Este trabalho consiste na análise de três peças que se utilizam da citação musical de maneiras distintas. Ele é, portanto, um estudo a respeito da utilização da citação musical na linguagem musical erudita e suas implicações a partir do século XX. Nossa estratégia consistiu inicialmente em definirmos melhor nosso campo de estudos por meio da observação das especificidades da citação na linguagem musical. A partir daí, são propostos três tipos de citação que serão avaliados nas três peças principais que compõe este trabalho, a citação alusiva, a citação temática, e a citação em colagens. Alguns exemplos musicais que se enquadrariam nos respectivos tipos de citação são elencados com o objetivo de ilustra-los. A seguir, damos continuidade ao trabalho através da investigação da situação da música ocidental a partir do século XX, destacando a forma como o recurso à citação musical se insere neste contexto. Então, partimos para a análise das peças. A primeira peça se chama Phorion, do compositor Lukas Foss, e é um exemplo de utilização da citação em colagens; a segunda é a peça Dream-Images do ciclo Makrokosmos de George Crumb, que contém uma citação alusiva; e a última é o Prelúdio para piano de Willy Corrêa de Oliveira que se utiliza da citação temática. Desta maneira, pretendemos mostrar não apenas algumas formas de utilização da citação musical a partir do século XX, mas sua relevância no contexto artístico atual. / The present work consists of the analysis of three pieces that make use of musical quotations in different ways. It is therefore a study regarding the use of musical quotation in classical music language and its implications from the twentieth century on. Firstly we define our field of study through an examination of the characteristics of quotation in musical language. At this point, we propose three types of musical quotation that will be evaluated in the three main pieces analyzed in this work, allusive quotation, thematic quotation and quotation in collages. Some examples of music that would fit in these types of quotation are listed in order to illustrate them. Next, we continue the work through the investigation of Western music situation from the twentieth century on, emphasizing how the use of musical quotation is related with this context. After that, we proceed to the analysis of the pieces. The first piece is called Phorion, by the composer Lukas Foss, and is an example of the use of quotation in collages, the second piece is called Dream Images from the cycle Makrokosmos by George Crumb, which contains an allusive quotation, and the last piece is the Piano Prelude by Willy Correa de Oliveira who uses the thematic quotation. Our primary goal is not just showing a few uses of musical quotation from the twentieth century on, but to assess its relevance in the present artistic scenery.

Em meio aos debates (tão profícuos e numerosos quanto beligerantes) sobre os rumos da composição musical em meados do século XX, o questionamento sobre a natureza da relação a ser estabelecida com o passado (com a história da música) foi um tema privilegiado. Desde então sua pertinência crescente, na atrofia de uma prática social (e de uma linguagem comumente compartilhada) na música erudita, faz com que esse debate transcenda o contexto inicial da música de vanguarda das décadas de 1950 e 1960 e possa ser visto como um problema de base para a criação musical em nosso tempo. No enfrentamento em larga escala dessas questões, destacam-se as trajetórias de dois compositores, tanto em seu pensamento como em sua obra musical: Henri Pousseur (1929- 2009) e Willy Corrêa de Oliveira (nascido em 1938). A premissa dessa discussão, a saber, a oposição à tabula rasa da arte do passado (simbolizada aqui pela imagem das \"tábuas\" que não foram privadas de suas inscrições, \"tabulae scriptae\"), é enfrentada inicialmente pela contextualização das discussões sobre a abordagem da música erudita como linguagem em meados do século XX (e em torno da música contemporânea), para em seguida expandirmos esse universo com apontamentos de uma interpretação semiótica dessa linguagem e de sua relação com o modo de produção capitalista. Pousseur e Willy chegam paralelamente a conclusões similares, na apreciação da situação crítica da música contemporânea na sociedade atual como decorrente de uma crise generalizada das relações humanas, o que conduz a uma situação metalingüística: na ausência de uma linguagem comum, funcional, universalizante, a atividade do compositor se volta para a reflexão sobre a própria linguagem, no questionamento das premissas do processo de criação. As obras de Willy e Pousseur, de maneiras distintas (e autônomas, desenrolando-se paralelamente), registram um reflexo desse pensamento no recurso constante às mais diversas formas de operação metalingüística direta, na recuperação de materiais e procedimentos do passado (sob novas roupagens) na composição musical. Em capítulos separados, sucessivos, propomos uma apreciação panorâmica de cada uma dessas trajetórias para apontar a pertinência da operação metalingüística em suas obras de maneira geral, detalhando-a eventualmente em análises de algumas obras-chave. Antes de refletir sobre os pontos em comum e as diferenças mais marcantes entre essas duas trajetórias, insere-se ainda um testemunho de uma adesão a suas propostas, com a análise de composições de minha própria autoria / Among the debates (that were as useful and plentiful as they were belligerent) about the paths of musical composition in the middle of the 20th century, the question of which kind of relation was to be established with the past (with the history of music) was a favoured one. Since then its growing pertinence, alongside the atrophy of common practice (and of a thoroughly shared musical language) in contemporary music, makes this discussion surmount its original context (within avantgarde music of the 1950s and 60s) and become a fundamental problem for the creation of music in our time. In the large-scale confrontation of these questions, the paths of two composers stand out, in their musical thought inasmuch as in their compositions: Henri Pousseur (1929-2009) and Willy Corrêa de Oliveira (born in 1938). The premise of this discussion, the denial of the tabula rasa of the art of the past (represented here by the image of the \"table\" whose writings haven\'t been erased, \"tabulae scriptae\"), is faced with the contextualization of the debates on music as language in the middle of the 20th century (and around the contemporary music medium). This context is expanded pointing out to semiotics and to the relations of musical language and capitalist means of production. Henri Pousseur and Willy Oliveira come to the similar conclusions, approaching the critical situation of contemporary music in hodiernal society as a result of a generalized crisis on human relations. This leads to a consideration of the present state of musical practice as a metalanguage: in the absence of a common universal language, the composer\'s work turns to the reflexion on language itself and on the nature of the creative process. The musical works of Willy Corrêa and Henri Pousseur (independently, and in different ways) show a reflex of this thought in the frequent use of various kinds of metalinguistic procedures in composition, in their recuperation of materials and procedures of the past (in new treatments). In separate chapters, we propose a panoramic view of each of their musical paths, approaching their use of metalinguistics in their works in general, and also analyzing some of their compositions in detail. Before discussing the common points and the striking differences between their paths, one more chapter includes a testimony of an adherence to these principles, with analysis of musical compositions of my own.

The National Library of Canada houses 3.5 meters of textual documents related to the celebrated Quebecois composer, Jacques Hétu (1938-2010). Among the working documents and biographical material donated in 1997 to the Jacques Hétu Fonds are autograph compositional documents relating to Hétu’s Suite pour guitare, Op. 41, written in 1986 (10 folios of sketch material and the composer’s fair copy). After deciphering, transcribing, and ascertaining the chronology of the sketches, an examination of the documents yields a new understanding of Hétu’s compositional process for Op. 41 (including the discovery of an unpublished movement entitled “Prelude II”) and the work’s form and structure. In addition, unpublished writings and correspondence by the composer are explored regarding Hétu’s life, musical style and his reception in Quebec. The study differs notably from traditional sketch studies in its adoption of a theoretical framework and methodology borrowed from critique génétique, or genetic criticism, a French movement of literary criticism originating in the 1970s. As opposed to traditional approaches to “genetic” documents, critique génétique dismisses the notion of a singular definitive text in favor of textual plurality by elevating the status of variants produced during the creative process (i.e. rough drafts or discarded versions). The advantage of a “genetic” approach is that it allows for the preclusion of fundamental theoretical problems associated with the use of a composer’s sketches to analyze a musical work. The extent to which the approach of critique génétique can be applied to music sketch is examined along with the consequences of adopting such a theoretical framework (including those regarding performance, editorial practice, and the ontology of completions of fragmentary works). / Graduate

Este trabalho consiste na análise de três peças que se utilizam da citação musical de maneiras distintas. Ele é, portanto, um estudo a respeito da utilização da citação musical na linguagem musical erudita e suas implicações a partir do século XX. Nossa estratégia consistiu inicialmente em definirmos melhor nosso campo de estudos por meio da observação das especificidades da citação na linguagem musical. A partir daí, são propostos três tipos de citação que serão avaliados nas três peças principais que compõe este trabalho, a citação alusiva, a citação temática, e a citação em colagens. Alguns exemplos musicais que se enquadrariam nos respectivos tipos de citação são elencados com o objetivo de ilustra-los. A seguir, damos continuidade ao trabalho através da investigação da situação da música ocidental a partir do século XX, destacando a forma como o recurso à citação musical se insere neste contexto. Então, partimos para a análise das peças. A primeira peça se chama Phorion, do compositor Lukas Foss, e é um exemplo de utilização da citação em colagens; a segunda é a peça Dream-Images do ciclo Makrokosmos de George Crumb, que contém uma citação alusiva; e a última é o Prelúdio para piano de Willy Corrêa de Oliveira que se utiliza da citação temática. Desta maneira, pretendemos mostrar não apenas algumas formas de utilização da citação musical a partir do século XX, mas sua relevância no contexto artístico atual. / The present work consists of the analysis of three pieces that make use of musical quotations in different ways. It is therefore a study regarding the use of musical quotation in classical music language and its implications from the twentieth century on. Firstly we define our field of study through an examination of the characteristics of quotation in musical language. At this point, we propose three types of musical quotation that will be evaluated in the three main pieces analyzed in this work, allusive quotation, thematic quotation and quotation in collages. Some examples of music that would fit in these types of quotation are listed in order to illustrate them. Next, we continue the work through the investigation of Western music situation from the twentieth century on, emphasizing how the use of musical quotation is related with this context. After that, we proceed to the analysis of the pieces. The first piece is called Phorion, by the composer Lukas Foss, and is an example of the use of quotation in collages, the second piece is called Dream Images from the cycle Makrokosmos by George Crumb, which contains an allusive quotation, and the last piece is the Piano Prelude by Willy Correa de Oliveira who uses the thematic quotation. Our primary goal is not just showing a few uses of musical quotation from the twentieth century on, but to assess its relevance in the present artistic scenery.

Em meio aos debates (tão profícuos e numerosos quanto beligerantes) sobre os rumos da composição musical em meados do século XX, o questionamento sobre a natureza da relação a ser estabelecida com o passado (com a história da música) foi um tema privilegiado. Desde então sua pertinência crescente, na atrofia de uma prática social (e de uma linguagem comumente compartilhada) na música erudita, faz com que esse debate transcenda o contexto inicial da música de vanguarda das décadas de 1950 e 1960 e possa ser visto como um problema de base para a criação musical em nosso tempo. No enfrentamento em larga escala dessas questões, destacam-se as trajetórias de dois compositores, tanto em seu pensamento como em sua obra musical: Henri Pousseur (1929- 2009) e Willy Corrêa de Oliveira (nascido em 1938). A premissa dessa discussão, a saber, a oposição à tabula rasa da arte do passado (simbolizada aqui pela imagem das \"tábuas\" que não foram privadas de suas inscrições, \"tabulae scriptae\"), é enfrentada inicialmente pela contextualização das discussões sobre a abordagem da música erudita como linguagem em meados do século XX (e em torno da música contemporânea), para em seguida expandirmos esse universo com apontamentos de uma interpretação semiótica dessa linguagem e de sua relação com o modo de produção capitalista. Pousseur e Willy chegam paralelamente a conclusões similares, na apreciação da situação crítica da música contemporânea na sociedade atual como decorrente de uma crise generalizada das relações humanas, o que conduz a uma situação metalingüística: na ausência de uma linguagem comum, funcional, universalizante, a atividade do compositor se volta para a reflexão sobre a própria linguagem, no questionamento das premissas do processo de criação. As obras de Willy e Pousseur, de maneiras distintas (e autônomas, desenrolando-se paralelamente), registram um reflexo desse pensamento no recurso constante às mais diversas formas de operação metalingüística direta, na recuperação de materiais e procedimentos do passado (sob novas roupagens) na composição musical. Em capítulos separados, sucessivos, propomos uma apreciação panorâmica de cada uma dessas trajetórias para apontar a pertinência da operação metalingüística em suas obras de maneira geral, detalhando-a eventualmente em análises de algumas obras-chave. Antes de refletir sobre os pontos em comum e as diferenças mais marcantes entre essas duas trajetórias, insere-se ainda um testemunho de uma adesão a suas propostas, com a análise de composições de minha própria autoria / Among the debates (that were as useful and plentiful as they were belligerent) about the paths of musical composition in the middle of the 20th century, the question of which kind of relation was to be established with the past (with the history of music) was a favoured one. Since then its growing pertinence, alongside the atrophy of common practice (and of a thoroughly shared musical language) in contemporary music, makes this discussion surmount its original context (within avantgarde music of the 1950s and 60s) and become a fundamental problem for the creation of music in our time. In the large-scale confrontation of these questions, the paths of two composers stand out, in their musical thought inasmuch as in their compositions: Henri Pousseur (1929-2009) and Willy Corrêa de Oliveira (born in 1938). The premise of this discussion, the denial of the tabula rasa of the art of the past (represented here by the image of the \"table\" whose writings haven\'t been erased, \"tabulae scriptae\"), is faced with the contextualization of the debates on music as language in the middle of the 20th century (and around the contemporary music medium). This context is expanded pointing out to semiotics and to the relations of musical language and capitalist means of production. Henri Pousseur and Willy Oliveira come to the similar conclusions, approaching the critical situation of contemporary music in hodiernal society as a result of a generalized crisis on human relations. This leads to a consideration of the present state of musical practice as a metalanguage: in the absence of a common universal language, the composer\'s work turns to the reflexion on language itself and on the nature of the creative process. The musical works of Willy Corrêa and Henri Pousseur (independently, and in different ways) show a reflex of this thought in the frequent use of various kinds of metalinguistic procedures in composition, in their recuperation of materials and procedures of the past (in new treatments). In separate chapters, we propose a panoramic view of each of their musical paths, approaching their use of metalinguistics in their works in general, and also analyzing some of their compositions in detail. Before discussing the common points and the striking differences between their paths, one more chapter includes a testimony of an adherence to these principles, with analysis of musical compositions of my own.

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Este trabalho tem como objetivo identificar, investigar e analisar, a partir da notação musical não tradicional, questões interpretativas relacionadas a produção coral de Lindembergue Cardoso (1939-1989). Como parte dos procedimentos metodológicos, realizamos pesquisa documental e bibliográfica para o levantamento da produção coral a partir dos catálogos existentes que se referem ao compositor. Levantamos um total de 81 obras corais e, após a visita a diversos acervos para a localização das partituras das obras, com destaque para o Memorial Lindembergue Cardoso - localizado na Universidade Federal da Bahia -, identificamos 30 obras que fazem uso de novas grafias e que constituem o corpus de nossa pesquisa. Nos dois capítulos iniciais do trabalho apresentamos a trajetória coral do compositor e aspectos selecionados das práticas corais internacionais do século XX, com ênfase nas mudanças ocorridas a partir de 1950, bem como a conexão dessas mudanças com os movimentos brasileiros de vanguarda, com destaque para o Grupo de Compositores da Bahia, do qual L. Cardoso foi membro-fundador. O terceiro capítulo traz conceituação teórica da notação musical não tradicional aplicada às obras analisadas e apresenta tabelas que contêm todos os símbolos notacionais não tradicionais encontrados no corpus da pesquisa, com seus respectivos significados. O quarto capítulo é composto pelo índice cronológico comentado, no qual apresentamos todas as obras da pesquisa, destacando aspectos estruturais, contextuais e notacionais. No quinto capítulo tratamos das sonoridades vocais exploradas nas obras e apresentamos o relato de experiência sobre o trabalho de montagem da peça Caleidoscópio Op. 40, com o Coral da ECA-USP, no qual atuamos como regente assistente. Propusemos uma discussão, a partir do ponto de vista do regente coral, sobre questões relacionadas à prática interpretativa desse tipo de repertório, tais como: a forma de leitura de partituras com novas grafias pelo coralista de hoje; como é construída a relação dos intérpretes com uma estética pouco familiar; e quais os processos de preparação e ensaio para execução de obras com caráter experimental. / This research aims to identify, investigate and analyze, from a non-traditional musical notation, interpretative issues related to the choral production of the composer Lindembergue Cardoso (1939-1989). As part of the methodological procedures, we have reviewed documents as well as his bibliography in order to gather information of his choral production. We have come to a total of 81 choral pieces and, after visiting many collections in order to find the musical scores, including the Lindembergue Cardoso Memorial at Bahia Federal University, we identified 30 pieces which make use of new types of notation. This is what constitutes the corpus of our research. On the first two chapters we present the composer`s choral trajectory, and selected aspects of the 20th century international choral standards, highlighting the occurred changes from 1950, as well as the connection between those changes with Brazilian avant-garde, especially the Composer\'s Group of Bahia, of which L. Cardoso was a founder and member. The third chapter brings over the theoretical background on non-traditional musical notation applied to the analyzed pieces and displays tables containing all the non-traditional notation symbols found in this research, with their respective meanings. The fourth chapter is composed of a chronological index, in which all the works are commented on their structural, contextual and notational aspects. On the fifth chapter we focus on the vocal sonorities retreated in the works and present the account of the experience on the setting of the play Caleidoscópio Op. 40, along with the ECA-USP Choir, in which we performed as the assistant conductor. We have proposed a discussion, from the choral conductor point of view, about matters related to the interpretative experience for this kind of repertoire, such as: the way in which the chorister can read the musical scores with the new type of notation; how to build the connection between the interpreters and such a low familiar esthetic; and which the processes of preparation and rehearsal aiming the execution of experimental works.

Este trabalho tem por objetivo analisar os processos composicionais do Kyrie, segundo movimento do Réquiem (1963-65), de György Ligeti. Segundo seu compositor, essa peça é uma \"estranha fuga\" e, como tal, receberá durante nosso trabalho a terminologia correspondente a essa declaração. No primeiro capítulo, investigaremos a microestrutura da obra e perceberemos aí o caráter direcional das alturas do Sujeito 1, Kyrie eleison, (Cohn, 1998; Douthett & Steinbach, 1998; Lewin; 1982) e as simetrias que descrevem o Sujeito 2, Christe eleison (Weyl, 1997; McManus, 2005). No segundo capítulo, discutiremos o conceito de ilusão sonora (Caznok, 2008; Vitale, 2013; Menezes, 2004), sua recorrência na obra de Ligeti e na compreensão da superfície audível do Kyrie. No terceiro e último capítulo, retomaremos alguns aspectos da história do termo \"fuga\" (Mann, 1987) na busca de reflexos dessa história na escrita de Ligeti. Durante todo o nosso texto, lembraremos de outras obras artísticas que, em diálogo com o Kyrie, nos ajudarão a exemplificar, contrapor ou ratificar procedimentos composicionais da obra de Ligeti. Nossa investigação tende a situar a obra desse compositor na questão da Tradição e Ruptura, problematizada pela modernidade (Arendt, 2013; Compagnon, 2010), a partir de uma abordagem prática: a da análise musical. / This work aims to analyze the compositional process of Kyrie, the second movement of Réquiem (1963-95), by György Ligeti. According to Ligeti, this piece is a \"strange fugue\" and, as such, we will use a terminology corresponding to that statement. In the first chapter, we will investigate the microstructure of the piece and we will find the pitches\' directionality of the Subject 1, Kyrie eleison, (Cohn, 1998; Douthett & Steinbach, 1998; Lewin; 1982) and the symmetries that characterizes the Subject 2, Christe eleison (Weyl, 1997; McManus, 2005). In the second chapter, we will discuss the concept of sound illusion (Caznok, 2008; Vitale, 2013; Menezes, 2004), its recurrence in Ligeti\'s repertoire and its relevance to the understanding of the audible surface of Kyrie. In the third chapter, we will remember some aspects of the history of the word \"fugue\" (Mann, 1987), looking for reflections of this history in the Kyrie. During our argumentation, we will bring out another works of art, which will be related to the Kyrie, helping us to illustrate, oppose or endorse the compositional procedures of Ligeti\'s work. Our research tends to situate the Kyrie in the context of Tradition and Rupture, considered by modernity (Arendt, 2013; Compagnon 2012), from a practical approach, the analytical research

Este trabalho tem como objetivo identificar, investigar e analisar, a partir da notação musical não tradicional, questões interpretativas relacionadas a produção coral de Lindembergue Cardoso (1939-1989). Como parte dos procedimentos metodológicos, realizamos pesquisa documental e bibliográfica para o levantamento da produção coral a partir dos catálogos existentes que se referem ao compositor. Levantamos um total de 81 obras corais e, após a visita a diversos acervos para a localização das partituras das obras, com destaque para o Memorial Lindembergue Cardoso - localizado na Universidade Federal da Bahia -, identificamos 30 obras que fazem uso de novas grafias e que constituem o corpus de nossa pesquisa. Nos dois capítulos iniciais do trabalho apresentamos a trajetória coral do compositor e aspectos selecionados das práticas corais internacionais do século XX, com ênfase nas mudanças ocorridas a partir de 1950, bem como a conexão dessas mudanças com os movimentos brasileiros de vanguarda, com destaque para o Grupo de Compositores da Bahia, do qual L. Cardoso foi membro-fundador. O terceiro capítulo traz conceituação teórica da notação musical não tradicional aplicada às obras analisadas e apresenta tabelas que contêm todos os símbolos notacionais não tradicionais encontrados no corpus da pesquisa, com seus respectivos significados. O quarto capítulo é composto pelo índice cronológico comentado, no qual apresentamos todas as obras da pesquisa, destacando aspectos estruturais, contextuais e notacionais. No quinto capítulo tratamos das sonoridades vocais exploradas nas obras e apresentamos o relato de experiência sobre o trabalho de montagem da peça Caleidoscópio Op. 40, com o Coral da ECA-USP, no qual atuamos como regente assistente. Propusemos uma discussão, a partir do ponto de vista do regente coral, sobre questões relacionadas à prática interpretativa desse tipo de repertório, tais como: a forma de leitura de partituras com novas grafias pelo coralista de hoje; como é construída a relação dos intérpretes com uma estética pouco familiar; e quais os processos de preparação e ensaio para execução de obras com caráter experimental. / This research aims to identify, investigate and analyze, from a non-traditional musical notation, interpretative issues related to the choral production of the composer Lindembergue Cardoso (1939-1989). As part of the methodological procedures, we have reviewed documents as well as his bibliography in order to gather information of his choral production. We have come to a total of 81 choral pieces and, after visiting many collections in order to find the musical scores, including the Lindembergue Cardoso Memorial at Bahia Federal University, we identified 30 pieces which make use of new types of notation. This is what constitutes the corpus of our research. On the first two chapters we present the composer`s choral trajectory, and selected aspects of the 20th century international choral standards, highlighting the occurred changes from 1950, as well as the connection between those changes with Brazilian avant-garde, especially the Composer\'s Group of Bahia, of which L. Cardoso was a founder and member. The third chapter brings over the theoretical background on non-traditional musical notation applied to the analyzed pieces and displays tables containing all the non-traditional notation symbols found in this research, with their respective meanings. The fourth chapter is composed of a chronological index, in which all the works are commented on their structural, contextual and notational aspects. On the fifth chapter we focus on the vocal sonorities retreated in the works and present the account of the experience on the setting of the play Caleidoscópio Op. 40, along with the ECA-USP Choir, in which we performed as the assistant conductor. We have proposed a discussion, from the choral conductor point of view, about matters related to the interpretative experience for this kind of repertoire, such as: the way in which the chorister can read the musical scores with the new type of notation; how to build the connection between the interpreters and such a low familiar esthetic; and which the processes of preparation and rehearsal aiming the execution of experimental works.

Cette thèse est consacrée à la réception de la figure et de l’œuvre de Béla Bartók (1881-1945) en Italie, dans la première moitié du XXe siècle. Opérée depuis un point de vue musicologique, l’analyse de l’influence bartókienne dans les œuvres de nombreux compositeurs italiens (d’Alfredo Casella à Bruno Maderna) invite à reconsidérer l’évolution du modernisme artistique en Italie, ainsi que les fondements de la poétique du musicien hongrois – informée par le nationalisme magyar, la « pureté » du folklore paysan et l’utopie de la « musique nocturne ». Par ailleurs, l’étude des formes de transmission et de critique de l’un des compositeurs canoniques du siècle dernier soulève des enjeux plus généraux, qui relèvent de l’histoire culturelle : la continuité entre modernisme artistique et totalitarisme, les formes et les significations de la résistance culturelle, les rapports entre musique et diplomatie, la construction du mythe antifasciste de Bartók. À bien des égards, la « vague bartókienne » qui s’affirma en Italie pendant la période de la guerre froide fut l’aboutissement de la fusion entre le mythe de Bartók – ce « musicien de la liberté » dont parlait le critique Massimo Mila – et le mythe de la renaissance nationale. Une fusion qui avait ses origines dans le paysage sonore de la dictature fasciste et de la Resistenza. / This thesis focuses on the reception of Béla Bartók’s music and figure in Italy during the first half of the twentieth century. From a musicological standpoint, the analysis of Bartók’s influence on the works of several Italian composers (from Alfredo Casella to Bruno Maderna) invites us to reconsider the evolution of artistic modernism in Italy, as well as the foundations of Bartók’s poetics – which is informed by Hungarian nationalism, the “purity” of peasant folklore, and the utopia of “night music”. Furthermore, the study of the forms of transmission and criticism of one of the canonical composers of the last century raises broader issues concerning cultural history, such as: the continuity between artistic modernism and totalitarianism, the forms and meanings of cultural resistance, the relation between music and diplomacy, and the construction of the antifascist myth of Bartók.This thesis argues that the Bartókian Wave, which emerged in Italy during the early Cold War period, was the result of the fusion between the Bartók myth – i.e. the “musician of freedom” celebrated by the critic Massimo Mila – and the myth of national regeneration: a fusion that had its origins in the soundscape of Fascist dictatorship and the Resistenza.