________________________ ABSTRACT / This study explores the life and works of the English painter Augustus Earle (1793-1838), focusing mostly on the almost ten years period he spent travelling in South America and Oceania. Firstly we discuss his formative years. Later, we assess his nine month long forced stay in the remote island of Tristan da Cunha. During this period, his style became darker and he started to show aspects of the Sublime aesthetics, more similar to the works of great romantic painters like Turner, Constable and Friedrich. We also study Earle’s activities in Brazil, country which he visited twice including the time when he was part of the HMS Beagle expedition, which also included Charles Darwin in the role of onboard naturalist. Analyses of his Brazilian production show how they approach works by Debret and Rugendas from the same period. We also comment on works produced in the period he spent in Australia and New Zealand, which gave Earle´s name some importance in the History of Arts in these countries.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Artes, 2018. / Esta dissertação visa comparar obras de Alberto da Veiga Guignard e Tensho Shubun a partir da utilização da sombra, fenômeno recorrente em suas pinturas de paisagens, para verificar a existência de semelhanças que permitem estabelecer um diálogo entre os dois recortes. A pesquisa se baseia em um aporte teórico sobre a sombra na história da arte, na contextualização dos períodos em que os artistas viveram, e uma aproximação fenomenológica do objeto que visa enriquecer a análise formal e poética das obras. O encontro de configurações semelhantes das obras no corpus estudado corrobora a crítica sobre a aproximação de Guignard com um estilo específico de pintura japonesa, e por outro lado revela parte da construção, por parte da crítica brasileira, de uma sintaxe para se referir ao oriente, principalmente Japão e China. / This dissertation aims to compare works of art of Alberto da Veiga Guignard and Tensho Shubun from the use of shadows, recurrent phenomenon in their landscape paintings, in order to verify the existence of similarities that allow to establish some dialogue between the two parts. The research is based on a theoretical contribution on the shadows in the history of art, in the contextualization of the periods in which the artists lived, and a phenomenological approach of the object to enrich the formal and poetic analysis of the study. The encounter of similar configurations of the works in the studied corpus corroborates the criticism about the approximation of Guignard with a specific style of Japanese painting, and on the other hand reveals part of the construction, by the Brazilian art criticism, of a syntax to refer to the East, mainly Japan and China.