Of all the writers whose work belongs to the postmodern canon, Patrick Modiano is likely to be the most ill at ease in that category. His simple yet refined prose gives the appearance of being traditional and straightforward. It is, however, the precise feeling of unease that places Modiano's work in the realm of postmodern literature, in which disorder and uncertainty reign supreme. Even identity fails to hold out: its destabilisation reflects on an individual level what is happening on a larger scale.In Rue des boutiques obscures, Quartier Perdu, and Voyage de noces, the quest for identity is paralleled by an improvised criminal investigation. Modiano's use of detective fiction is typical of postmodernism: he takes a quintessentially closed genre, borrows its conventions and clichés, and finishes by leaving it open-ended. In the novels chosen for this thesis, three detectives go on a search for three missing persons: themselves. They revisit the past in an attempt to make sense of their lives and to find a basis on which to build their identity. Their journeys, as well as the conclusions they draw from them, are an exploration of the elements of the "anti-detective novel". / De tous les écrivains qui s'inscrivent dans le courant postmoderne, Patrick Modiano est sûrement celui qui s'y sent le plus mal à l'aise. Sa prose est délibérément claire, donnant l'impression d'être traditionnelle et honnête. Pourtant, c'est justement le malaise qui fait de l'œuvre modianienne un fruit de la postmodernité, où ce sont les sentiments de désordre et d'incertitude qui dominent. Même l'identité n'y échappe pas : son éclatement reflète individuellement ce qui se passe collectivement.Dans Rue des boutiques obscures, Quartier Perdu et Voyage de noces, la quête identitaire se fait en parallèle avec l'enquête policière. L'usage que fait Modiano du roman policier est caractéristique du postmodernisme : il prend un genre éminemment fermé, lui emprunte ses clichés et ses conventions et termine en laissant la fin ouverte. Dans ces romans, trois détectives partent à la recherche de trois personnes disparues : eux-mêmes. Ils revisitent le passé pour tenter d'y trouver un sens à leurs vies, une base sur laquelle ils pourraient se construire une identité. Leurs parcours autant que leurs conclusions exposent les éléments qui forment l'« anti-roman policier ».

This thesis aims to show how the Narrator's illness, in À la Recherche du Temps Perdu (In Search of Lost Time), enables him to lay the foundations of a unique interaction with Time. The assumption that underlies this study is that illness becomes for the Narrator the passive manifestation of his resistance to consensual norms, including a certain conception of reality and Time. This thesis explores how beneficial living in a state of illness can be for the Narrator, allowing him to create his own temporal space, the "time of illness", instead of experiencing the normal "time" of daily life. Through several diagnoses, the first chapter, "A Strange Disease,' examines the elusive nature of the Narrator's illness, as it remains open to interpretation. The second chapter, "The Time of illness," shows how the Narrator's complex conception of Time compels him to use his sickness as an escape from the obligations of life. The third chapter, "The Space of the Sick Narrator" analyzes how the "time of illness" creates, first for the Narrator and then for the novel, a unique temporal space. Contrary to the approach adopted by most critics, this thesis shows how the Narrator's illness, by serving his own interests, does not merely lead to suffering and decay but, above all, nurtures a feeling of insouciance and abundance. / Le but de ce mémoire est de montrer comment la maladie du Narrateur, dans À la recherche du temps perdu, lui permet d'établir les bases d'un rapport particulier au Temps. L'hypothèse qui sous-tend cette étude est que la maladie est pour le personnage l'expression passive de sa résistance à des normes consensuelles dont, au premier chef, une certaine vision de la réalité et du Temps. Sont explorés ici les apports et les bénéfices de la vie de malade pour le Narrateur qui, plutôt que d'évoluer dans le temps « normal » de la vie, crée son propre espace temporel, un « temps de la maladie ». Le premier chapitre, « Une étrange maladie », aborde, par le biais de différents diagnostics, la nature insaisissable – et donc ouverte à l'interprétation – de la maladie du Narrateur. Le deuxième chapitre, « Le temps de la maladie », montre comment le rapport problématique du Narrateur au Temps détermine celui qu'il entretient avec sa maladie comme une forme d'échappée au temps des horloges. Le troisième chapitre, « L'espace du malade » examine la façon dont le « temps de la maladie » se présente, d'abord pour le Narrateur, puis pour le roman, comme un lieu d'observation du monde. Contrairement à la perspective adoptée traditionnellement par la critique, ce mémoire montre comment la maladie, en servant les intérêts du héros, n'est pas seulement le lieu de la souffrance et de la dégénérescence, mais surtout celui de l'insouciance et de la prodigalité.

<p> This thesis explores mid-length verse narratives, written by Dana Gioia, Sydney Lea, and Robert McDowell and tries to understand how we might better approach these poems, which represent the central experiments of the New Formalist enterprise. These verse narratives have remained overlooked by scholars and rejected by early critics on purely ideological grounds. Written over the past twenty-five years, they challenge Modernist experimentation, which had become the new orthodoxy that primarily focused on and exhausted the lyric mode of expression. This study combines close readings of the verse narratives together with a vast corpus of critical essays by the practitioners of New Formalism. It identifies a gap in narratological studies that renders the poetic aspect of the narratives irrelevant. By applying the Russian formalist concepts of <i>suzjet</i> to include the lineation and compression of time in these poems as it relates to the <i>fabula,</i> this study reverses that trend. As these narratives converge on the theme of violence, a Christian tragedy of possibility emerges, leading to the chief conclusion of this thesis: These poems <i>are</i> the story. It becomes evident that the tragic mode in which these poets write is perfectly suited to the compressed nature of their poems. The theme of violence is a metaphor for the broad cultural problem of illiteracy and abandoned literary forms and traditions, including rhyme and meter, that have rendered tragedy dead to contemporary poetry and threatens the total extinction of writing the epic of our time.</p>

This thesis aims to shed light on the poetics of Maurice Blanchot's fictional works, with particular emphasis on his story Le Dernier Homme. We will see how Blanchot's rewriting of the myth of Orpheus can serve as an interpretative framework for the story by using the concept of "déplacement d'Orphée" (the moving of Orpheus) put forward by Chantal Michel. The first chapter is dedicated to the motive of space. It provides context for Blanchot's conception of language and image, and examines the unfolding of the myth, as well as the different stages of Orpheus's moving. The character in motion symbolizes the writer in search of his artistic work, but it also represents the shift from the space of the common world to the space of literature and structures the fictional space of Blanchot's stories. Using the myth of Orpheus as a model, the analysis of Le Dernier Homme reveals the points of concordance between Orpheus's space and Blanchot's fictional space. The second chapter focuses on the motive of time, and examines the different conceptions and representations of time in Blanchot's works. It highlights the shift from ordinary time to literary time, once again using the myth of Orpheus as a stepping stone. Orpheus's time, during which the writing takes place, is transposed to the story, influencing the different components of the narrative. Upon the conclusion of this study, we are able to understand how Blanchot's rewriting of the myth of Orpheus is not simply a reinterpretation of a myth symbolizing artistic and literary creation, but also a reinvention of a poetic model. Through Blanchot's story — through its symbolic significance and its movement — the figure and posture of the writer is revealed, but also a new form of writing and of practicing narrative poetics. / Le but de ce mémoire est de mettre en lumière la poétique de l'œuvre fictionnelle de Maurice Blanchot, et ce, en nous penchant plus particulièrement sur son récit Le Dernier Homme. En utilisant le concept de « déplacement d'Orphée », forgé par Chantal Michel, nous tentons de voir de quelle façon la réécriture blanchotienne du mythe d'Orphée peut servir de cadre interprétatif à ce récit. Le premier chapitre, consacré au motif de l'espace, commence par une mise en contexte théorique des conceptions blanchotiennes du langage et de l'image, pour ensuite se concentrer sur le déroulement du mythe et les différentes étapes du déplacement orphique. Symbolisant et représentant l'écrivain à la recherche de son œuvre, ce déplacement sert aussi à représenter le passage de l'espace du monde commun à l'espace de la littérature, de même qu'à structurer l'espace fictionnel des récits blanchotiens. Utilisant le modèle du mythe d'Orphée, l'analyse du récit Le Dernier Homme met en lumière cette concordance entre espace orphique et espace fictionnel. Le deuxième chapitre, quant à lui, porte sur le motif du temps. Traitant des conceptions et des représentations du temps chez Blanchot, il met en lumière le passage du temps ordinaire au temps littéraire grâce, encore une fois, au mythe d'Orphée. Le temps orphique, qui est celui de l'écriture, se transpose au récit et influence, par là, les différentes caractéristiques de son déroulement narratif. Au terme de cette étude, nous comprenons que la réécriture du mythe d'Orphée par Blanchot n'est pas simplement la réinvention du mythe de la création littéraire, mais aussi la réinvention d'un modèle poétique. À travers l'histoire du poète-musicien, sa symbolique et son mouvement, s'incarnent à la fois la figure et la posture de l'écrivain blanchotien, et une nouvelle forme d'écriture et de poétique narrative.

In the interest of exploring the hermeneutics of narrative identity in popular song lyrics, that is, the textual process by which a song's narrator imparts their story to the listener, this thesis examines a specific generic and temporal group of 'narrative' song lyrics against the branch of narrative theory relating to unreliable narration. Theories of unreliable narration have been selected as this study's key theoretical framework both because the area is central to contemporary literary studies (Nünning 2005: 2), and because, like song lyrics themselves, theories of unreliable narration problematize the notion of a unidirectional flow of meaning from the speaker/implied author to the reader/listener. Thoughtful, well-researched, highly literate (and often literary) lyrics are a central facet of the "indie music" genre's aesthetic. In this thesis I will therefore primarily focus on two of the indie music scene's most critically lauded lyricists, Colin Meloy of American indie-prog-rock band The Decemberists and John K. Samson of Canadian indie-folk-punk band The Weakerthans. Both Meloy and Samson's lyrics, I suggest, not only withstand such close critical scrutiny, but actually invite it. Demanding (and, arguably, enforcing) a new contract with the listener, Meloy and Samson's lyrics are representative of a larger shift in what an 'ideal' audience looks like in indie music, from casual listeners to an active (Schafer; Nancy), practiced, and critical audience. Engaging with a range of literary theoretical and musicological texts, the broad intentions of this project are to explore the formal complexities of first-person narration in contemporary indie song lyrics and to simultaneously diversify the potential scope for the application of theories of unreliable narration. / "Measure me in metered lines": Narration non-fiable et les herméneutes d'identité narrative dans les paroles de chansons 'Indie' contemporaines Dans l'intérêt d'explorer les herméneutes d'identité narrative dans les paroles de chansons populaires, c'est-à-dire le procès textuel par lequel le narrateur d'une chanson partage leur histoire avec l'auditeur, cette thèse examine un groupe de paroles narratives d'une convention de genre et de temporalité particulière, à l'encontre de théorie établie concernant la narration non-fiable. Des théories de narration non-fiable ont été sélectionnées en tant que cadre théorique principal, car ce domaine est central aux études de littérature contemporaine (Nünning 2005 :2) et car, comme les paroles elles-mêmes, les théories de narration non-fiable rendent problématique l'idée de flux unidirectionnel du message transmis par l'orateur/l'auteur impliqué au lecteur/auditeur. Les paroles réfléchies, soutenues par de la recherche et littéraires sont primordiales à l'esthète du genre musical indie. Donc, cette thèse ce concentre principalement sur deux des auteurs lyriques les plus célébrés de la scène indie : Colin Meloy de The Decemberists, un groupe américain de musique indie-rock-prog et John K. Samson de The Weakerthans, un groupe canadien de musique indie-folk-punk. Je propose que Meloy et Samson font plus qu'endurer l'examen critique minutieux de leur paroles et vont jusqu'à l'inviter. En demandant (et possiblement en l'imposant) un nouveau contrat avec l'auditeur, les paroles de Meloy et Samson sont représentationnelles d'un mouvement par lequel les auditeurs de musique indie « idéaux » se transforment d'écouteurs décontractés en écouteurs actifs (Schafer; Nancy), pratiqués et critiques. Engageant dans une gamme de théorie littéraire et de textes de musicologie, les vastes intentions de ce projet sont l'exploration des complexités formelles des récits à la première personne dans les paroles de musique indie contemporaine et, également, de diversifier l'application des théories de narration non-fiable.

"Irony and Irishness: Deconstructing the Home on the Contemporary Irish Stage" investigates the reconstruction of the Irish home as an emblem of homeland and national identity in the twentieth-century. Considering the work of playwrights from both the Republic and Northern Ireland, I examine how the home, as image of national character and unity, is revised and deconstructed in the 1980s and 1990s to reflect an emergent global identity. I argue that "strangers in the house"—often marginal figures like tramps, women, even ghosts—are used to disrupt and remap the idyllic peasant cottage of Nationalist propaganda. A focus on relationships to the domestic allowed me to unearth and trace an important set of themes in Irish theatre: the geopathology of the home (and domestic set), the post-colonial nature of the tramp, and the reversal of the woman-as-nation topos. This study provides a model for reading irony in Irish theatrical staging, as well as a theoretical framework for examining the geo-politics of national identity. Chapter One, "Interrupting the Idyll," situates the project by returning to the origins of the home as homeland trope. This section considers the development of the peasant cottage on stage as an anti-colonial symbol and J. M. Synge's and Sean O'Casey's refusal of the burgeoning national identity. Synge's and O'Casey's presentation of the home as claustrophobic and their celebration of placeless tramps establish a set of ironic conventions for contemporary work. Chapter Two, "Remapping Memory," investigates Brian Friel's return to the peasant cottage as a dominant set in the 1980s. During the Troubles, a period of violent sectarian conflict and shifting national borders, Friel gives the peasant cottage a Brechtian treatment—reducing it to the remains of an "image of communion"—its peasant props are "broken" (383) and "forgotten" (383). Friel's travelling theatre company (Field Day), crossed peace walls and permeated isolated communities to draw together Catholic Nationalist and Protestant Unionist audiences. The assembly of these two groups in repurposed political buildings, such as the Derry Guildhall, proved that communication was possible across sectarian boundaries. Chapter Three, "The Haunted Home," turns to Ireland's relationship to cultural memory and tourism in the 1990s. The ghosts of Ireland's national history turn up as interlopers in Conor McPherson's uninhabitable Western cottages and kitschy pubs. McPherson's ghost story monologues resolve this conflict by enacting wake traditions that release the past through performance. Chapter Four, "Claustrophobic Kitchens," centers on Martin McDonagh's deliberately inauthentic peasant cottage sets and the fragmentation of Irish identity, as stereotypes of Irishness are trafficked to Irish Diaspora and international audiences. Finally, "Exporting Kitsch," a concluding examination of recent solo performances by Colm Tóibín and Fiona Shaw, Marie Jones, and Marina Carr, considers how Irishness is embodied, especially how the Irish female body is limited to prescribed roles and spaces on stage. / Cette thèse étudie la construction de la maison irlandaise sur la scène comme un emblème de la patrie et de l'identité nationale dans le xxe siècle. Considérant les travaux des dramaturges de la République et d'Irlande du Nord, j'examine comment la maison, comme l'image du caractère national et de l'unité, est révisée et déconstruite dans les années 1980 et 1990 pour refléter une identité globale émergente. L'étude examine comment les « inconnus » dans la maison (Yeats et Gregory, Cathleen Ni Houlihan, 7) servent à désorganiser et reconfigurer la maison de paysanne idyllique.Le premier chapitre situe le projet en retournant aux origines de la maison paysanne comme une image nationale. Cette section considère le développement de la maison paysanne comme un symbole anticolonial et le refus de l'idyllique identité nationale par J .M. Synge et Sean O'Casey. Synge et O'Casey établissent les conventions ironiques du théâtre irlandais contemporain en présentant une maison claustrophobe et en célébrant les vagabonds. Chapitre deux, porte sur le retour de Friel à la maison paysanne dans les années 1980. Pendant les Troubles en Irlande du Nord, une période de conflits sectaires violents, Friel emploie la mise en scène d'une maison paysanne déconstruite — le reste de l'image de la communion, ses accessoires paysans cassés et oubliés (383). Ce traitement brechtien de la maison déconstruit ironiquement un stéréotype qui continue à séparer les communautés unionistes Protestants et nationalistes Catholiques dans le Nord. Dans le troisième chapitre, je tourne mon attention vers la relation de l'Irlande à la mémoire culturelle et le tourisme durant les années 1990. Les fantômes de l'histoire nationale de l'Irlande se présentent comme des intrus dans les chalets et les pubs kitsch de McPherson. Le chapitre quatre fait le point sur la maison paysanne délibérément inauthentique de Martin McDonagh. La maison et ses habitants sont considérés comme stéréotypes de l'Irlandicité par des auditoires internationaux. Par conséquent de son identité nationale instable, Maureen souffre d'une dépression nerveuse.

This study suggests a combined reading, between memory and displacement, of three different Milan Kundera novels where characters are exiled (The Book of Laughter and Forgetting, The Unbearable Lightness of Being and Ignorance). Our hypothesis is that the displacement comes with a change in the way that the exiles remember the past: since they cannot count on linear memory (related to the modern regime of historicity) to conserve a link with a past from which they are spatially separated, they resort to a new kind of memory that we propose to define as variational memory. To define this term, the Homeric intertext will serve as an interpretive key: the figure of Ulysses, called upon by the narrator of Ignorance concerning the theme of exile and nostalgia, gives the opportunity to see how variational memory (memory by return of motifs) is built like an answer to the impossibility of epic memory (idealistic memory of a perfectly conserved past) and the failure of linear memory (which is always falsifiable). / Cette étude se propose de faire une lecture croisée entre la mémoire et le déplacement dans trois romans de Milan Kundera dont les personnages sont des exilés (Le livre du rire et de l'oubli, L'insoutenable légèreté de l'être et L'Ignorance). Notre hypothèse est que le déplacement s'accompagne chez les exilés d'un changement dans leur façon de se souvenir du passé : ne pouvant plus compter sur la mémoire linéaire (propre au régime moderne d'historicité) pour conserver un lien avec un passé dont ils sont spatialement séparés, ils recourent à ce que nous proposons de définir comme un nouveau type de mémoire: la mémoire variationnelle. Afin de définir ce terme, l'intertexte homérique nous servira de clef interprétative : la figure d'Ulysse, convoquée par le narrateur de L'Ignorance à propos du thème de l'exil et de la nostalgie, permet de voir comment la mémoire variationnelle (mémoire par retour de motifs) se construit en réponse aussi bien à l'impossibilité de la mémoire épique (mémoire idéale d'un passé parfaitement conservé) qu'à l'échec de la mémoire linéaire (mémoire par définition toujours falsifiable).

In Theory of the Novel, Georg Lukács suggests that one of the defining traits of characters in novels is that they are always on a quest. We generally study the "novelistic quest" from that point of view, referring to a pursuit led by the characters inside the novel. When we look at André Gide's literary career, however, the parameters of the quest change, and the novel becomes its object instead of its framework. Throughout his career, Gide will progress towards the "perfect" novel, pursuing three distinct objects in their ideal form: the figures of the novelist, the reader, and the novel itself. This thesis aims to map Gide's journey through careful examination of his writings on the novel – journal, correspondence, essays –, a journey which will lead him to his "first novel", The Counterfeiters. / Dans sa Théorie du roman, Georg Lukács avance que l'une des caractéristiques constitutives des personnages de roman est que ces derniers sont « toujours en quête ». La notion de quête romanesque est généralement étudiée dans cette optique, comme une recherche menée par le protagoniste à l'intérieur du roman. En ce qui concerne André Gide, toutefois, cette quête subit un renversement par lequel le roman devient l'objet de la recherche plutôt que son cadre. Au fil de sa carrière, Gide s'efforcera de saisir le « roman rêvé » à travers la poursuite de trois idéaux distincts et étroitement associés : celui du romancier, du lecteur et du roman idéaux. Ce mémoire retrace, au moyen des écrits de Gide sur le roman – Journal, correspondances, essais –, son parcours vers ces idéaux, parcours qui le mènera jusqu'à la rédaction du « premier roman » qu'est Les Faux-monnayeurs.

This Master's thesis consists of three sections. First, it examines the question of the subject in Samuel Beckett's work through a close reading of Cap au pire, the French translation of Worstward Ho, showing that beyond its endeavour towards a mere nothing or a transcendent being, the poem as artwork creates its own reality in engaging a subjectivity through its enunciation. A second short section presents the creative writing section and addresses its relations with the critique section on the postulate that the artwork is conditioned by its enunciation thus its subject. The last section of the thesis proposes a mourning account in which a speaker trying to relieve himself from his sorrow through the process of writing reconstructs in his discourse the fragmented memory of the disease, agony and death of his sister and his own evolution towards it. / Ce mémoire est composé de trois parties. Il propose dans un premier temps une critique du sujet chez Samuel Beckett à partir d'une lecture rapprochée de Cap au pire, montrant qu'au-delà d'une tentative d'atteindre un rien immanent ou un être transcendant, le poème fabrique sa réalité propre en engageant à même son énonciation un processus de subjectivation. Une deuxième courte section présente la partie création en abordant quelques-unes de ses relations avec la partie critique à partir du postulat que l'énonciation, donc le sujet, conditionne l'œuvre. La dernière partie du mémoire est composée d'un récit de deuil dans lequel un sujet cherchant à se délester de ses « maux » par l'écriture reconstitue dans son discours la mémoire fragmentée de la maladie, de l'agonie et de la mort de sa sœur et de sa propre évolution vis-à-vis de celle-ci.

The object of this dissertation is twofold: first to trace in Paloma Pedrero's theatre a cartography of the process of the moral and social degradation of certain individuals in contemporary society whereby they are forced out onto the street, a space where their degradation is complete to the extent that they lose their right of citizenship and of being a true person, and, secondly, to examine the author's avowed intention of using the potential of theatre to repair and recuperate such loss of personal dignity in real life. Pedrero is at once an author deeply involved in the socio-historical circumstances of post-Francoist Spain and a dramatist who, by virtue of her experience as an actress, playwright, director, and theatre manager, is truly “a women of the theatre.” As such her theatre is in permanent critical dialogue with socio-historical circumstances, while her assessment of the socially vulnerable in contemporary society, today's real losers, is a striking feature of a large number of the principal characters in her many-faceted plays who demonstrate how they are crushed, wiped out as social beings, and thrown to the street. Following the necessary socio-historical review of the author and her work, two main features are, thus, delineated here. First, the issue of loneliness as a catalyst leading to personal devastation is taken up and followed through to the reality of the plight of the abject poverty of the homeless. Then Pedrero's original plan to resist such moral and social degradation by means of a theatrical project for and with the homeless is explored. / Le but de cette dissertation est double: d'abord, il s'agit de tracer dans le théâtre de Paloma Pedrero une cartographie du processus de dégradation morale et sociale de certains individus dans la société contemporaine à travers duquel ils ont terminé leur vie dans la rue, un espace où ils complètent leur dégradation au point qu'ils perdent leur droit de citoyenneté et leur droit d'être une personne. Deuxièmement, on examine la potentialité du théâtre à réparer et à récupérer la dignité perdue chez les individus qui ont tout perdu dans leur vie. Pedrero est une auteure profondément impliquée dans les circonstances socio-historiques de l'Espagne post-franquiste et aussi une dramaturge qui, due à son expérience comme actrice, écrivaine de théâtre, directrice et gestionnaire de théâtre, peut être considérée une véritable “femme de théâtre.” Son théâtre est en dialogue critique permanent avec les circonstances socio-historiques, ce qui lui a permis de percevoir ceux qui sont socialement vulnérables dans la société contemporaine, les vrai perdants d'aujourd'hui et de les récupérer dans plusieurs personnages principaux de certaines de ses œuvres où l'on peut constater comment ils ont été écrasés, anéantis comme êtres humains et jetés à la rue. Après avoir réalisé la nécessaire vue d'ensemble socio-historique de l'auteur et son œuvre, on a délimité ici deux pratiques principales : la première examine la solitude comme un catalyseur qui mène à la dévastation personnelle, problématique qui nous amène à la terrible misère des sans-abri. La deuxième explore la proposition originale de Pedrero de résister la dégradation morale et sociale à l'aide du théâtre, un projet pensé pour et avec les sans-abri.