This dissertation makes a case for the importance played by four short stories, Lope de Vega's Novelas a Marcia Leonarda, in the development of the modern novel, and will contribute an exhaustive analysis of Lope's narrative strategy and the way he confronts and solves the various problems between theory and narrative practice, reconsidering the boundaries of fiction and revealing the permeability and porosity of the new genre The Novelas a Marcia Leonarda have received scarce attention by critics and only a handful of generic works and articles have been published on the subject. Critics have perceived "inconsistencies" to Aristotle's theory in the text, such as the numerous digressions or the implausability of certain episodes and characters. My dissertation claims just the opposite: these alleged inconsistencies are legitimate under the light of a different approach, as they are intended as devices to enhance the narrative. I consider the love-offering that frames the Novelas a Marcia Leonarda to be the key to interpretation of the real driving force that underlies all four stories; as love offerings, the four novelas are written exclusively to gratify a very particular reader. From this perspective, the literary creative process itself is depicted as a dialogue between two lovers, whose mutual interaction brings the story to life. The complicity between them makes the articulation of the story a game of two, where it is "allowed" to simultaneously praise the virtues and parody the weaknesses of the existing narrative forms. Considering the dialogue with Marcia as the key point of departure, my dissertation examines all the components that take part in the process of the gestation of the four stories: elements that belong to oral communication (such as the overall empathetic tone and the inclusion of spontaneous digressions), conventions and techniques from the most influential novelistic genres at the time (such as the Chivalric novel, the Pastoral novel, the Moorish novel and the Byzantine novel), the intertextual dialogue with Cervantes and some references to Lope's own biographical anecdotes and intimate facts about his relationship with Marta de Nevares, his last love and the alter ego of the reader Marcia. / text

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Call number: LD2668 .T4 1958 Z85

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The primary dramas examined in this study are Vicente Garcia de la Huerta's Raquel and Felix Lope de Vega's La hermosa Ester. This thesis is a textual analysis that seeks both to challenge and complement the existing literary criticism that has focused on construction of the female protagonists and the theme of heroism and culpability. Raquel and La hermosa Ester demonstrate the centrality of their female protagonists in the socio-political macrostructures of the seventeenth and eighteenth centuries through their ability to influence the functioning of a monarchy and its reigns of power. / The predominant theme that is explored is the ascension and descension to and from power as seen through the movement of the female protagonists within or beyond their social spheres. Other recurrent themes that are examined are the sin of pride, the virtue of humility, the vital interdependence between the monarch and nobility, the displacement of culpability and the fundamental role of the male characters. / Raquel and Ester, united in their tri-fold social marginalization as Jewish, lower class females, are juxtaposed with the dominance of a deeply rooted patriarchal, aristocratic and pagan society. While La hermosa Ester offers the possibility of ethnic, religious and political coexistence on the throne, Raquel does not achieve this ideal. However, Raquel's commanding presence is able to unveil the chaos that lies beneath the monarchical order. / The final objective of this thesis is to embrace the portraiture presented of two women who are catapulted into political realms, polarized in love, servitude, sacrifice and salvation, but who are uniquely bound by heroism, marked in a bleeding lover or blessed in the hymn of a nation.

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Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

A finales del siglo XVI, el género épico irrumpe con fuerza en Europa, con una serie de autores italianos (Tasso, Boyardo, etc.) que se convierten en referentes. En España, el género fue recogido por autores como Alonso de Ercilla, Pedro de Oña o el mismo Lope de Vega. Con La Dragontea, Lope de Vega intenta cultivar la épica culta, y alejarse así de la imagen de autor popular. El poema narra los hechos sucedidos durante la última expedición del corsario Francis Drake a América, con su derrota y muerte. En este estudio, analizaremos el poema en su contexto literario e histórico, situándolo entre la producción épica española y la de Lope, así como su temàtica nacionalista y colonial. El resultado es una aproximación a un poema que, más que ningún otro, pone de manifiesto el evidente interés de Lope en el género culto. / At the end of sixteenth century, the epic genre invades Europa, with a row of Italian authors (Tasso, Boyardo, etc.) who become point of referente. In Spain, the genre was taken in by authors like Alonso de Ercilla, Pedro de Oña or even Lope de Vega. With La Dragontea, Lope de Vega tries to practice the cultured genre, leaving his image as a popular author. The poem explains the facts during the last expediction of corsaire Francis Drake to America, with his final defeat and dead. In this study, we will analize the poem in its literary and historical context, setting it into the Spanish epic production and Lope’s works, and also analize its nationalist and colonial theme. The result is an aproximation to a poem that, more than any other, highlights Lope’s evident interest on the cultured genre.

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El trabajo de tesis se centra en el análisis del trabajo poético del mito de Dafne y Apolo efectuado por Garcilaso de la Vega (en su soneto XIII y su égloga III), Lope de Vega (en “A las fugas de Juana en viendo al poeta, con la fábula de Dafne” de Tomé de Burguillos) y Francisco de Quevedo (en “A Dafne huyendo de Apolo” y “A Apolo persiguiendo a Dafne”). Si bien la fuente canónica donde se encuentra recogido el mito es la misma, la Metamorfosis de Ovidio, estos poemas reescriben el mito de manera distinta. El objetivo del análisis es plantear y reflexionar acerca de las diferencias que plantean los trabajos poéticos entre sí. Es decir, se analiza cómo responde cada elaboración mítico-poética al periodo al que corresponde (Renacimiento o Barroco), cómo se representan a los actantes del pasaje mítico (y cómo dicha representación se aleja o se acerca de los cánones de belleza), qué convenciones líricas e ideológicas influyen en la configuración de una dinámica del amor (petrarquismo, travestimiento burlesco, sátira) y qué distancia se toma en la reescritura del pasaje mítico (qué detalles son privilegiados, qué se agrega y qué sobrevive en la reescritura del mismo). A partir de este análisis se pretende corroborar la siguiente hipótesis: en esta re-elaboración poética se opera un severo desplazamiento dentro del marco de representación; lo abstracto deja su lugar a lo concreto, ingresa el trabajo, el dinero y lo grotesco en el ámbito idealizado renacentista. Todo esto responde a condicionamientos históricos que reconfiguran la relación de la literatura con el mito clásico. Para poder efectuar el análisis del trabajo poético del mito ya mencionado, se ha hecho mano de herramientas hermenéuticas provenientes de la teoría literaria contemporánea. En primer lugar, para fijar la función de la Dama dentro de la dinámica del amor petrarquista, además de plantear las similitudes con el poeta toscano, se ha revisado el análisis que realiza Slavoj Zizek del amor cortés en su artículo “El amor cortés o la mujer como Cosa”. En segundo lugar, para poder situar una nueva representación de la dama y del amor en términos del “realismo grotesco”, se ha consultado el concepto de literatura carnavalizada propuesto por Mijail Bajtín en su libro La cultura popular en la Edad Media y el Renacimiento. Por último, se ha utilizado la categoría de “modulación demoniaca”, propuesta por Northrop Frye en su libro Anatomía de la crítica, para explicar la inversión mordaz operada por la sátira quevediana en el tratamiento del material mítico. Tras el análisis de los poemas indicados, se ha podido arribar a las siguientes conclusiones. En primer lugar, en la representación de la dama se ha efectuado tanto una inversión tanto en términos estéticos como sociales. La Juana de Lope, una lavandera, rompe con los cánones de belleza tradicionales. La Dafne prostituta de Quevedo es objeto intercambiable, ya no ente intangible, por lo que se invierte no solo la caracterización de la mujer, sino también la relación de poder trazada entre amante y amada en la concepción amorosa petrarquista. En segundo lugar, se ha operado un desplazamiento dentro de los modos miméticos de la representación. Se pasó del modo mimético elevado, en el que la dama de Garcilaso es una representante del mundo divino (ente angelical), al modo mimético bajo, mundo de la experiencia, del trabajo, del dinero y de las partes del cuerpo clausuradas por la alta cultura. Este desplazamiento va de la mano con el que se opera dentro de los subgéneros poéticos del soneto: se comenzó con el soneto amoroso petrarquista, de lamento lírico y corte plástico; se pasó por el soneto burlesco, con metáforas concretas y quejas sin atenuación lírica; y se desembocó en el soneto satírico, con lenguaje descarnado y crudo que hace hincapié en la relación de poder invertida. En tercer lugar, se opera también un desplazamiento dentro de la representación del amor y del deseo. La dama del amor cortés es numen que manda y castiga desde su propio altar, elevada por el amor de la voz poética. La Juan de Tomé provoca en el sujeto poético deseo sexual, el cual se enuncia explícitamente y es capaz de subyugar al sujeto. En Quevedo, toda espiritualización del amor o de la dama es dejada de lado por lo concreto y lo material. El deseo es claramente sexual y la forma de resolverlo es económica. En cuarto lugar, dentro de estas distintas re-elaboraciones examinadas, se opera un proceso de acercamiento al material mítico tratado. La distancia renacentista que asiste al mito como un espectador visual es reemplazada por la voz poética quevediana que interviene en el pasaje mítico mismo. Así mismo, este proceso de acercamiento es paralelo a la reelaboración del mito como expresión fundamental de la poética petrarquista. En Garcilaso, el mito enmarcará sus preceptivas acentuando el castigo (el llanto final del dios). Lope propondrá una estética paralela a la canonizada a partir de la carnavalización y el realismo grotesco, pero mantendrá a la Dama en su condición de intangible. Quevedo, por último, destruirá esta dinámica al situar a la ninfa dentro del terreno de lo negociable. De esta manera, el marco primero del petrarquismo, contenido en este mito, expresión simbólica a la vez que ideológica y estética, se quebrará irremediablemente por el poder corrosivo de la sátira, expresión de nuevos valores sociales y morales. / Tesis