Rather than separating play and Preface this study applies the same critical reading to both works, exploring them from the point of view of their common structure of desire. Cromwell's desire for political sovereignty parallels Hugo's desire for poetic sovereignty. A confrontation of the two texts reveals the poetic project which Hugo weaves into the symbolic and dramatic structures of Cromwell before expounding it in the Preface. In working out the poetic project in the play, Hugo grafts onto the plot of Cromwell a metadramatic discourse which serves as a commentary on the events of the play and introduces the theoretical perspective of Cromwell. Theatricality and playacting form the point at which plot and metadrama intersect. Cromwell's four fools play a crucial role in mediating between the two levels of the play and in linking the play to its Preface. The fools tear off the mask worn by the Protector and uncover his ambitious schemes. Cromwell's quest for the crown becomes the pretext for an investigation into the nature of kingship which is shown to begin and end in violence. The sacrificial nature of kingship reveals itself to Cromwell during the coronation ceremony. To avoid death at the hands of the puritains he is reduced to the role of an actor performing the comedy of sacrifice. It is precisely when Cromwell interprets the symbolic process of sacrifice that the drame comes into being. The structures of representation of the drame entail the union of opposites which translates on the esthetic level into the alliance of the grotesque and the sublime. This, then, is the inaugural moment of romantic drama. The death of kingship which Hugo inscribes into the play is the condition of the founding of the new drama. The poet lays claim to the sovereignty and the sacred attributes of which the king has been dispossessed. Hugo's choice of historical setting and subject becomes clear. The crumbling of the mythic and sacred order brought about by the French Revolution and the regicide has resulted in the emptiness of the center. The poet is to occupy this center and to appropriate the symbolic process.

This new reading of L'Assommoir and Nana in the light of Transactional Analysis applies to the psychology of Nana (an aspect so often denied, especially by Zola himself) and demonstrates that it overshadows the simple portrayal of a temperament. Thus Nana's premature death can be seen as the tragic ending of a Life Script. The Transactional Analysis theories presented by Eric Berne and developed by his disciple Claude Steiner deal in the first place with a structural analysis of the personality divided into three ego states: "Parent", "Adult" and "Child". Interpersonal relations which give the name to what these psychoanalysts call "transactions", deal with a three-step quest: a thirst for "strokes" or recognition (namely love), a thirst for a definite position ("I am OK, etc$\...$") and a thirst for time structure. A tragic life script, which is determined by early "injunctions" and "attributions", unfolds like a classical tragedy in a three-part development: the Prologue, the Climax and the Catastrophe. The study of both L'Assommoir and Nana shows that Nana's life follows a similar pattern. The Prologue is her disastrous relationship with her parents. The submission to a mother's deadly rejection and the revolt against a repulsive father, for whose fall she is held responsible, result in a negative attitude toward love and in the compulsive repetition of man's fall. The Climax, during which she appears to achieve a measure of social success, is however an unstable situation. Despite her wealth she is bored to death and experiences an inner void. After an attempted suicide she is driven away by her chronic dissatisfaction to a sudden long journey which ends with the Catastrophe. She comes back to see her child die and then dies of smallpox soon afterwards. Brought up without love and with no model of love, Nana's life unfolds without a satisfying love relationship and the heroine can therefore be seen as the victim of a No Love Script.

One of the distinctive features of the Encyclopédie was the creation of a new status for the crafts and trades in France. This work takes an inventory of over 300 trades and implements a unique methodology for documenting them. The iconographical dimension of this methodology becomes a crucial component in the endeavour to furnish practical and useful instruction where words cannot deliver. Diderot's underlying intent is to reveal the inventions of the artisans and the particular operations relating to their trades, with the objective to sensitize his audience to the necessity and honour of manual labour, eradicate existing prejudice held against the artisan and heighten productivity for the nation. The innovative qualities of the Encyclopédie are in large part responsible for its commercial success and the successive versions which follow. The cheaper, small format editions reach a wider readership, but they suppress all of the plates relating to the crafts and trades, thus compromising Diderot's social vision. However, if we look a little further afield, outside of the direct lineage of Diderot's Encyclopédie, we notice that the Encyclopédie méthodique conceived and launched by Panckoucke, takes up the original content of the first edition in its entirety and publishes it in an accessible edition, organized this time by subject area, which gives birth to the Arts et métiers mécaniques dictionary. We shall determine how this specialized dictionary is the most effective conduit for Diderot's social ideology of all the avatars of the Encyclopédie in the XVIIIth century. / L'invention d'un statut pour les arts et métiers constitue pour une large part l'originalité de l'Encyclopédie. Cette dernière recense plus de 300 métiers et établit une méthodologie innovatrice pour les documenter. La dimension iconographique se révèle essentielle pour fournir des informations pratiques et utiles là où les mots font défaut. Diderot désire exposer les inventions des artisans et les procédés de chaque métier dans le but de sensibiliser le public aux bienfaits du travail manuel, d'éradiquer les préjugés envers l'artisan et d'accroître la productivité de la nation. L'originalité de l'œuvre est largement responsable de son succès commercial et de sa fortune. Les éditions portatives, moins chères, voient le jour et rejoignent un public élargi, mais les éditeurs ont décidé de supprimer les planches relatives aux arts et métiers, compromettant la vision sociale de Diderot. Pourtant, une autre édition, publiée ultérieurement, hors de la lignée directe de la première édition, voit le jour. Il s'agit de l'Encyclopédie méthodique de Panckoucke qui reprend l'édition originale dans sa totalité et la rediffuse par ordre méthodique qui donne naissance au dictionnaire Arts et métiers mécaniques. Nous allons déterminer comment ce dictionnaire spécialisé parvient le mieux, de tous les avatars de l'Encyclopédie du XVIIIe siècle, à diffuser l'idéologie sociale de Diderot.

This thesis explores Spanish narratives of coexistence in Muslim and Native American lands, collected around the issue of captivity, through a corpus that covers the period of the intellectual history of Spain marked by the struggle against Islam, the Counterreformation and the conquest of America (1492-1609). The first of the works studied is the Viaje de Turquía, a satirical dialogue from the mid-sixteenth century. This text controverts the idea of a rigid separation between Christendom and Islam, West and East, through a comparative critique that argues for a more pluralistic, open and tolerant Spanish society. The second part focuses on two texts representative of the work and thought of Miguel de Cervantes: El trato de Argel, his first theatrical piece, written in 1580 on his return from captivity in North Africa; and the Historia del cautivo, one of the so called episodes included in the first Quijote (1605). Both works question the concept of religious uniformity as a criterion of identity, showing the public that, to achieve harmony and social integration, tolerance and inclusion lead to more favorable results than the repression of differences, which is counterproductive. The final section is focused on the Relación of 1542 by Álvar Núñez Cabeza de Vaca, in which the author relates his shipwreck, captivity and long journey across North America between 1528 and 1536. This work is framed by the controversies surrounding the legality of the conquest and the manner in which the faith should be propagated, seeking to undermine generalizations that were used to legitimize coercion, such as human sacrifice, cannibalism and the Aristotelian concept of natural slavery. Like the other texts analyzed herein, the Relación transcends self-reference to function as a critical instrument, in this case, of forced conversion, unnecessary violence and the abuses of the conquest. All the works studied exemplify the conception of a conscious pluralism that grants to wr / Cette thèse explore des narrations espagnoles de coexistence en terres islamiques et amérindiennes, c’est-à-dire un corpus couvrant une période intellectuelle marquée par la lutte contre l’Islam, la Contre-Réforme et la conquête de l’Amérique (1492-1609). La première des œuvres étudiées est Viaje de Turquía, dialogue satirique du milieu du XVIème siècle qui vient contredire l’idée d’une séparation rigide entre Chrétienté et Islam, argumentant, par le moyen d’une critique comparative, en faveur d’une société espagnole davantage plurielle, ouverte et tolérante. En deuxième lieu, sont analysés deux textes représentatifs de l’œuvre et de la pensée de Miguel de Cervantes: El trato de Argel, sa première pièce à caractère théâtral, composée en 1580, soit au retour de sa captivité dans le nord de l’Afrique; et Historia del cautivo, l’un des épisodes dits intercalés du premier Quijote (1605). Les deux textes problématisent le concept d’uniformité religieuse en tant que critère identitaire, démontrant au public que la tolérance et l’inclusion s’avèrent plus favorables à l’harmonie et à l’intégration de la société que la répression de la différence, dont les effets sont contre-productifs. La dernière œuvre à l’étude est la Relación de 1542 de Álvar Núñez Cabeza de Vaca, dans laquelle l’auteur donne les détails de son naufrage et sa captivité, ainsi que de son arrivée en Nouvelle-Espagne après un périple qui dura de 1528 à 1536. Cherchant à déloger les idées généralisantes, des idées telles que la servitude naturelle de base aristotélique, les sacrifices humains et l’anthropophagie, ce texte s’insère dans le cadre des débats sur la légitimité de la conquête et la manière dont devrait se propager la foi. Comme dans le cas des autres textes analysés, l’autoréférence est ici transcendée et sert d’instrument pour la critique de la conversion forcée, de la v

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This thesis examines three novels by Italian women writers: Althénopis by Fabrizia Ramondino (1981), L'amore molesto by Elena Ferrante (1992), and Madre e figlia by Francesca Sanvitale (1980), all of which deal with a difficult or conflictual mother-daughter relationship. The narrators reconstruct the figures of their mothers after their death through writing, trying to establish a connection or to come to terms with them. This paper looks at how the maternal body, identified as a locus of both desire and conflict for the daughter, is treated in the three works. Moreover, the formal aspect of each text will be examined, to show how both the genre and the structure represent an indication of whether or not the narrator's conflict has been successfully resolved by means of writing. / Cette thèse examine trois romans d'écrivaines italiennes: Althénopis de Fabrizia Ramondino (1981), L'amore molesto de Elena Ferrante (1992) et Madre e figlia de Francesca Sanvitale (1980), chacun desquels traite d'une relation difficile ou conflictuelle entre mère et fille. Chaque narratrice reconstruit au moyen de l'écriture la figure de sa mère après sa mort, en essayant d'établir une connexion ou se réconcilier avec elle. Ce travail analyse la façon dont le corps de la mère, identifié comme lieu à la fois de désir et de conflit pour la fille, est abordé dans les trois œuvres. De plus, l'aspect formel de chaque texte sera examiné, afin de montrer la façon dont le genre littéraire et la structure indiquent si la narratrice a réussi ou non à résoudre, par le biais de l'écriture, les conflits reliés à la relation avec la mère.

The starting point of this thesis is the genre indication of "récit", placed on the cover of Un balcon en forêt by its author. Published in 1958, this book is most often considered as Julien Gracq's last novel : thereafter, the novelist turned to more intimate and fragmented genres. The purpose of this thesis will be to question Gracq's withdrawal from the novel in the post-war context. This will allow us to understand how a writer who did not, a priori, subscribe to the "age of suspicion" described by Nathalie Sarraute, still underwent a certain form of "crisis of the novel". The first chapter of this study will present the particularities of the "gracquian" waiting in Un balcon en forêt. We will see that this waiting, unlike its manifestations in Gracq's earlier novels, places the characters in a framework of broken relations with the outside world. The protagonist Grange's response to this new existential situation will be the subject of our second chapter. Grange, who differs from the other characters by his awareness of the utter impossibility of an authentic life, refuses to act upon the many alternatives generated by his mind. In the third chapter, we will see that the novel offers no resistance to its character's destructive work. By allowing Grange to avoid all confrontations with the social world and by providing him with a habitable space outside of it, the novel is bereaved of its constitutive irony and collapses onto itself. At the end of this thesis, we will revisit Gracq's very own "crisis of the novel" to show that the impossibility of the genre was revealed to him through the experience of writing Un balcon en forêt : the way out of the novel, suggested in the character of Grange, turned out to be the only possible way for Gracq. / Cette étude prend comme point de départ la mention générique de « récit » posée sur la couverture d'Un balcon en forêt par son auteur, Julien Gracq. Publié en 1958, ce livre peut être considéré comme le dernier roman de l'écrivain, qui s'est, par la suite, tourné vers la forme intime et fragmentaire du carnet. Il s'agira d'interroger la sortie du roman de Gracq en fonction de la crise qu'a connu le genre dans l'après-guerre, afin de voir comment celle-ci a été vécue par un romancier n'adhérant pas a priori au « soupçon » ambiant. Le premier chapitre de ce mémoire montrera les variations que subit l'attente gracquienne dans Un balcon en forêt, variations ayant pour conséquence de placer les personnages du récit dans une situation de liens brisés avec le monde extérieur. La réponse de l'aspirant Grange à cette condition existentielle sera présentée dans un deuxième chapitre. Le personnage, qui se distingue des autres par sa conscience de l'impossibilité de toute vie authentique dans le monde, se maintient dans la virtualité de l'action et refuse de donner suite aux mondes de rechange qu'il produit en imagination. Dans le troisième chapitre, nous verrons que le roman n'offre aucune résistance à ce travail de sape du personnage : en n'imposant pas à Grange une confrontation avec le monde, en lui ménageant un espace « habitable » à la maison forte où il est mobilisé, le roman se prive de son ironie constitutive et finit par s'affaisser en lui-même. Au terme de cette étude, nous ferons valoir que l'impossibilité du roman a été révélée à Gracq dans et par l'expérience d'Un balcon en forêt : la « voie de sortie » du genre romanesque, suggérée par le personnage problématique de Grange, s'est finalement avérée être la seule voie concevable.

Scopo di questo saggio non è di raccontare la storia di un uomo, ma di fornire un contributo alla storia di un libro. Sarà, tuttavia, opportuno, come introduzione al nostro studio, dare un breve cemno della vita di Innocent Gentillet e delle sue opere. Tralasciando i particolari, spesso incerti e oscuri, della sua vita, ci fermeremo soltanto sulla linee generali e sui documenti dai quali esse si desumono. I biografi di Gentillet concordano nel dire - ed è anzi questo uno dei pochi punti sui quali sono d'accorda - che egli nacque a Vienne, nel Delfinato, nella prima metà del XVI secolo. Si ignora la data della sua nascita.

In this dissertation I trace the representation of theatrical scenes on the screen in post-1950 Spanish films and analyze how the interactions between theater and cinema shape both arts. I claim that theater functions in two ways in these films: as a mirror that reflects the historical moment described in each film; and as a self-reflective process, not only about the directors' creative work, but also about their role in society. In my analysis of Cómicos (1954), the first movie directed by Juan Antonio Bardem, I argue that by framing theater as a "heterotopia" — a place of otherness that juxtaposes several incompatible spaces in a single real place— the film counters the oppressive reality of Francoist Spain. If in Mario Camus' Los farsantes (1963), theater functions as an inverted mirror that reflects a distorted image of reality, Pedro Almodóvar's most acclaimed film, Todo sobre mi madre (1999), represents theatre as a space of change that illustrates individual, historical and social transformation. Finally, in Pretextos (2008) by Silvia Munt, theater occurs beyond the stage, as an intrinsic part of private life. From 1954 to 2008, the interactions between stage and screen push the limits and permeability of these arts: through the camera lens theater works as a political instrument during the dictatorship, to become, in the democratic years, a means for personal aesthetic expression. / Cette thèse a pour but d'étudier la représentation de scènes théâtrales qui apparaissent dans quatre films espagnols postérieurs à 1950 ainsi que d'analyser comment les interactions entre le théâtre et le cinéma façonnent ces deux arts. Cette investigation soutient que le théâtre fonctionne de deux manières différentes dans ces films: tel un miroir qui reflète les moments historiques décrits dans chacun d'eux ; et tel un processus d'autoréflexion, non seulement du travail créatif du directeur, mais aussi sur le rôle de celui-ci dans la société. Dans mon analyse de Cómicos (1954), la première œuvre filmique dirigée par Juan Antonio Bardem, j'affirme que le fait d'encadrer le théâtre comme une «hétérotopie» —un lieu pour localiser l'altérité au sein duquel se juxtaposent dans un seul lieu réel des espaces divers et incompréhensibles— permet au film de s'opposer à la réalité oppressive de l'Espagne Franquiste des années 50. Si dans Los farsantes (1963), film dirigé par Mario Camus, le théâtre fonctionne comme un miroir inversé qui reflète une image dénaturée de la réalité, dans Todo sobre mi madre (1999), l'œuvre la plus acclamée de Pedro Almodóvar, le théâtre est représenté comme un espace de changement qui illustre une transformation individuelle, historique et sociale. Finalement, en Pretextos (2008), film écrit et dirigé par Silvia Munt, le théâtre va au delà de la scène, telle une caractéristique intrinsèque de la vie privée. De 1954 à 2008, les interactions entre la scène et le grand écran ont dépassé les limites et la perméabilité de ces arts : à travers la lentille de la caméra et le théâtre opéra comme instrument politique durant la dictature, pour devenir, durant les années de la démocratie, une forme d'expression esthétique et personnelle.

In the light of Bassani's lifelong interest in the visual arts and the history of art, the analysis indentifies the connection between a number of art-historical intertexts and specific psychological patterns operating in Il romanzo di Ferrara in terms both of imagery and structure of the text. Moreover, the analysis shows the several homologies existing between the sequence of the textual configurations and the intradiegetic itinerary of an authorial subjectivity. Objective of the thesis is to demonstrate how Bassani's ambivalent relation towards the aesthetic discourse of his times translates into his critical and deconstructive appropriation of it. / A la lumière de l'intérêt constant de Bassani pour les arts visuels et l'histoire de l'art, l'analyse établit le lien entre une série d'intertextes historico-artistiques et de motifs psychologiques particuliers opérant dans Il romanzo di Ferrara en termes d'imaginaire et de structuration du texte. En outre, l'analyse montre les homologies existant entre la séquence de ces configurations textuelles et l'itinéraire intradiégétique d'une subjectivité autoriale. Le but de ce travail est de démontrer comment l'ambivalente relation de Bassani par rapport au discours esthétique de son époque résulte en son appropriation critique et déconstructive du même discours