Tesis

Aproximarse teóricamente a un tema como el videoarte tiene varias consideraciones tales como el interés en investigar las formas artísticas de creación contemporánea, su relación con la producción en video y las formas de expresión y comunicación en las que las obras de videoarte se convierten. Esta tendencia se expresa en nuestro país, según algunos críticos, como la «nueva metáfora creativa que se identifica con los jóvenes, buscando una expresión más auténtica y vinculada a la realidad peruana». Son expresiones artísticas que se desarrollan en combinación con la era digital de las comunicaciones, adelantos y abaratamientos tecnológicos, que cada día están presentes en muchos más campos interactuando con diferentes formas y medios de comunicación y de entretenimiento, adoptando diferentes formatos y canales de difusión, lo que las convierte en propuestas totalmente dignas de estudio en nuestro país. / Tesis

Este proyecto artístico se inicia con cuestionamientos acerca del estado inconsciente, repetitivo y mecánico del trabajo humano. Vivimos en una actualidad donde la competencia, a través del sistema económico, es el carbón que prende la máquina de crear ilusiones a costa de la sensibilidad humana, con el fin de que la máquina se mueva a través del consumo y el valor económico. Por ello, existe la importancia de relacionar la dinámica del fin (ya sea material o inmaterial) con su carente falta de sentido; ya que, la promesa de felicidad que emite el sistema neoliberalista se comporta como un sistema paradójico que, contrario a su discurso, revela ser un lugar vacío e irracional. En ese sentido, el objetivo de esta tesis implica volver a revisar la cotidianidad a partir de un contexto neoliberal y problematizarlo con el fin de develar su sentido más profundo; al mismo tiempo, revelar o sacar a la luz implica rebelarse contra el sistema. Una batalla que no tiene fin. Los supuestos teóricos como artísticos de esta tesis nacen de una reflexión en su mayoría contemporánea y multidisciplinaria. Los argumentos y posturas refuerzan la problemática situación tanto social, política y filosófica frente a los efectos de la ilusión neoliberal. Finalmente, volver a mirar nuestro quehacer diario nos confronta con una serie de preguntas y reflexiones que invitan a alejar la mirada de la inmersión cotidiana, para así tomar conciencia y acción de nuestra experiencia con el mundo. / This artistic projects starts from the questionings regarding the unconscious, repetitive and mechanical states of the human work. We live in an actuality where the competition, throughout the economic system, is the coal that fuels the ilusiónmaking machine in expense of the human sensibility, being the ultimate goal that the machine moves across consumption and economic value. That is why the importance of relating the dynamic of the purpose (being material or inmaterial) with its lack of sense exists, that being because the promise of happiness that is given by the neoliberal system behaves like a paradoxical system that, contrary to its discourse, it reveals itself as an empty and irrational place.In that sense, the 4 objective of this thesis begins from going over again the everyday parting from a neoliberal context and problematize it with the objective of reveling its most profound meaning; at the same time, revealing or enlightening implies rebelling against the system, a battle with no end. The theory and artistic assumptions of this thesis part from a reflexion made mostly from a contemporary and multidisciplinary setting. The arguments and stances strengthen the problematic situation, that being social, politic and philosophical in front of the neoliberal delusion. Finally, looking back to out daily tasks confronts us with a series of questions and reflexions that invite us to move away our sight of our everyday immersion, to be able to take consciousness and action of our own experience with the world.

La estructura del presente trabajo es la siguiente: en una primera parte, explicaré qué es el found footage y presentaré brevemente sus antecedentes históricos, de dónde apareció y cómo se ha ido utilizando durante la historia del cine y de las artes plásticas a través de la descripción de ejemplos concretos, que ayudaran a entender su naturaleza como un registro para restaurar hechos y tiempos a través de la apropiación, re-contextualización y re-elaboración de imágenes en movimiento. En una segunda parte, reflexionaré sobre el significado de las imágenes del found footage a partir de conceptos tales como: los intermediarios de la imagen, el tiempo, la memoria y su reconstrucción, la huella y el índice, y la reproductibilidad. Recurriré por ello a los estudios de Krauss, Peirce, DidiHuberman, Barthes, Benjamin, entre otros autores, quienes centran su interés en el carácter ontológico de las imágenes registradas y/o en los diferentes niveles de interpretación que ellas pueden tener, que es uno de los puntos de mayor importancia en mi investigación, es decir, aproximarnos al significado que pueden presentar las imágenes empleadas en 1977. Y, finalmente, en una tercera parte explicaré el proyecto artístico, es decir la obra en sí: 1977. Anotaré sus antecedentes históricos, biográficos así como sus características y fines.

La presente investigación aborda cómo la imagen es utilizada en la obra Lo Que Fue y No Pudo Ser, la cual es resultado de mi proceso creativo del curso de Proyecto final 1 de la carrera de Danza Contemporánea en la PUCP. Esta obra se desarrolló durante el periodo de confinamiento por la pandemia y el único medio en el que se podía realizar el proceso creativo fue mediante el video. En dicho punto de partida me encontré con conflictos tanto creativos como personales, ya que me vi en la situación de adaptar un proyecto que había sido planeado para realizarse de manera presencial. Por esa razón el proceso creativo tuvo que ser diseñado para un resultado en formato audiovisual y es a partir de este que me surgieron dos cuestionamientos: la necesidad de tener un público presente en un escenario y mi línea creativa. En la búsqueda de mi línea creativa, la autoficción cobra un peso importante puesto que es de mi interés el tener procesos creativos desde mis vivencias para luego llevarlas a una ficción. ¿Cómo es el proceso de creación de un artista? Aquello, originó una búsqueda de un nuevo lenguaje y el cuestionamiento de “si es o no es danza contemporánea”. Por último, la presente investigación también cuestiona la presencia escénica del artista, puesto que esta es entrenada para ser aplicada en un escenario. No obstante, ¿Qué es lo que ocurre con ella cuando este está en un video? Debido a todas aquellas interrogantes mencionadas, es que se genera la presente investigación dentro de los códigos del video, videodanza y la autoficción. / The present investigation addresses how the image is used in the work What Was and Could Not Be, which is the result of my creative process of the Final Project Course 1 of the Contemporary Dance career at PUCP. This work was developed during the period of confinement due to the pandemic and the only medium in which the creative process could be carried out was through video. At that starting point I found both creative and personal conflicts, since I found myself in the situation of adapting a project that had been planned to be carried out in person. For this reason, the creative process had to be designed for a result in audiovisual format and it is from this that two questions arose: the need to have an audience present on stage and my creative line. In the search for my creative line, autofiction takes on an important weight since it is in my interest to have creative processes from my experiences and then turn them into a fiction. How is the process of creating an artist? That originated a search for a new language and the questioning of “whether or not it is contemporary dance”. Finally, this research also questions the stage presence of the artist, since it is trained to be applied on stage. However, what happens to her when she is in a video? Due to all those questions mentioned, it is that the present investigation is generated within the codes of video, videodance and autofiction.

El presente estudio analiza el rol del video en la obra de Elena Tejada-Herrera con el objetivo de comprender cómo constituye una herramienta performática, expresiva y discursiva en su universo de creación transdisciplinaria. Esto surge a partir de un interés por profundizar en la obra de una de las artistas más representativas del arte contemporáneo y arte feminista peruano en relación al campo del video artístico en nuestro país. La investigación de carácter cualitativo hace un análisis basado en la observación y descripción de cinco obras, Bomba y la bataclana en la danza del vientre (1999), La manera en que decenas de personas miran a una mujer desnuda (2000), One day around the neighborhood choreographing me (2006), Animales de papel (2016) y The girls learn to fight (2019), así como en entrevistas a Elena Tejada-Herrera, y otros especialistas en su obra y la videocreación artística en el Perú. Para comprender a profundidad cómo el video cumple una función performática y discursiva, se interpreta la obra desde el Análisis Crítico del Discurso (ACD) abordando la teoría de género y la estética de la liberación. Como conclusión se propone que, gracias a las propiedades inherentes del video como medio de expresión, la artista dispone de este y sus tecnologías, atribuyéndole diferentes formas y roles, en función de su discurso disidente en respuesta a los diversos contextos que condicionaron su producción artística y a los discursos opresores de su realidad a partir de su identidad, así como en relación a sus necesidades transdisciplinarias de expresión.

El presente trabajo busca exponer la responsabilidad ética del creador en danza en cuanto a presentación y difusión de una video danza, teniendo presente que para el público este formato no es tan usual en comparación a las presentaciones en vivo. Dado que, deseamos generar una reflexión sobre la formación o capacitación de los creadores en danza con el fin de que sepan cuáles los conceptos necesarios para realizar este tipo de proyecto. De igual forma, se muestra la importancia de la herramienta de video danza para la danza en general, cuáles son esas nuevas posibilidades que nos brinda. Asimismo, la situación presentada se discute en relación a los conceptos éticos sobre la responsabilidad que tiene el creador ante su público, ya que, ellos de alguna forma confían ante lo que se les presenta. Sin dejar de lado que la representación se vincula con el público en cuanto a la exposición de un cuerpo, esto se discute a cómo el creador y el espectador se relacionan, y agregándole los principios éticos de beneficencia y justicia. / This investigation seeks to present the ethical responsibility of the dance creator in terms of presentation and dissemination of a dance screen, bearing in mind that for the public this format is not so usual compared to live performances. Since, we want to generate a reflection on the formation or qualification of the creators in dance in order that they know what the necessary concepts to carry out this type of project. In the same way, the importance of the dance screen tool for dance in general will be shown, what are these new possibilities that it offers us. Likewise, the situation presented is discussed in relation to the ethical concepts about the responsibility that the creator has before his public, since they somehow trust what is presented to them. Without neglecting that the representation is linked to the public in terms of the exhibition of a body, this argue about how the creator and the spectator relate, and adding the ethical principles of beneficence and justice.

Aproximarse teóricamente a un tema como el videoarte tiene varias consideraciones tales como el interés en investigar las formas artísticas de creación contemporánea, su relación con la producción en video y las formas de expresión y comunicación en las que las obras de videoarte se convierten. Esta tendencia se expresa en nuestro país, según algunos críticos, como la «nueva metáfora creativa que se identifica con los jóvenes, buscando una expresión más auténtica y vinculada a la realidad peruana». Son expresiones artísticas que se desarrollan en combinación con la era digital de las comunicaciones, adelantos y abaratamientos tecnológicos, que cada día están presentes en muchos más campos interactuando con diferentes formas y medios de comunicación y de entretenimiento, adoptando diferentes formatos y canales de difusión, lo que las convierte en propuestas totalmente dignas de estudio en nuestro país.

Dada la coyuntura por el Covid-19, la producción de diferentes obras audiovisuales ha ido en aumento por la facilidad que brinda el mundo digital. Este nuevo contexto lleva al profesional de lo audiovisual a buscar nuevas formas de poder reinventarse y contar historias. Por ello, en Confiar en mí, una vez más se profundiza y reflexiona sobre la labor del realizador audiovisual en tiempos de confinamiento a partir de la experimentación del lenguaje audiovisual, y exploración performativa como una forma de transmitir emociones, además de la simbiosis entre ambos frentes para lograr contar una historia que invite a la reflexión final de los espectadores. En otras palabras, demostrar el poder del audiovisual para guiar las subjetividades de los espectadores y crear nuevas formas de contar historias sin necesidad de palabras. Confiar en mí, una vez más muestra el viaje interno por diferentes capítulos de la vida por el que atraviesa un bailarín para poder descubrirse y aceptarse, todo ello contado a través de la simbiosis generada entre performances y el lenguaje audiovisual. Los objetivos por lograr son los siguientes: 1) incentivar la reflexión sobre el difícil proceso por el que atraviesa un joven bailarín homosexual que busca dedicar su vida al arte, específicamente a la danza a partir de una inmersión performativa, 2) mostrar el proceso por el que atraviesa un joven bailarín para lograr su descubrimiento y autoaceptación a través de un viaje interno performativo y 3) exponer y describir el rol de los bailarines varones en la danza clásica, así como el tecnicismo presente en el desarrollo de la danza. Con el fin de lograr estos objetivos, se recurrió a la teoría de la videodanza y coreografía de la mirada brindada por Alejandra Toro, así como a la Antropología de los sentidos de Constance Classen. / Given the situation due to Covid-19, the production of different audiovisual works has been increasing due to the ease provided by the digital world. This new context leads the audiovisual professional to look for new ways to reinvent himself and tell stories. For this reason, Confiar en mí, una vez más explores and reflects on the work of the audiovisual producer in times of confinement through the experimentation of audiovisual language and performative exploration as a way of transmitting emotions, as well as the symbiosis between both fronts to tell a story that invites the final reflection of the viewers. In other words, to demonstrate the power of the audiovisual to guide the subjectivities of viewers and create new ways of telling stories without the need for words. Confiar en mí, una vez más shows the internal journey through different chapters of life that a dancer goes through in order to discover and accept himself, all told through the symbiosis generated between performances and audiovisual language. The objectives to be achieved are the following: 1) to encourage reflection on the difficult process a young homosexual dancer goes through in order to dedicate his life to art, specifically to dance, through a performative immersion, 2) to show the process a young dancer goes through to achieve his discovery and self-acceptance through an internal performative journey, and 3) to expose and describe the role of male dancers in classical dance, as well as the technicality present in the development of dance. To achieve these objectives, the following theories were used: the Videodance and Choreography of the Gaze provided by Alejandra Toro, as well as Constance Classen's Anthropology of the Senses.

Este trabajo propone una reflexión sobre el tiempo en la ciudad de Lima. La percepción del tiempo en la ciudad es agobiante dado que constantemente se diluye y consume entre el tránsito vehicular y el trabajo diario. Los problemas de transporte y movilidad en Lima constituyen un conflicto social que lleva décadas aquejando a sus habitantes y ha empeorado con los años. El tiempo en el transporte, sea este público o privado, se convierte en una especie de “limbo” que se experimenta diariamente y genera en la persona una fuerte sensación de estrés y frustración. El filósofo Henry Bergson, quien estudió el tiempo y movimiento desde la perspectiva humana, desarrolla el concepto de duración y plantea que el tiempo un es movimiento continuo. Sucita asi las preguntas que darán pie a la investigación: ¿dónde está ese movimiento en el constante estancamiento de las horas punta del tránsito vehicular o del día a día limeño? y ¿cuál es el estado de este tiempo que se vive entre el estrés, la incomodidad y la frustración? Desde el arte, este proyecto busca, a través del uso del grabado y la animación, reflexionar sobre el problema del tiempo que experimentan los limeños en este escenario diario. Así, se hará uso de los recursos de ambas disciplinas para tratar la problemática de este tema. Para lograr esto, se propone una materialización simbólica del tiempo en el papel, representando tanto la cantidad de tiempo que pasa en estos momentos como el estado de este tiempo y cómo, en el descuido, se corrompe.