This dissertation examines the translation of paintings and drawings by François Boucher (1703–1770) into luxury media. Eighteenth-century collectors expended small fortunes on precious objects that reproduced Boucher’s work: cameos, intaglios, enamel-painted porcelain vessels, gold boxes, biscuit porcelain figurines, wool and silk tapestries, and furniture upholstery. Existing studies of eighteenth-century reproduction have tended to focus on innovations in printmaking that enabled the production of inexpensive and extremely faithful facsimiles of works of art. Luxury reproductions, by contrast, were expensive, scarce, and materially assertive, often calling attention to their mediums, and to the act of mediation itself. Through an investigation of the morphological, material, and temporal stakes of these intermedial translations, I show that luxury copies were not derivative substitutes for absent originals, but rather were generative tools of social, artistic, and political identity construction. A central figure in this story is the royal mistress Madame de Pompadour (1721–1764), who was an avid collector of Boucher’s work (and of reproductions after his work), and who reproduced his cameos and intaglios in a limited-edition set of engravings. Through her engravings and decorative installations, Pompadour demonstrated a keen interest in the material processes of transmission and the agency of media. I examine Pompadour’s work and patronage in relation to her political identity as a mediator between the court and the king. Boucher was the perfect collaborator in Pompadour’s project; the material processes of intermedial translation often became the very subject of his work. Boucher’s and Pompadour’s deep investment in the materiality of mediation demands that we revise our understanding of the Rococo “unity of the arts,” which too often is attributed to a dematerialized mobility.

(EN) The thesis was created as an analysis of the applied photography of Jan Svoboda (1934-1990). The czech art photographer whose work concludes, next to his own fine-art photographs, amount of documentary pictures of his contemporary art colleagues. Based on an inside view of his fine-art works consisting mostly of still-lifes it became possible to re-analyze large quantity of found material of his so called art reproduction photography which follows the very same principles of his own artwork. The analysis focuses only on documentation of three dimensional pieces of work. Resulting conclusion shows Jan Svoboda as an actual creative competitor of the documented artist's work. By his act of opening a dialog with the documented art piece which leads to a photograph that might have been often considered as an abuse of the particular art piece for the sake of formal qualities of Svoboda's work. The last part of the thesis aims to briefly reveal worldwide context of photographers documenting art pieces with emphasis on the medium of photography and therefore often surpassing demand for faithful depiction of the art object.

Ce mémoire fait état des modalités de mon processus de création évoluant en deux étapes et ayant des préoccupations esthétiques particulières à chacune. D’abord, la phase dudessin naturaliste se constitue en de fines couches de tons de gris sur la surface granulée d’une pierre lithographique. Puis, cette imagetraitée afin de pouvoir être impriméeouvrela porte à différentes variations d’une même image selon des stratégies propres à la lithographie et qui sontdéployées lors de l’impression. Àcette étape, j’ai expérimenté des approches de l’impression en noir sur papier blanc, la superposition sur des aplats colorés réalisés en lithographie, l’inversion de l’image par impression en blanc sur fond coloré, la superposition avec ou sans utilisation de pochoirs ainsi que lechine colléqui ont enrichi ma démarche artistique dans la réalisation d’un corpus d’œuvres auxmultiples nuances esthétiques.Le sujet choisi pour devenir l’image spécifique à chaque œuvre est un fragment banal d’éléments naturels qui engage une expérience d’observation attentive suivie d’une interprétation tout aussi méticuleuse par les moyens du dessin. Cette étape est non seulement imprégnée d’une intention de raffinement sur leplan du rendu, mais tous les choix exigés par le processus de création se précisent dans la volonté de donner une singularité esthétique conforme à une vision abstraite sur ce qui peut apparaître dans l’œuvre au-delà de son rapport au sujet référence. Ainsi naît cette ambiguïté entre l’attrait naturaliste et l’énigmatique saisie d’une manière d’être abstraite du dessin.L’expositionqui a mis en espace de galerie l’ensemble du projet final a proposé une disposition des œuvres créant des interrelations entre les différentes variations générées dans le processus d’impression. Dans le parcours de l’exposition, le regard pouvait percevoir plus intimement chaquelithographietout en ayant des points de vue sur différents regroupementsdes œuvres imprimées.

This thesis is an enquiry into the conditions in which various understandings of the newly introduced but vaguely grasped Western notion of ‘art’ emerged and sustained themselves in the name of cultural reproduction in early twentieth-century China. This Western concept of art was translated into Chinese as ‘meishu’, a neologism originally coined in Japanese kanji, and regarded as the embodiment of the ‘national essence’. Through a close examination of five art-related publishing events—the publication of the nationalistic journal Guocui xuebao; the launch of the art periodical Shenzhou guoguangji; the endeavours to compile a book collection on art, Meishu congshu; the making of the text Zhonguo yishujia zhenglüe which claimed to be a history book of Chinese ‘meishu’; and an example of image appropriation from Stephen Bushell’s Chinese Art—this thesis explores the ways in which different ‘neologistic imaginations’ of the term ‘meishu’ were constructed through publishing practices attempting to preserve and reproduce the ‘national essence’, by creating from the existent tradition a category of ‘art’ equivalent to that in the European West. Unlike previous scholarship, which deems any understanding of ‘meishu’ that deviated from the ‘authentic’ European model a ‘misconception’, this thesis sees these disparate understandings of ‘meishu’ as equally valid statements competing for dominance in the discursive field of art. This thesis thus argues that there existed at least three modes of utterances regarding the notion of ‘meishu’ in early twentieth-century China, and that the success of any such given utterance depended upon the acceptance of the authentic quality argued in its strategy of cultural reproduction. This thesis hence not only offers a detailed analysis of each publishing event, but also provides an interpretative framework within which the recognition of these utterances can be analysed by their strategic approaches to claiming cultural authenticity.

L'œuvre peint de Joseph Légaré (1795-1855) comporte plusieurs facettes, allant du tableau religieux aux productions utilitaires, en passant par la peinture de paysage. Ce sont ces derniers qui constituent le sujet principal de notre thèse. Entre 1827 et 1855, Légaré a peint une soixantaine de paysages, répartis aujourd'hui entre plusieurs musées canadiens et quelques collections particulières. L’objectif premier fut de présenter un regroupement des œuvres, nous permettant ainsi de suivre l'évolution de sa personnalité artistique. Une telle recherche se heurte d'emblée à l'absence presque totale d'œuvres datées et au nombre restreint de documents d'archives. Pour y remédier, nous avons situé notre objet de recherche dans l'œuvre elle-même. L'analyse stylistique, qui constitue notre approche première, trouva ainsi un terrain neuf à son application. Deux directions ont déterminé la recherche fondamentale. La première analyse la collection de tableaux et d'estampes de Joseph Légaré afin d'identifier les modèles qui l'influencèrent. Il s'agit essentiellement d'œuvres françaises, italiennes, hollandaises et flamandes des XVIIe et XVIIIe siècles qui marquèrent profondément le développement de ses paysages. L'artiste, peu familier avec le dessin des anatomies, eut notamment recours à de nombreux modèles par le biais de la gravure. La seconde direction de recherche privilégie l'œuvre des paysagistes britanniques, actifs au Québec durant la première moitié du XIXe siècle. Bien des compositions de Légaré rejoignent la vision de la nature qu'ils exprimaient dans leurs aquarelles. Celle de James Pattison Cockbum, par exemple, marqua durablement le peintre québécois. La thèse comporte deux grandes parties. La première correspond à l'analyse de !׳œuvre. Nous y avons présenté l’évolution de l'art de Légaré en une suite de cinq chapitres, allant de la copie littérale à la notion d'imitation, principe directeur de la chronologie des paysages. Nous concluons par l'étude critique des jugements portés sur les paysages de Légaré depuis les premières mentions jusqu'aux commentaires récents. La seconde partie de la thèse fait pendant à la première. Elle documente et justifie la place de chaque tableau dans l'évolution d'ensemble sous forme d'un catalogue raisonné des paysages. Enfin, une série de documents sont transcrits en annexe: nombre de nos interprétations y trouvent leurs justifications. / Ottawa Bibliothèque nationale du Canada 1995. --

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