In this study, background information, International Phonetic Alphabet pronunciations, poetic translations, and musical analyses of the ten songs that comprise Gabriel Fauré’s La Chanson d’Ève, Op. 95 are provided. Included is the relationship between his original poetry and Fauré’s resultant song cycle. Additionally, a portion is dedicated to an overview of the registers of the mezzo-soprano voice, and it specifically addresses who is best suited to perform La Chanson d’Ève. This document looks at the vocal challenges presented for the mezzo-soprano voice within each song, particularly the subject of vowel modification as it relates to the IPA pronunciation guide. Finally, by gathering all the pertinent information on Fauré’s La Chanson d’Ève into one document, this performance guide creates a succinct tool for singers and teachers in the vocal studio.

Gabriel Fauré’s Requiem, Op. 48 was an evolving work, which he continued to revise from its inception in 1887 until the published version of 1900. The focus and intent of this paper is to present a detailed analysis of Requiem, Op. 48 as well as historical background to aid conductors in the preparation and performance of this work. Discussions include the history of the requiem mass as a liturgical form, the evolution of Requiem, Op. 48, the John Rutter edition (1984) and his research, and a conductor’s analysis addressing issues of harmony, form, and style.

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Figure essentielle de la Génération de 1927, Gerardo Diego (Santander, 1896 - Madrid, 1987), une des voix les plus singulières de la poésie espagnole du XXe siècle, est aussi musicien. Familiarisé depuis son enfance à la pratique du piano, il cultive tout au long de sa vie une exceptionnelle passion musicale, maintient des rapports étroits avec d’importants compositeurs et interprètes, et consacre à l’art des sons une partie essentielle de ses poèmes, articles, essais, chroniques, notes, conférences et collaborations radiophoniques. Ce travail de recherche a pour objet l’étude de ses écrits poétiques et en prose sur Fauré, Debussy, Ravel, Falla et Esplá, les cinq compositeurs les plus représentatifs de la “musique de son temps”, au sens à la fois chronologique et esthétique de l’expression. Une fois la personnalité musicale du poète étudiée, l’auteur s’interroge depuis les perspectives croisées de la musicologie, l’esthétique et l’analyse littéraire sur le contenu et la valeur de cette partie encore inexplorée de son œuvre, et dévoile les interférences musicales contenues au sein d’un discours poétique peuplé par les sons. / Gerardo Diego (Santander, 1896 - Madrid, 1987), an essential figure of the Generation of 1927 and one of the most original voices of Spanish poetry in the 20th Century, was also a musician. Brought up on the piano, this poet had an exceptional musical passion his entire life and kept close relationships with important composers and performers. He also dedicated to music a very significant part of his poems, articles, essays, chronicles, notes, conferences and radio collaborations. This investigation focuses particularly on his writings about Fauré, Debussy, Ravel, Falla and Esplá, the five most representative composers of the so-called “music of his time”, both in chronologic and aesthetic sense. After carefully studying the musical personality of Diego, the author analyses from musicological, aesthetic and poetical perspectives this unexplored part of his work and brings to light the musical influences hidden behind the different levels of his poetic writings.

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Am Anfang des 19. Jahrhunderts übernahm das Pariser Conservatoire verschiedene Aspekte der italienischen Lehrmethoden, insbesondere die Partimenti. Diese französische Tradition begann mit dem Traktat Charles-Simon Catels (1802) und entwickelte sich durch die Publikationen von François-Joseph Fétis (1844), Théodore Dubois (1891), und Charles Koechlin (1927–30) weiter. Henri Challans 380 Basses et chants donnés (1960) ist eine der letzten Veröffentlichungen der französischen Partimento-Tradition. Dieser Beitrag gibt einen Überblick über Challans Traktat. Challan lehrt unter anderem Kadenz- und Sequenz-Muster, wie sie auch in den Orgelwerken von César Franck, Gabriel Fauré, Alexandre Guilmant und Louis Vierne auftreten. Es lässt sich zeigen, dass solche Satzmodelle wichtige Bestandteile der Improvisationspraxis dieser Organisten-Komponisten waren. Zu den typischsten Stimmführungsmustern des französisch-romantischen Stils gehören Kadenzen, die ich ›plagale Varianten‹ nenne, weil sie von der typischen Plagal-Kadenz abweichen. Manche stilistischen Eigenschaften, die wir heute als charakteristisch für Komponisten dieser Schule verstehen, waren von der Partimento-Tradition am Pariser Conservatoire geprägt. / In the early nineteenth century, the Paris Conservatory adopted various aspects of Italian teaching methods, especially partimenti1891), and Charles Koechlin (1927–30). Henri Challan’s 380 Basses et chants donnés (1960) is one of the last publications of the French partimento tradition. The present article gives an overview of Challan’s treatise. Challan presents various cadences and sequences that also appear in the organ works of César Franck, Gabriel Fauré, Alexandre Guilmant, and Louis Vierne. Such voice-leading models were integral elements of the improvisational practice of these organist-composers. Among the most typical voice-leading patterns of the French-romantic style are cadences that I term »plagal variants,« since they deviate from typical plagal cadences. Many stylistic characteristics typical for composers of this school were influenced by the partimento tradition at the Paris Conservatory.

De 1913 à 1947, entre la première prestation de ses choeurs jusqu’au décès de sa fondatrice, Marguerite Le Meignen, la Schola Cantorum de Nantes connaît une activité ininterrompue malgré deux guerres mondiales et un contexte politique agité. Le groupement naît dans une ville prospère avant la Première Guerre mondiale où la vie musicale est fort diversifiée, le théâtre lyrique occupant cependant la première place. Grâce à Marguerite Le Meignen, une femme à la très forte personnalité, une société de concerts voit le jour. Très solidement organisée, sachant communiquer avec brio, elle propose des programmes variés tant l’hiver que l’été. Le lien avec la Schola Cantorum de Paris fondée par Vincent d’Indy, affirmé avec conviction au début de l’apparition de la Schola de Nantes, se relâche très rapidement pour laisser place à une réalisation originale. La place hégémonique de Marguerite Le Meignen qui domine la vie musicale nantaise pendant trente-quatre ans, empêche la pluralité, même si elle finit par être en concurrence avec d’autres groupements symphoniques dont le principal, l’Association des Concerts Symphoniques du Conservatoire de Nantes préfigure l’actuel Orchestre National des Pays de la Loire. / From 1913 to 1947, since the first choirs performance to the death of her founder, Marguerite Le Meignen, Nantes Schola Cantorum experienced an uninterrupted activity, despite two world wars and a disturbed political context. The group is born in Nantes, a flourishing town before WWI where musical life is greatly diversified, despite the predominance of lyric theater. Thanks to Marguerite Le Meignen, a very strong personality, a concert company comes. With a great sense of organization, knowing how to communicate with brio, she suggests various programs both winter and summer. The link with Paris Schola Cantorum founded by Vincent d’Indy, assured with conviction at the creation of Nantes Schola, soon vanished very quickly. Marguerite Le Meignen’s hegemonic place, dominating Nantes musical life during thirty-four years, prevented plurality, evenif she ends up competing with other symphonic bands, particulary the famoust « Association des Concerts Symphoniques du Conservatoire de Nantes » who prefigures the actuel « Orchestre National des Pays de la Loire ».

Contained in this study is a musical discussion and analysis of seven Romance Sans Paroles (song without words), written by three French composers, Charles-François Gounod, Camille Saint-Saëns, and Gabriel Fauré. The Romance Sans Parole genre seems to be quite unknown in the piano field; as a result, there are few secondary sources available. By immersing myself in these scores, I sought to discover their musical value and compositional nuance and excellence. I thoroughly investigated each composer’s unique treatment of melody, harmony, rhythm, texture, and form. Chapter One includes an Introduction, brief biographical information on each composer, the Need for the Study, the Purpose of the Study, a Review of Literature, and a Methodology. Chapters Two, Three, and Four consist of a musical analysis and discussion of the seven Romance Sans Paroles. Chapter Five offers a Conclusion and Suggestions for Further Study. I believe my dissertation will enhance the understanding and appreciation of this art form. / School of Music

Ce travail de recherche propose une description du style mélodique et harmonique du groupe britannique Portishead et s’appuie sur l’analyse du répertoire complet, soit 33 chansons réparties sur trois albums (11 chansons par albums). Étant donné que le corpus étudié est restreint, il est possible de procéder à une analyse statistique qui permet de dégager une grammaire mélodico-harmonique. L’hypothèse de ce travail de recherche repose sur l’idée que l’évolution du langage musical de Portishead s’articule autour de procédés mélodiques et harmoniques favorisant un élargissement d’un cadre tonal équivoque. Pour ce faire, Portishead a recours à plusieurs procédés mélodiques et harmoniques qui entretiennent l’équivoque tonale. Or, ces procédés sont similaires, sans toutefois être identiques, aux six procédés répertoriés par Sylvain Caron (Caron 2002) au sujet de la grammaire de Gabriel Fauré. Par la mise en œuvre de plusieurs outils d’analyses, nous procédons à une étude comparée et contextualisée de certains mécanismes mélodique et harmonique qui font émerger l’équivoque, tant chez Fauré que chez Portishead. Ces outils d’analyse, comme l’analyse des vecteurs de ruptures mélodico-harmoniques, l’analyse paradigmatique ou l’analyse néo-riemannienne, ont été bonifiés afin de rendre compte de certaines particularités liées au corpus étudié. Ce travail de recherche est divisé en deux parties précédés d’une introduction, d’une notice biographique et d’une revue de littérature analytique. La première partie se divise en trois chapitres et s’intéresse spécifiquement au traitement mélodique équivoque. La deuxième partie, constituée des deux derniers chapitres, abordent les procédés d’équivoque harmonique. Ce travail de recherche a démontré que même si un siècle sépare les compositions de Gabriel Fauré et Portishead, l’équivoque se manifeste par une grammaire musicale commune. Nous constatons aussi que l’équivoque articule le discours formel et conditionne les rapports structurants de tension – détente de l’œuvre. / This research provides a description of the melodic and harmonic style of the British band Portishead. It is based on analysis of the full repertoire or 33 songs over three albums (11 songs per album). Since the entire corpus is analyzed, one may be able to detect chronologically trends and perform statistical analysis of the evolution of the melodic- harmonic grammar and aesthetics of the group. The hypothesis of this research work is based on the idea that the evolution of the musical language of Portishead revolves around melodic and harmonic processes favoring an expansion of tonal ambiguity frame. To do this, Portishead uses several melodic and harmonic processes that maintain tonal ambiguity. However, these processes are similar, but not identical, to the six processes listed by Sylvain Caron (Caron 2002) about the grammar of Gabriel Fauré. For the implementation of various analysis tools, we perform a comparative and contextualized study of certain melodic and harmonic mechanisms that brings out the ambiguity, both in Fauré than Portishead. These analysis tools, such as analysis of melodic-harmonic vectors of ruptures, paradigmatic analysis or neo-Riemannian analysis were enhanced to reflect certain particularities of the studied corpus. This research consists of two parts preceded by an introduction, a manual and a review of literature analystique. The first part is divided into three chapters and focuses specifically on clear melodic treatment. The second part, consisting of the last two chapters address the ambiguity of harmonic processes. This research has shown that even if a century separates the compositions of Gabriel Fauré and Portishead, ambiguity is manifested by a common grammar. We also notice that ambiguity revolves formal speeches and determines the structuring of tension – release relationships.