Au, Sau Woon Rebecca. / Thesis (Ph.D.)--Chinese University of Hong Kong, 2013. / Includes bibliographical references. / Electronic reproduction. Hong Kong : Chinese University of Hong Kong, [2012] System requirements: Adobe Acrobat Reader. Available via World Wide Web. / Abstract also in Chinese; includes Chinese. / Au, Sau Woon Rebecca.

Orientador: Mauricy Matos Martin / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-05T01:49:33Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Shimabuco_LucianaSayure_D.pdf: 32711734 bytes, checksum: f295ec999192b805044f68e56539e7d4 (MD5) Previous issue date: 2005 / Resumo: A forma como resultante do processo composicional de Gyõrgy Ligeti no primeiro livro de Estudos para piano salienta aspectos que estabelecem os Estudos de Ligeti entre os expoentes do repertório pianístico contemporâneo, não apenas pela sua substância composicional, mas também pela renovadora abordagem das possibilidades oferecidas pelo piano. Para tanto, a tese está estruturada em três capítulos: CAPÍTULO 1 - O compositor: Gyõrgy Ligeti. Trata-se de um estudo que transita cronologicamente pelos diversos períodos biográficos do compositor, reconhecendo eventos que agiiram diretamente em seu desenvolvimento e em sua conformação artística. Contextualiza compositor e obra no cenário artístico e cultural dos séculos XX e XXI, estabelecendo um campo de informações embasadas em textos e entrevistas do próprio compositor e necessárias a uma compreensão mais frutífera da obra abordada neste trabalho. CAPÍTULO 2 - A obra: primeiro livro de Estudos para piano. Após uma breve abordagem histórica da produção pianística do compositor - desde o período húngaro até o surgimento dos Estudos, na década de 80 - este capítulo oferece o levantamento e a análise dos materiais e processos composicionais empregados na elaboração da obra estudada, enfocando aspectos especificamente musicais. Salienta, sobretudo, a interação desses aspectos no delineamento de uma forma individual para cada estudo. CAPÍTULO 3 - Considerações sobre realização e interpretação pianísticas dos Estudos para piano de Gyõrgy Ligeti, com foco em "Cordes à vide". Este capítulo é dedicado à apresentação de alternativas que contribuam para uma melhor performance pianística da obra, acatando Cordes à vide como objeto de estudo. Serão enfocados tanto aspectos técnicos pianísticos, levantados durante o processo de estudo e preparação da peça, quanto interpretativos, respaldados em informações oferecidas pela partitura e em conclusões extraídas da análise musical realizada / Abstract: The Form as' a Result of Gyõrgy Ligeti's Compositional Process in the First Book of Etudes for Piano emphasizes aspects of Ligeti's Etudes that establish them among the best exponents of contemporary pianistic repertoire, not only by their compositional substance, but also by their innovative approach of the possibilities offered by the piano. Thus, the thesis is organized in three chapters: CHAPTER 1 - The Composer: Gyõrgy Ligeti. This chapter deals with a chronological study of the diverse periods of the composer's biography, identifying events that direct1y influenced his personal and artistic development. It puts into context the composer and his works within the artistic and cultural scenario of the XX and XXI centuries. This work has established a record of texts and interviews of the composer which are essential in the full comprehension of the Etudes for Piano. CHAPTER 2 - The Work: First Book of Etudes for Piano. Afier a brief historical overview ofthe composer's piano works - from the Hungarian period to the Etudesofthe 80's - this chapter surveys and analyzes the compositional process employed by the composer in the Etudes, focusing on specific musical aspects and above all, how these aspects contributed to the individual form of each Etude. CHAPTER 3 - Considerations on the Performance and Pianistic Interpretation of the Etudes for Piano by Gyõrgy Ligeti, with Special Focus on "Cordes à vide". This chapter offers altematives that are intended to improve the pianstic performance of the work, using Cordes à vide as the object for study. It will not only address, the technical pianistic aspects that were observed during the process of study and preparation of the piece, but also interpretive aspects, supported by information contained in the score and on conclusions extracted from the musical analysis / Doutorado / Doutor em Música

Orientador: Silvio Ferraz Mello Filho / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-14T18:09:21Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Lima_RodrigodaSilva_M.pdf: 18075511 bytes, checksum: cd3a56948e9e2035d15a4d2e993ca083 (MD5) Previous issue date: 2009 / Resumo: Este trabalho tem por finalidade avaliar determinados aspectos que nortearam algumas das principais especulações realizadas no campo da harmonia na música do século XX. Dentre os objetivos estiveram presentes: apontar as premissas e estratégias que fizeram parte de cada novo território harmônico, bem como explorar a idéia do uso de "matrizes harmônicas" como princípio composicional. Aliado a isso, ressaltamos também as relações entre as estratégias composicionais, via manipulação de alturas, e suas resultantes enquanto timbre e sonoridade. Para tanto, foram escolhidos compositores que em algum momento fizeram do timbre harmônico e da matéria sonora mais um elemento caracterizante dentro do processo composicional. Dentre os compositores figuraram: Claude Debussy, Arnold Schoenberg, Igor Stravinsky, Edgard Varèse, Pierre Schaeffer, Olivier Messiaen, Pierre Boulez e Flo Menezes. No caso de Varèse, justificamos sua significativa presença no trabalho por julgarmos sua relação com a matéria sonora, seu próprio material composicional, precursora na música do século XX. Por este motivo, fez-se necessário uma análise de Intégrales visando uma maior aproximação do seu idioma composicional e de suas estratégias para a escrita do timbre. Paralelamente aos estudos, tivemos como resultado uma série de obras compostas pelo autor onde a utilização de "matrizes harmônicas" passou a ser um aspecto relevante para o processo composicional, uma espécie de guia da sonoridade. / Abstract: This study has the goal of evaluating certain aspects that guided some of the main speculations in harmony in twentieth-century music. Among its objectives are: to point out the premisses and strategies that took part in each new harmonic territory, as well as to explore the use of harmonic matrixes as a compositional principle. At the same time we underline how compositional strategies relate by means of pitch manipulation, and their results in timbre and sonority. To achieve this, we chose composers that in some point made use of harmonic timbre and sound matter as a distinctive element in the compositional process. Among them stand: Claude Debussy, Arnold Schoenberg, Igor Stravinsky, Edgard Varèse, Pierre Schaeffer, Olivier Messiaen and Pierre Boulez. In Varèse's case, we justify his significant appearance by judging his relation to sound matter, and his own composition material, as pioneering in twentieth-century music. For this reason, an analysis of Intégrales became necessary, aiming at a closer approach to his musical idiom and his strategies for the writing of timbre. Besides the studies, we had as a result a series of works composed by the author in which the use of harmonic matrixes became a relevant feature in the compositional process, a sort of a guide to sonority. / Mestrado / Mestre em Música

Orientador: Mauricy Matos Martin / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-15T11:49:49Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Zaghi_Rogerio_M.pdf: 13471941 bytes, checksum: 6f974ec4d4cf242d69629df92d65383f (MD5) Previous issue date: 2005 / Resumo: Esta dissertação, apresentada ao Programa de Pós-Graduação em Artes da Universidade Estadual de Campinas/UNICAMP, destina-se a cumprir parte dos requisitos para a obtenção do título de Mestre em Artes, na área de concentração em Música. Com o título Perspectivas Analíticas e Interpretativas na Obra para Piano de Arnold Schönberg e constituída de volume único, traz cinco capítulos dedicados à obra de Schönberg, com destaque especial para o conjunto de peças escritas para piano solo. Em Arnold Schönberg: legado de contribuições para uma nova estética musical (Cap. 1), a obra de Schönberg, como um todo, é brevemente apresentada. Ainda nesse capítulo, um item destinado especificamente ao piano traz informações sobre o pequeno, porém fundamental conjunto de peças que configuram sua obra completa para piano. Nos capítulos centrais (Cap. 2, 3 e 4), aspectos ligados aos elementos que estruturam a linguagem do compositor foram explorados de diversas maneiras: em O motivo como elemento gerador e unificador do discurso musical da Peça para Piano, Op. 11, no 1 (Cap. 2), o tratamento motívico é investigado, trazendo à tona aspectos inovadores da linguagem atonal-livre em comunhão com procedimentos encontrados na tradição tonal;em O Método Dodecafônico, sua descoberta e a aplicação na primeira obra inteiramente dodecafônica: a Suíte para Piano, Op. 25 (Cap. 3), o Método de Composição com Doze Sons é investigado pelo estudo de suas origens, de aspectos técnicos específicos até a localização do conjunto serial no Präludium da Suíte, Op. 25. Forma e tradição na estruturação do discurso musical das Cinco Peças, Op. 23 e da Suíte, Op. 25 (Cap. 4) abre com uma breve análise das Cinco Peças, Op. 23, abordando o princípio estrutural em que cada uma está sedimentada, além de apresentar um esquema sintético de sua estrutura formal. Na Suíte, Op. 25, procede-se a uma comparação com a forma suíte do período barroco. Investigam-se os movimentos de dança e descortinam-se suas ligações profundas com essa forma tradicional. Em Aspectos relevantes na interpretação e execução da obra para piano de Arnold Schönberg (Cap. 5) suscita-se o paradoxo referente à imensa quantidade de estudos e investigações a respeito de sua obra em oposição à pequena freqüência da sua execução. Com base tanto nos escritos do compositor, quanto nas análises feitas nos capítulos anteriores, revelam-se elementos que podem auxiliar o intérprete-pianista da obra de Schönberg. Dois anexos com partitura integral complementam o trabalho: o primeiro com o Drei Klavierstücke, Op. 11, no 1, e o segundo com o Klavierstücke, Op. 11, no 2, este último a Konzertmässige Interpretation von Ferrucio Busoni. Mediante as Considerações Finais, apresento questionamentos decorrentes de toda a investigação realizada. Segue-se a Bibliografia, que fundamenta essa pesquisa / Abstract: This thesis, presented to the Fine Arts Post Graduate Program of the University of Campinas / UNICAMP, intended to fulfill part of the requirements for obtaining the Master in Fine Arts, in the field of Music. With the title Analytic and Interpretive Perspectives in Arnold Schönberg Piano Oeuvre and composed of a single volume, brings five chapters dedicated to Schönberg's work, with particular attention to the pieces written for piano solo. In Arnold Schönberg: legacy of contributions to a new musical aesthetics (chapter 1), Schönberg's body of work,as a whole, is briefly presented. Still in this chapter, an item specifically destined to piano brings information about the small, but fundamental group of pieces that configure his complete work for piano. In the central chapters (chapter 2, 3 and 4), aspects related to the composer's language structure were approached in different manners: In The motif as a generator and unifying element to the musical speech of the Piano Piece, Opus 11 nº 1 (Chapter 2), the motivic treatment is investigated, bringing to surface the innovating aspects of the atonal-free language in communion with procedures found in tonal tradition; in The dodecaphonic Method, its discovery and application in the first completely dodecaphonic piece: the Piano Suite, Opus 25 (Chapter 3), the Twelve-Tone Technique is investigated through the study of its origins, from specific technical aspects to the localization of the serial assemblage in the Präludium of the Suite, Opus 25. Shape and tradition in the structuring of the musical speech of the Five Pieces, Opus 23 and The Suite Opus 25 (Chapter 4) begining with a brief analisis of the Five Pieces, Opus 23, approaching the structural principle in which each one is built, in addition to present a sinthetic scheme of its formal structure. In the Suite, Opus 25, incurring in a comparison to the suite's form in the Baroque Period. The dance movements are investigated and its deep connections to this traditional form unfold. In Relevant aspects in interpretation and execution of the piano piece of Arnold Schönberg (Chapter 5) allures the paradox concerning the immense quantity of studies ans investigations regarding his work and the small frequency of its execution. Supported by the composer's writings, as well as analysis done in the previous chapters, elements that may help the pianist-interpreter of Schönberg's work are revealed. Two annex with full scores complement the thesis: the first one with Drei Klavierstücke, Opus 11, no 1, and the second with Klavierstücke, Opus 11, no. 2, the later with Konzertmässige Interpretation von Ferrucio Busoni. By the Final Considerations, I present questions deriving of the whole analysis. Followed By the Bibliography, which support this essay / Mestrado / Mestre em Artes

Orientadores: Jonatas Manzolli, Stelamaris Rolla Bertoli / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-11T10:18:44Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Mannis_JoseAugusto_D.pdf: 7332479 bytes, checksum: c694f419a7ad3630d709d9c453b80cb7 (MD5) Previous issue date: 2008 / Resumo: Este trabalho é dirigido a soluções de conforto acústico para escuta e performance musical, considerando sobretudo aspectos psicoacústicos da escuta subjetiva de músicos e especialistas nesta área. A partir de critérios de avaliação acústica de salas para música em Beranek e princípios de design e funcionamento dos difusores de Schroeder, a pesquisa apresenta soluções originais de concepção e design de difusores a partir da técnica de composição musical com 12 sons de Schoenberg, e pode ser qualificada como inovação tecnológica. A escuta técnica e de apreciação musicais são ao mesmo tempo base, guia e eixo deste trabalho, assim como a melhoria de condições permitindo escutas de boa qualidade é seu objetivo. Perguntas como: ¿O que acontece no som que é importante para os músicos em performance?¿, ¿Como e o que o músico ouve?¿ e ¿O que é importante para a escuta musical?¿ estão profundamente presentes tanto neste trabalho quanto nos trabalhos de Beranek que, por essa razão, foi, teoricamente, um dos pontos de partida adotados. A pesquisa aqui realizada, bem como este trabalho, situa-se na confluência de três grandes áreas do conhecimento: Artes e Humanidades (Música, Sonologia, Arquitetura), Ciência (Física: Acústica) e Tecnologia (Engenharia de áudio, Acústica aplicada, com alguns recursos de Engenharia Civil e Engenharia Mecânica). Na introdução é destacada a importância do som e do silêncio tanto na música quanto na acústica. Como fundamentação teórica há uma exposição ampla de princípios de acústica relacionados, tipologia das simetrias, elementos da técnica de composição musical serial, aspectos desejáveis e indesejáveis em auditórios, parâmetros de avaliação acústica de salas, princípios e funcionamento de difusores acústicos. São propostas três soluções para novos tipos de difusores, bem como apresentados dois projetos detalhados de adequação acústica de salas para música onde são aplicados, com medição de resultados em um dos casos. É apresentada e discutida uma simulação de desempenho das superfícies seriais através de análise modal, verificando a qualidade e desempenho esperados dos difusores concebidos / Abstract: This study is aimed at acoustic comfort solutions for music listening and performance by mainly considering psychoacoustic aspects related to subjective listening of musicians and specialists concerned with this field of knowledge. Starting from acoustic evaluation criteria of music rooms (opera houses and concert halls) in Beranek and principles of design and operation of Schroeder Diffusers, this piece of research presents original solutions and conception as well as design solutions for diffusers by taking Schoenberg¿s 12- sounds musical composition technique as a starting point. This research can be qualified as technological innovation. Simultaneously, both technical listening and music appreciation listening stand for a basis, a guide, and a main point for this work, as well as the improving conditions that allow good quality listenings makes up its objective. Questions such as: ¿What is important in the sound for performing musicians?¿, ¿How and what does the musician listen to?¿ and ¿What is important for music listening?¿ are deeply present either in this research or in Beranek¿s works, which therefore have been theoretically deemed as one of the starting points in use. The research undertaken ¿ as well as this work ¿ lays within the confluence of three major fields of knowledge: Arts and Humanities (Music, Sonology, Architecture), Science (Physics: Acoustics), and Technology (Audio Engineering, Applied Acoustics, in addition to a few resources from Civil Engineering and Mechanical Engineering). The introduction emphasizes the importance of sound and silence either in music or acoustics. The theoretical basis include an extensive exposition of related acoustic principles, symmetry types, elements of serial musical composition technique, desirable and undesirable aspects in auditoriums, acoustic evaluation parameters of rooms, principles and operation of acoustic diffusers. Three solutions are proposed for new types of diffusers. Two detailed projects of acoustic appropriateness are presented for music rooms and concert halls, where they are applied and, in one of the cases, results therefrom are measured. A simulation of the performance obtained in serial surfaces through modal analysis by checking both quality and performance expected from the conceived diffusers is presented and discussed. / Doutorado / Doutor em Música

Orientador: Silvio Ferraz Mello Filho / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-23T20:53:15Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Packer_Max_M.pdf: 48386981 bytes, checksum: a728322300a11cb16e95a42d4267e4c7 (MD5) Previous issue date: 2013 / Resumo: Este trabalho consiste numa etapa de um estudo dedicado ao pensamento composicional de Luciano Berio (1925-2003) e às maneiras pelas quais este pensamento articula o problema da abertura intrínseca à linguagem musical. Tendo em vista a peculiaridade e a abrangência da noção de abertura no pensamento Berio - que contrasta com outras concepções e converge na revisitação criativa de discursos previamente construídos -, propõe-se, aqui, a investigação analítica de um conjunto de obras de diversos períodos de sua trajetória. As noções de latência e ressonância - consideradas numa amplitude que permeia a poética beriana e manifesta-se em diversos níveis de sua elaboração - delineiam um percurso: a construção de enunciados carregados de potenciais que ainda não se encontram plenamente desenvolvidos (latência); a ampliação e o prolongamento de aspectos estruturais selecionados (ressonância); e o desdobramento de suas relações no interior do processo composicional - seja no percurso de uma mesma obra, seja no processo de uma nova composição que reconfigure estes potenciais - (abertura). Ao longo do trabalho, são abordadas as seguintes obras: Sequenza VII (1969); Erdenklavier (1969); Linea (1973); Chemins IV (1975); Sequenza IX (1980); Lied (1983); Ricorrenze (1985-87); Psy (1989); Leaf (1990); Récit [Chemins VII] (1996-2001) / Abstract: This work consists on a step of a study devoted to the compositional thinking of Luciano Berio (1925-2003) and to the ways in which this thought articulates the problem of the intrinsic openness of musical language. Given the uniqueness and the wide range of the concept of openness in Berio's thought - which contrasts with other conceptions and converges in the creative revisitation of previously constructed musical discourses -, it is proposed here the analytic investigation of a collection of works from various periods of his trajectory. The notions of latency and resonance - considered in an amplitude that pervades Berio's poetics and manifests itself on different levels of its development - outline a path: the construction of statements loaded with potentials which are not yet fully developed (latency), the expansion and continuation of selected structural aspects (resonance), and the unrolling of their relations within the compositional process - whether in the course of a same work, whether in the process of a new composition which reconfigures such potentials - (openness). Throughout this work, we approach the following works: Sequenza VII (1969); Erdenklavier (1969); Linea (1973); Chemins IV (1975); Sequenza IX (1980); Lied (1983); Ricorrenze (1985-87); Psy (1989); Leaf (1990); Récit [Chemins VII] (1996-2001) / Mestrado / Processos Criativos / Mestre em Música

Toru Takemitsu's piano works reveal a new scope to the concept of sound in modern piano literature. He achieves originality through his imagination and his Japanese cultural and musical heritage. Subtle Japanese elements, which have been embedded for centuries in Japan's culture and music, lend a unique, but not outwardly Japanese, feeling to this work.

Am 7. Januar 1999 wäre Ján Albrecht 80 Jahre alt geworden. Sein gastfreundliches Haus in der zentral gelegenen Kapitulská (Kapitelgasse) Nr. 1 - einer der ältesten Gassen Bratislavas nahe am St. Martins- Dom - war offener und reger Treffpunkt von Musikern und Wissenschaftlern aus Bratislava und dem Ausland. Daß dort bereits seit Mitte 1998 eine Gedenktafel an Ján Albrecht und seinen Vater Alexander Albrecht erinnert, zeigt die Bedeutung, die Ján Albrecht als \"Institution\" für Bratislava hatte. Dieses Haus aus dem 18. Jahrhundert1, das sein Vater erworben hatte, blieb ungeachtet vieler Reisen der Dreh- und Angelpunkt des Weltbürgers Ján Albrecht, der in den Sprachen Slowakisch, Ungarisch, Deutsch und Französisch zu Hause war. Dieser kurze Aufsatz will an ihn als eine Persönlichkeit erinnern, die europäische Kulturen durch seine Lebensumstände wie auch durch den von ihm bewußt eingeschlagenen Lebensweg zutiefst verinnerlicht hatte und repräsentierte. Des weiteren soll versucht werden, eine erste Bestandsaufnahme seiner Veröffentlichungen vorzunehmen.

The neo-classic movement in Italy, which gained momentum in the early 1920's, was rooted in an instrumental style patterned after that of the Baroque era. The term "new classicism," proposed by Ferruccio Busoni in 1920, represented a reaction against the extreme chromaticism and large performance forces of the late nineteenth century. The pianistcomposer Alfredo Casella, after earlier periods in which he was influenced by such diverse composers as Mahler, Debussy, and Schoenberg, soon became the chief spokesman for the neoclassic movement in Italy. Casella considered the Sinfonia, Arioso and Toccata his most important work for the piano, because of its size and musical content. It is notable for its usage of thematic transformation, much of which is based on the interval of a fourth or fifth. This study includes a formal outline of each movement, showing sectional divisions and tonal regions, as well as illustrations of thematic transformation and intervallic patterns. Also discussed are the work's neoclassic style characteristics, including counterpoint, pandiatonicism, modality, and linear cadential treatment.

"October 2003." / Includes bibliographical references / 592 leaves. : / Title page, contents and abstract only. The complete thesis in print form is available from the University Library. / Chiefly in English; some Polish text in pt. B. / Comprises three types of material: composition (pt. A); performance (pt. C); and, musicology (pt. B.), and is intended to reflect the author's professional activities as composer, pianist and writer. The various writings and texts all relate to the life and music of Witold Lutoslawski (1993-2003). Earlier publications have been excluded because they are referred to (and reflected in) the author's thesis: Pitch organisation in the music of Witold Lutoslawski since 1979 (Thesis (Ph.D.)--University of Leeds, 1992) / Thesis (D.Mus.)--University of Adelaide, Elder School of Music, 2004?