Submitted by MARCOS SANTOS (contigaras@gmail.com) on 2015-11-08T20:39:39Z No. of bitstreams: 1 Dissertação_MARCOS DOS SANTOS.pdf: 8808760 bytes, checksum: a68b48ce6b366159750812ad4e4961c3 (MD5) / Made available in DSpace on 2015-11-08T20:39:39Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertação_MARCOS DOS SANTOS.pdf: 8808760 bytes, checksum: a68b48ce6b366159750812ad4e4961c3 (MD5) / CAPES - Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico / A presente pesquisa trata do estudo sobre a prática musical na Venerável Ordem Terceira de São Domingos de Gusmão, localizada no Terreiro de Jesus, Salvador Bahia. O templo dos terceiros dominicanos se encontra erguido desde 1732 e, apesar de já ter sido objeto de estudo de áreas como a arquitetura, artes plásticas, bem como da história social, a ausência de pesquisas musicológicas específicas sobre a prática musical desenvolvida nesta instituição motivou-nos à realizar o presente trabalho. A partir de informações a respeito de músicos que atuaram neste templo (apresentadas por Jaime Diniz - 1986), pretendeu-se neste estudo comprovar tais indicações ao passo que buscou-se trazer à luz novos acréscimos à história musical desta Ordem. Este trabalho foi realizado a partir de investigações nos arquivos da ordem terceira dominicana; no Arquivo Municipal de Salvador; no Arquivo Público da Bahia, na Biblioteca Pública do Estado, bem como através da bibliografia relativa à atividade musical no contexto colonial soteropolitano. A estrutura deste trabalho está organizada em quatro capítulos, os quais atendem pelos respectivos títulos: Introdução; Revisão Bibliográfica; Novas achegas; Discussão e Considerações finais. O primeiro capítulo está integrado pela Introdução (contendo aspectos descritivos do trabalho); os Objetivo Geral e os Objetivos Específicos (apresentando a finalidade do estudo) e a Justificativa (que apresenta o porquê da necessidade deste estudo). O segundo capítulo está constituído pela Revisão Bibliográfica e apresenta os seguintes sub-tópicos: Fundamentação Teórica e Metodologia da Pesquisa, os quais, por sua vez, apresentam as definições e metodologias das disciplinas que embasam este trabalho. No terceiro capítulo tem-se a apresentação e discussão das novas informações sobre a Venerável Ordem 3ª de São Domingos, estando este capítulo subdividido em: Os terceiros dominicanos e suas relações eclesiásticas; Estudo dos documentos musicográficos e; Documentos relativos à música. No quarto capítulo, tem-se a Discussão e considerações finais sobre o trabalho, onde são expostas as impressões do autor sobre o trabalho. Ao final são apresentadas as referências bibliográficas utilizadas neste estudo, sendo completado com os Anexos, contendo a transcrição dos documentos referidos. / This research discusses about the musical practice on Venerable Third Order of St. Dominic, located at Terreiro de Jesus, Salvador, Bahia. The third Dominicans’ church has been constructed since 1732 and was object of study of areas as architecture, plastic arts and social history as well. The purpose of this study was to understand the reason for the absence of specific musicological research about musical practice developed in this institution. Information about musicians who worked in this temple (presented to Jaime Diniz - 1986) motivated us to prove such statements, and to bring new additions to the musical history of this Order. The present work was based on researches in the archives of the Third Dominican Order; in the Municipal Archive of Salvador; Public Archive of Bahia, the State Public Library, and through the literature on the musical activity in colonial context of Salvador city. The structure of this paper is organized in four chapters: Introduction; Literature Review; New additions; Discussion and Final considerations. The first chapter is integrated by Introduction (containing descriptive aspects of the work); the General Objective and Specific Objectives (presenting the purpose of the study) and the Justification (shows the reason for this study). The second chapter is composed of the Literature Review and has the following sub-topics: Theoretical Foundation and Research Methodology, which present the definitions and methodologies of the disciplines that support this work. The third chapter present and discuss the new information about the Venerable Order 3rd of St. Dominic. This chapter is subdivided into: The Dominicans and theirs ecclesiastical relationship; Study of musicográficos and documents; Documents relating to music. In the fourth chapter, we have the discussion and concluding remarks on the work. At the end we present the bibliography used in this study, being completed with annexes, containing the transcription of the documents referred.

Submitted by Luiza Kleinubing (luiza.kleinubing@udesc.br) on 2018-03-09T16:52:01Z No. of bitstreams: 1 LEONARDO CEZARI DE AQUINO.pdf: 2438157 bytes, checksum: 8ac2bbd5ac314fc31de63d0756c1e3eb (MD5) / Made available in DSpace on 2018-03-09T16:52:01Z (GMT). No. of bitstreams: 1 LEONARDO CEZARI DE AQUINO.pdf: 2438157 bytes, checksum: 8ac2bbd5ac314fc31de63d0756c1e3eb (MD5) Previous issue date: 2016-03-30 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / This study focuses the early work of Steve Reich (1936) investigating its relation with the aesthetic principles of what has been called minimalism of the 1960s, taking into consideration historical aspects and creative procedures along with their theoretical discourses. The pieces composed by Reich between 1965 and 1976 are representative of the composer's trajectory because they display, on one side, radical procedures that resulted from experiments with tape recorders – Come out (1966), Piano phase (1967), Pendulum music (1968) –, and on the other extreme pieces for large ensembles and distinct instruments – Music for mallet instruments, voices and organ (1973) and Music for 18 musicians (1976) – which move away from the aesthetics of “music as a gradual process” as exposed by the composer himself on the homonymous text (1968). In this musical trajectory, historically associated to minimalism, the changes in the composicional methods and procedures employed by Reich raise questions that allow one to question the direct connection between the North-American composer and the minimalist aesthetic. In order to do so, the first chapter takes a historical approach aiming to identify a minimalist paradigm derived from the literature, taking into account the intersection between music theory and art criticism, which is the context in which the term “minimalism” first appeared. The second chapter, analytical in nature, confronts the principles of such paradigm with Reich's pieces from the selected period, seeking to observe to what extent Reich's music connects to or moves away from minimalism, also considering the appearance of “post-minimalism”. Having analysed the relation between Reich's early work and the minimalist aesthetic, the third chapter proposes a theoretical reading of such frame taking into consideration the concurrency and/or coexistence of the great narratives of modernity and post-modernity in the 1960s. This concurrency is materialized in Reich's early work, in the same way that some authors consider minimalism as a turning point in the discourse of the arts in the twentieth century. Following this methodology that departs from a micro perspective – a determined period in the work of a specific composer – to get into a macro perspective – the problem of the great narratives in the twentieth century – one concludes that Reich, in moving away from minimalist principles, also moves away from an idea of modernism, presenting features that can be related to post-modernism. / Este trabalho enfoca a produção inicial de Steve Reich (1936) e investiga sua relação com os pressupostos estéticos do que se entende por minimalismo dos anos 1960, considerando aspectos históricos e procedimentos criativos juntamente aos seus discursos teóricos. As peças de Reich compostas entre 1965 e 1976 são representativas da trajetória do compositor, pois apresentam em um pólo procedimentos mais radicais, oriundos dos experimentos com gravadores de fita – Come out (1966), Piano phase (1967), Pendulum music (1968) –, e em outro pólo peças para grandes grupos e instrumentos diversos – Music for mallet instruments, voices and organ (1973) e Music for 18 musicians (1976) – que se distanciam da estética da “música enquanto processo gradual” tal como exposta pelo próprio compositor em texto homônimo (1968). Nessa trajetória musical, historicamente associada ao minimalismo, as mudanças nos métodos e nos procedimentos composicionais empregados por Reich suscitam questões que permitem problematizar essa relação direta entre o compositor estadunidense e a estética minimalista. Para tanto, o primeiro capítulo assume um caráter histórico e é destinado à identificação de um paradigma minimalista a partir da literatura, levando em conta a interseção entre teoria musical e crítica de arte, já que foi no contexto das artes plásticas que o termo “minimalismo” se originou. Tendo definido um paradigma minimalista de referência, o segundo capítulo, de natureza analítica, confronta os pressupostos desse paradigma com peças de Reich referentes ao período selecionado, procurando observar em que medida Reich se conecta ou se afasta do minimalismo, considerando também a possibilidade de surgimento do que se denominou “pós-minimalismo”. Diante da análise da obra inicial de Steve Reich e sua relação com o minimalismo, o terceiro capítulo propõe uma leitura teórica levando em consideração a concorrência e/ou coexistência das grandes narrativas da modernidade e da pós-modernidade nos anos 1960. Esse embate está materializado na trajetória inicial de Reich, do mesmo modo como alguns autores consideram o minimalismo um ponto de virada no discurso das artes do século XX. Seguindo essa metodologia que parte de uma perspectiva micro – um período delimitado na obra de um compositor específico – para uma perspectiva macro – o problema das grandes narrativas no século XX – conclui-se que Reich, ao se afastar do minimalismo, afastase também de uma ideia de modernismo apresentando elementos que podem ser associados ao pós-modernismo.

Submitted by Luiza Kleinubing (luiza.kleinubing@udesc.br) on 2018-03-12T17:56:16Z No. of bitstreams: 1 CAMILA WERLING.pdf: 3554462 bytes, checksum: cc2703023c2c3519d82a13ed13366163 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-03-12T17:56:16Z (GMT). No. of bitstreams: 1 CAMILA WERLING.pdf: 3554462 bytes, checksum: cc2703023c2c3519d82a13ed13366163 (MD5) Previous issue date: 2016-03-16 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / Since the beginning of the formation of Blumenau - SC, while still a colony, the music helped in the organization of the physical space of the city and defining identity elements that established its symbolic plan. This dissertation discusses the interaction relationship of musical plurality established both by immigration in its domestic context - interstate - as reflected by reinserted between the 1970s and 1980s immigration in its external environment – German. By linking the coexistence of different musical events, whether or not linked to German culture with the processes of urbanization and globalization of post-war decades sought to understand the role of music in maintenance processes and denial of social imaginary and cultural German, investigating how the musical environment was structured in the urban area. The study of this music scene enabled rescue sound portraits practices sometimes unknown and forgotten by the city. It was observed that the construction of speeches that sought to homogenize identity and define urban spaces helped in the diaspora musical events not connected to the Germanic cultural imagination, ‘un-visibility’ them at the expense of the ideal of German identity, rebuilt from the 1970s and which culminated in the 80s with the creation of Oktoberfest in Blumenau - SC. / Desde o início da formação de Blumenau ? SC, enquanto ainda colônia, a música auxiliou na organização do espaço físico da cidade e na definição de elementos identitários que estabeleceram seu plano simbólico. Nessa dissertação é discutida a relação de interação da pluralidade musical instituída tanto pela imigração no seu contexto interno - interestadual - quanto pelos reflexos reinseridos entre as décadas de 1970 e 1980 da imigração em sua conjuntura externa - alemã. Ao relacionar a coexistência de diferentes manifestações musicais, ligadas ou não a cultura germânica com os processos de urbanização e globalização das décadas do pós-guerra buscou-se compreender a atuação da música nos processos de manutenção e negação do imaginário social e cultural germânico, investigando de que forma o ambiente musical se estruturava no tecido urbano. O estudo desse cenário musical possibilitou resgatar retratos sonoros de práticas por vezes desconhecidas e esquecidas pela cidade. Percebeu-se que a construção de discursos que buscavam homogeneizar a identidade e definir os espaços urbanos auxiliou na diáspora de manifestações musicais não conectadas ao imaginário cultural germânico, invisibilizando-as em detrimento do ideal de identidade alemã, reconstruído a partir da década de 1970 e que culminou na década de 80 com a criação da Oktoberfest em Blumenau ? SC.

Orientador: Maria Lucia Senna Machado Pascoal / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-02T02:17:33Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Lima_CeciliaNazarede_M.pdf: 7592096 bytes, checksum: 60f06d60ad277d7695ea98c27e9ca850 (MD5) Previous issue date: 2002 / Resumo: O principal objetivo deste trabalho é investigar os procedimentos composicionais adotados por Guerra-Peixe, em suas criações do período denominado por ele como Fase Dodecafônica. Esta fase do compositor foi curta, intensa e altamente produtiva e, apesar de sua repercussão na época, em muitos aspectos nos parece desconhecida. Acredita-se que, através da análise documental poderemos compreender melhor de que maneira Guerra-Peixe procurou expressar seus ideais nesta técnica de composição. Partituras e documentos, elaborados pelo compositor em épocas distintas, constituem a base metodológica do trabalho. Neles, Guerra-Peixe revela suas inquietações a respeito do processo de composição e dedica-se a comentários técnicos de suas peças desta fase. Dos documentos pesquisados um, em especial, é o foco da investigação. Concluído em 26 de abril de 1947, o documento -Oitenta exemplos extraídos de minhas obras demonstrando a evolução estética até abril de 1947, apresenta estritamente fragmentos de 12 peças dodecafônicas compostas nos anos de 1945 e 1947. Esses trechos musicais são analisados, neste estudo, a partir das informações extraídas dos outros documentos. Das conclusões, pode-se ressaltar que os procedimentos composicionais adotados por Guerra-Peixe confirmam as intenções de tomar sua música dodecafônica mais "acessível" e de associar a técnica dos doze sons aos recursos da música brasileira. Espera-se com este trabalho, enriquecer o repertório de estudos em musicologia brasileira e, a partir das idéias levantadas por César Guerra-Peixe, promover novas reflexões a respeito da nossa música contemporânea / Abstract: Not informed. / Mestrado / Mestre em Música

Orientador: Luiz Cesar Marques Filho / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-03T14:59:29Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Lian_AntonioHenrique_M.pdf: 6466004 bytes, checksum: deff13c99d3d56f7f7e6d1f354e0144f (MD5) Previous issue date: 2003 / Resumo: Através da análise da Sinfonia nº1, em ré maior ("Titã') de Gustav Mahler, o presente trabalho busca compreender a obra de arte musical como um universo de complexas significações metafóricas e inter-relações com outras formas de manifestação artística e cultural, discutindo o percurso histórico do pensamento estético sobre a música e avaliando em que medida a antiga estética dos sentimentos e o formalismo alemão convergiram no nascimento dessa obra-prima musical, composta às portas da música moderna, entre a primeira e a segunda Escolas de Viena. A pesquisa propõe a elaboração de um discurso sobre a obra, recorrendo-se à análise direta das diversas versões da partitura (bem como de outras obras de Mahler que a antecederam e imediatamente sucederam), inventariando, ainda, os textos críticos e analíticos mais relevantes e reveladores sobre ela escritos. A detida análise de cada um dos seus movimentos busca elencar o conjunto de recursos expressivos e intenções musicais e extramusicais (como idéias filosóficas, argumentos literários, influências visuais e referências biográficas) utilizados em sua composição / Abstract: Through the analysis of Gustav Mahler's Symphony n° 1, in D major ('Titan') the present work aims at comprehending the musical art work as a complex universe of metaphorical meanings and interrelations with other sorts of artistic and cultural manifestations. By doing so, it proposes a discussion on the historical path of aesthetic thought on music and the assessment of to what extent both the old aesthetics of sentiment and German formalism converged in the birth of this masterpiece, composed at the threshold of Modern Art, between the first and second Viennese Schools. The research proposes the elaboration of a discourse on the mentioned work, taking into consideration the many sources of the score (as well as other Mahler pieces composed before and just after this symphony) and also lists the most relevant, and revelatory, critical and analytical texts written about it. The careful analyses of its movements attempt to reveal the set of expressive means and intentions of the composer, whether intrinsically musical or extra-musical (such as philosophical ideas, literary arguments, visual influences and biographical references) / Mestrado / Historia da Arte / Mestre em História

Le tre raccolte di salmi da vespro a otto voci nello stile pieno di Giovanni Paolo Colonna (Bologna 1637-1695), pubblicate rispettivamente nel 1681, nel 1686 e nel 1694 (opp.I, VII e XI), costituiscono un oggetto di studio privilegiato nell’ambito della ricca produzione a stampa dell’autore: in primo luogo, esse ebbero ampia e favorevole recezione, come testimoniano la diffusione degli esemplari, le ristampe, le copie manoscritte ricavate dalle edizioni; in secondo luogo, la fortuna postuma del compositore fu legata in buona parte alla sua musica sacra a doppio coro e, in particolare, al favore riscosso dai suoi libri di salmi; infine, l’analisi delle tre raccolte consente di confrontare le risorse tecniche e stilistiche messe in opera da Colonna in composizioni afferenti a uno stesso genere ma risalenti a periodi diversi. La dissertazione è articolata in tre parti: nella prima sono presi in esame gli ordinamenti liturgici secenteschi relativi alla celebrazione dei vespri, onde illustrare la cornice rituale alla quale i salmi di Colonna erano destinati, e si passano in rassegna alcune definizioni di stile pieno e di contrappunto a otto voci desunte dalla trattatistica coeva. La seconda parte è dedicata alla lettura storico-critica delle opp. I, VII e XI nel contesto generale della produzione dell’autore. La terza parte contiene l’edizione integrale dell’opera VII e XI, nonché una scelta di brani tratti dall’op. I. / The three collections of psalms for vespers for eight voices in the stile pieno by Giovanni Paolo Colonna (Bologna 1637-1695), published in 1681, in 1686 and in 1694 (op. nos. I, VII and XI) respectively, are a favourite topic of study within the vast printed output of the composer. First, they were well received everywhere, as shown by the circulation of the copies, the reprints and the handwritten copies taken from the editions. Secondly, the composer's posthumous fame was linked for the most part to his sacred music for double choir and, in particular, to the success of his books of psalms. Finally, the analysis of the three collections allows the comparison of the technical and stylistic resources used by Colonna in compositions belonging to the same genre but dating back to different periods. The dissertation is divided into three parts: the first considers the seventeenth century liturgical regulations concerning the celebration of vespers, in order to illustrate the liturgical context for which Colonna’s psalms were intended, and some definitions of stile pieno and counterpoint for eight voices taken from contemporary treatises are reviewed. The second part is devoted to the historical-critical examination of op. nos. I, VII and XI in the general context of the composer’s output. The third part contains the complete edition of op. nos. VII and XI, as well as a selection of pieces from op. I.

La definizione di «scrittura dell’interpretazione» comprime in una sola locuzione la descrizione dell’oggetto principale del nostro studio, ovvero il problema della trascrizione musicale, descritta, non tanto come un determinato genere musicale, quanto come una ragione di osmosi e interferenze tra il fatto compositivo e quello interpretativo. Ad una traversata di quel territorio ci si appresta incentrando la trattazione intorno alla figura e all’opera del giovane compositore e direttore Bruno Maderna, autore di diverse trascrizioni della cosiddetta musica antica (dall’Odhecaton A, Monteverdi, Viadana, Frescobaldi, Legrenzi, ed altri ancora). Attraverso gli esempi presentati si intende mostrare come l’approccio maderniano alla trascrizione musicale si giustifichi a partire dalla sua stessa teoria e pratica dell’interpretazione musicale, più che in base a concetti forti definiti sul versante della scrittura, quali ad esempio quelli di analisi e parodia. Pari attenzione si offre al contesto storico degli anni in cui egli gravita, opera e si afferma come musicista (1946-1952 circa), dedicando ampio spazio alle figure di Gian Francesco Malipiero, Angelo Ephrikian e Luigi Nono, autori a loro volta di trascrizioni e revisioni di opere del Cinquecento, del Seicento e del Settecento. Intorno ai loro rapporti viene fornita una documentazione significativa, in buona parte inedita o poco conosciuta dagli studiosi, resa disponibile grazie alle ricerche d’archivio di cui si avvantaggia la nostra trattazione. / The definition of “writing of the interpretation” summarises in one expression the main object of our study, namely the problem of the musical transcription. Here it described as a process of osmosis and interference between the processes of composition and interpretation, rather than as a musical genre on its own. This issue is addressed to focusing the discussion around the figure and the work of the young composer and orchestra leader Bruno Maderna, who produced several transcriptions of pieces from the so-called early music. Through the examples presented , this thesis aims to show how the approach of Maderna to musical transcription stems from his own theory and practice of the musical interpretation, rather than from other concepts, i.e. analysis and parody, typical of the concept of writing. In addition, we carefully examine the historical background between the years of 1946 and 1952, where he worked and established himself as a musician. To this end, a great space is dedicated to the figures of Gian Francesco Malipiero, Angelo Ephrikian and Luigi Nono, who themselves are authors of transcriptions and revisions of the works of the sixteenth, seventeenth and eighteenth centuries. By means of archive research, this thesis provides a significant documentation on the relationships between these authors, largely unpublished or little known by scholars.

Questo lavoro si concentra su un particolare aspetto della sfaccettata ricerca scientifica di Johannes Kepler (1571-1630), ossia quello teorico-musicale. I pensieri dell’astronomo tedesco riguardanti tale campo sono concentrati – oltre che in alcuni capitoli del Mysterium cosmographicum (1596) ed in alcune sue lettere – nel Libro III dell’Harmonices mundi libri quinque (1619), che, per la sua posizione mediana all’interno dell’opera, tra i primi due libri geometrici e gli ultimi due astronomici, e per la sua funzione di raccordo tra la «speculazione astratta» della geometria e la concretizzazione degli archetipi geometrici nel mondo fisico, assume la struttura di un vero e proprio trattato musicale sul modello di quelli rinascimentali, nel quale la «musica speculativa», dedicata alla teoria delle consonanze e alla loro deduzione geometrica precede la «musica activa», dedicata alla pratica del canto dell’uomo nelle sue differenze, generi e modi. La tesi contiene la traduzione italiana, con testo latino a fronte, del Libro III dell’Harmonice, e un’ampia introduzione che percorre le tappe fondamentali del percorso biografico e scientifico che hanno portato alla concezione di quest’opera – soffermandosi in particolare sulla formazione musicale ricevuta da Keplero, sulle pagine di argomento musicale del Mysterium e delle lettere, e sulle riflessioni filosofico-armoniche sviluppate negli anni di ricerca – e offre gli elementi fondamentali per poter comprendere l’Harmonice mundi in generale e il Libro III in particolare. A ciò si aggiunge, in Appendice, la traduzione, anch’essa con testo latino a fronte, della Sectio V, dedicata alla musica, del Liber IX dell’Almagestum novum (1651) di Giovanni Battista Riccioli (1598-1671), interessante sia dal punto di vista della recezione delle teorie di Keplero che dal punto di vista della storia delle idee musicali. / This work focuses on one particular aspect of the multifaceted scientific research of Johannes Kepler (1571-1630), namely music-theoretical. The thoughts of the german astronomer regarding this field are concentrated – as well as in some chapters of the Mysterium cosmographicum (1596) and in some of his letters – in the Book III of the Harmonices mundi libri quinque (1619), which, for its central position within the work, between the first two geometric books and the last astronomic ones, and for its function as a link between the «abstract speculation» of geometry and the realization of geometric archetypes in the physical world, assumes the structure of a real musical treatise on the model of the Renaissance ones, where the «musica speculativa», devoted to the theory of consonance and their geometric deduction, precedes the «musica activa», devoted to the practice of singing in its differences, genres and modes. The thesis contains the italian translation, with latin text, of the Book III of the Harmonice, and an extensive introduction that covers the essential steps of the biographical and scientific path that led him to the conception of this work – focusing in particular on the musical training received by Kepler, on the pages concerning music of the Mysterium and of the letters, and on the philosophic-harmonic reflections developed over years of research – and provides the basic elements for understanding the Harmonice mundi in general and the Book III in particular. In addition, in the Appendix, the translation, with latin text, of the Sectio V, dedicated to music, of the Book IX of the Almagestum novum (1651) by Giovanni Battista Riccioli (1598-1671), interesting both from the point of view of the reception of the keplerian theories that from the point of view of the history of the musical ideas.

Oggetto di questo lavoro è un’analisi dettagliata di un campione ristretto di riprese televisive della Quinta Sinfonia di Beethoven, con l’obiettivo di far emergere il loro meccanismo costruttivo, in senso sia tecnico sia culturale. Premessa dell’indagine è che ciascuna ripresa sia frutto di un’autorialità specifica che si sovrappone alle due già presenti in ogni esecuzione della Quinta Sinfonia, quella del compositore e quella dell’interprete, definita perciò «terza autorialità» riassumendo nella nozione la somma di contributi specifici che portano alla produzione di una ripresa (consulente musicale, regista, operatori di ripresa). La ricerca esamina i rapporti che volta a volta si stabiliscono fra i tre diversi piani autoriali, ma non mira a una ricostruzione filologica: l’obiettivo non è ricostruire le intenzioni dell’autore materiale quanto di far emergere dall’esame della registrazione della ripresa, così com’è data a noi oggi (spesso in una versione già più volte rimediata, in genere sotto forma di dvd commercializzato), scelte tecniche, musicali e culturali che potevano anche essere inconsapevoli. L’analisi dettagliata delle riprese conferma l’ipotesi di partenza che ci sia una sorta di sistema convenzionale, quasi una «solita forma» o approccio standardizzato, che sottende la gran parte delle riprese; gli elementi che si possono definire convenzionali, sia per la presenza sia per la modalità di trattamento, sono diversi, ma sono soprattutto due gli aspetti che sembrano esserne costitutivi: il legame con il rito del concerto, che viene rispettato e reincarnato televisivamente, con la costruzione di una propria, specifica aura; e la presenza di un paradigma implicito e sostanzialmente ineludibile che pone la maggior parte delle riprese televisive entro l’alveo della concezione della musica classica come musica pura, astratta, che deve essere compresa nei suoi propri termini. / The research focuses on a selection of screen versions of Beethoven's Fifth Symphony; through a detailed analysis of these versions, the research aims at outlining and clarifying the structural mechanics of the screen version of a performance, in a technical and cultural perspective. The research takes as a basic assumption that filming music implies a specific authorship – comprising all the individual contributions of the team components – that sums up with the two other layers of authorship implied by musical performance, composition and performance. I call the level of screen production, the «third authorship». The research analyzes the interaction and the relationships between the three authorial levels in each recording. The aim is not to reconstruct philologically the intentions of the material third author, but rather to bring to light technical, musical and cultural decisions that could are embodied in the film, even when their authors were not fully aware of them. A thorough analysis of the recordings proves the initial hypothesis, i.e. that most telecasts are made along what can be called a standardized approach or even a «solita forma». There are several conventional features, the most relevant being two: a link with the whole rite of the concert, which is followed and televisually embodied, creating a new and specific mediatic aura; and the pervading paradigm of classical music as “pure” music, music that is to be understood in its own terms.

La riforma della musica sacra in Italia trova nella Bologna tra il 1874 e il 1907 un terreno fertile ancora non esplorato a fondo. La ricerca condotta in questo campo ha fatto emergere una visione innovativa della città ove si trovano ad operare musicisti e musicologi di fama internazionale. Accanto all'antica Accademia filarmonica si pone l'attività centrale della Diocesi e del Liceo musicale. Ad un avvio lento condotto dalla partecipazione individuale dei musicisti si giunge al momento di svolta a partire dal 1894 con Luigi Torchi e l'arcivescovo Domenico Svampa che con il loro operato fanno sì che Bologna faccia proprie le istanze ceciliane. / The reform of sacred music is most important for Bologna between 1874-1907. During this period, a lot of great musicians and musicologists slowly approach to reform's ideals. The president of Accademia filarmonica, Luigi Torchi, and Domenico Svampa archbishop, with Stefano Gamberin and Federico Parisini, are the key persons.