Diss.--Fachbereich Kulturgeschichte und Kulturkunde--Hambourg, 2003. / Analyse et présentation des oeuvres suivantes : "Des Simplicius Simplicissimus Jugend" de Karl Amadeus Hartmann, "Simplicius Simplicissimus" de Ludwig Maurick, "Die Gaunerstreiche der Courasche" de Richard Mohaupt, "Das Frankenburger Würfelspiel" de Eberhard W. Möller et Hans J. Sobanski, "Friedenstag" de Joseph Gregor et Richard Strauss. Bibliogr. p. 361-383.

Diss.--Philosophie--Pittsbugh (Pa)--Graduate faculty of arts and sciences, 2001. / Bibliogr. p. 331-356.

Texte remanié de: Doctoral thesis--University of Oxford, 2004. Titre de soutenance : Anglo-continental musical relations, c. 1485-1530. / Bibliogr. p. [297]-315.

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Cette recherche porte sur les processus de narrativisation des musiques rock et folk, et mobilise une méthode phononarratologique reposant sur des témoignages d'écoute d'auditeurs investis dans ces deux genres à travers l'appartenance à des communautés d'amateurs en ligne. Bien que le champ de la narratologie des musiques populaires se soit développé depuis une quinzaine d'années, les travaux s'appuyant sur des enquêtes de réception y restent en effet marginaux. Le cadre cognitiviste tendant pourtant à s'implanter dans la narratomusicologie, il m'a semblé important de réaliser une étude plus systématique permettant de mieux comprendre comment sont perçus les textes et surtout l'ensemble de l'environnement sonore d'une chanson populaire, et pourquoi ils peuvent être reçus à travers un prisme narratif. En utilisant la théorie des affordances, je cherche dans cette thèse quels éléments, relevant des paroles, de la composition musicale, de la performance, mais aussi des paramètres technologiques et de la mise en scène sonore, semblent encourager une écoute narrativisante. Je m'appuie pour cela sur un questionnaire en ligne distribué auprès de 15 communautés d'auditeurs dédiées à des artistes rock et folk, portant sur la place de la narrativité dans leurs écoutes et dans leur perception des musiques rock et folk. La focalisation sur ces deux genres, dans leurs incarnations allant des années 1960 aux années 1980, me permet de mener une approche comparative du rôle que peut jouer la narrativité dans les définitions et traditions génériques, mais aussi de la manière dont cette narrativité articule et concentre un bon nombre des enjeux politiques soulevés par les musiques populaires. Les liens étroits qu'ont pu entretenir les genres rock et folk avec des mouvements ou discours politisés redoublent l'intérêt de ce questionnement et de la méthode utilisée ici, qui laisse apercevoir comment la réception actuelle des récits rock et folk façonne l'image politique de ces genres. En mettant en regard les contributions des enquêtés avec des analyses phononarratologiques, je me suis attachée à évaluer les contrastes d'affordances sonores, politiques et narratives proposées par les chansons rock et folk, tout en gardant à l'esprit les impressions que ces affordances laissent sur leurs publics contemporains. Les résultats de cette recherche montrent que malgré quelques différences dans les processus de narrativisation des chansons rock et folk, le caractère phonographique de ces musiques les rassemble comme objets narratifs gagnant à être compris sous le prisme de l'expérientialité, dans la mesure où elles encouragent l'auditeur implicite à se positionner dans le monde narratif proposé par chaque piste. Les points de vue et types de voix narratives prenant à parti cet auditeur implicite modulent toutefois considérablement cette relation, et sont essentiels dans la compréhension des pratiques et traditions narratives et politiques des genres rock et folk, dont on peut ainsi dresser des profils distincts en dépit des nombreux échanges qui ont dynamisé l'évolution de ces deux familles musicales sur la période étudiée. / This thesis deals with the narrativization of rock and folk music with a phononarratological approach relying on listening accounts gathered from listeners invested in these two genres through an active involvement in online fan communities. Although the field of narratological popular music studies has developed in the last 15 years, studies rooted in reception fieldwork are still rare. Since cognitive frameworks nevertheless tend to get adopted in musiconarratology, it seemed important to me to conduct a more systematic investigation in order to better understand how lyrics and sonic environment are perceived in a popular song, and why they can be received through a narrative lens. Using affordance theory, I seek what elements, relating to lyrics, musical composition, performance, but also technological parameters and phonographic staging, can encourage a narrativizing mode of listening. To this end, I rely on an online survey shared among 15 fan communities dedicated to rock and folk artists, dealing with narrativity's place in their way of listening and in their perception of rock and folk music. My focalizing on these two genres from the 1960s to the 1980s allows me to conduct a comparative approach to the role narrativity can play in generic definitions and traditions, but also to the way narrativity structures and concentrates a range of political issues brought up by popular music. The close links that have existed between rock and folk genres and politicized movements or discourses heighten the relevance of my line of questioning and of my method, which sheds light on how contemporary receptions of rock and folk narratives shape these two genres' political images. By combining the listeners' comments with phononarratological analysis, I try to gauge the contrasts between rock and folk songs in terms of sonic, political and narrative affordances, while keeping an eye on what impressions these affordances leave on contemporary listeners. My results show that despite some differences between the narrativization processes encouraged by rock and folk music, their phonographic nature brings them together as narrative objects that should be viewed through the angle of experientiality, insofar as they incite the implied listener to position themselves in the storyworld suggested by each track. However, some types of point of view and narrative voice alter this relationship and are essential in the understanding of the narrative and political practices of rock and folk music, from which two distinct portraits can be painted despite the numerous exchanges that have stirred their evolution during the period I studied.

L'étude de la musique à l'église au XIXe siècle est une thématique de recherche en plein essor. Depuis quinze ans, lesrecherches menées ont permis d'appréhender ce large sujet et d'ouvrir les perspectives de recherche qui en découlent,mais une part de cette thématique reste encore à explorer. En effet, le mouvement de restauration de la musique d'égliseest à ce jour peu abordé de façon singulière.Notre objectif étant de mettre en évidence l'étendue du champ de recherche, musicologique et pluridisciplinaire liée àl'étude de ce mouvement, Félix Clément est apparu être une entrée appropriée. Bien que n'étant pas chef de file, Clémentsemblait s'engager dans toutes les voies qui s'ouvraient à lui pour aborder et développer la question de la restauration dela musique à l'église.Dépassant le domaine du religieux, Clément fait montre, dans son travail de restaurateur du chant liturgique et selon sesdifférentes approches, d'une réelle acuité d'esprit et prend bien en considération toute la complexité d'une telleentreprise. Surtout, il permet d'intégrer le mouvement auquel il appartient dans le flux historiographique, sociétal,politique et cultuel et d'en révéler toute la profondeur. li ouvre la voie de plusieurs axes de recherches liés à l'étude de larestauration du chant liturgique de sorte qu'un vaste paysage du mouvement se dépeint au seul regard de ses activités.Notre étude s'applique à replacer les démarches de Clément dans leur contexte afin d'en dégager le rapport àl'environnement politique et cultuel et de définir l'importance et les retombées de ses travaux. / 19th century church music is a research area that is greatly expanding. The last 15 years of research has Iead to a better understanding of this expansive subject, but much remains to be examined. ln particular, the 19th century French Church Music Restoration Movement has yet to be studied in its own right.Our goal was to demonstrate the breath of the musicological and multidisciplinary research opportunities related to this movement, and Félix Clément emerged as an ideal starting point. Although he was nota principle leader, he was involve in ail areas of the Church Music Restoration Movement that were open to him. Beyond the field of religion, Clément revealed a real insight, through his work as a Iiturgical chant restorer and his different methodological approaches, and understood the entire complexity of the field. Above all else, his experience allows for a deeper understanding of the societal, political, religious and historiographical currents involved in this kind of work. His work opens the door to many research possibilities relating to the study of the restoration of Iiturgical chant in such a way that an entire field is revealed by looking at his activities. Our study attempts to place the work of Clément in their context in order to extract the political and religious relationship and to define the importance and Iegacy of his work.

Cette thèse est consacrée à la réception de la figure et de l’œuvre de Béla Bartók (1881-1945) en Italie, dans la première moitié du XXe siècle. Opérée depuis un point de vue musicologique, l’analyse de l’influence bartókienne dans les œuvres de nombreux compositeurs italiens (d’Alfredo Casella à Bruno Maderna) invite à reconsidérer l’évolution du modernisme artistique en Italie, ainsi que les fondements de la poétique du musicien hongrois – informée par le nationalisme magyar, la « pureté » du folklore paysan et l’utopie de la « musique nocturne ». Par ailleurs, l’étude des formes de transmission et de critique de l’un des compositeurs canoniques du siècle dernier soulève des enjeux plus généraux, qui relèvent de l’histoire culturelle : la continuité entre modernisme artistique et totalitarisme, les formes et les significations de la résistance culturelle, les rapports entre musique et diplomatie, la construction du mythe antifasciste de Bartók. À bien des égards, la « vague bartókienne » qui s’affirma en Italie pendant la période de la guerre froide fut l’aboutissement de la fusion entre le mythe de Bartók – ce « musicien de la liberté » dont parlait le critique Massimo Mila – et le mythe de la renaissance nationale. Une fusion qui avait ses origines dans le paysage sonore de la dictature fasciste et de la Resistenza. / This thesis focuses on the reception of Béla Bartók’s music and figure in Italy during the first half of the twentieth century. From a musicological standpoint, the analysis of Bartók’s influence on the works of several Italian composers (from Alfredo Casella to Bruno Maderna) invites us to reconsider the evolution of artistic modernism in Italy, as well as the foundations of Bartók’s poetics – which is informed by Hungarian nationalism, the “purity” of peasant folklore, and the utopia of “night music”. Furthermore, the study of the forms of transmission and criticism of one of the canonical composers of the last century raises broader issues concerning cultural history, such as: the continuity between artistic modernism and totalitarianism, the forms and meanings of cultural resistance, the relation between music and diplomacy, and the construction of the antifascist myth of Bartók.This thesis argues that the Bartókian Wave, which emerged in Italy during the early Cold War period, was the result of the fusion between the Bartók myth – i.e. the “musician of freedom” celebrated by the critic Massimo Mila – and the myth of national regeneration: a fusion that had its origins in the soundscape of Fascist dictatorship and the Resistenza.

Revised thesis (doctoral)--University of Oxford, 2004. / Includes bibliographical references (p. [297]-315) and index.

Du 19e siècle à nos jours, la musique chinoise a pris une nouvelle direction. La création musicale en Chine s'est développée à travers les diverses cultures et les changements de politique, conférant ainsi un charme particulier à la musique contemporaine chinoise. A partir du début de l'imitation occidentale et juste avant la fondation de la nouvelle Chine, les musiciens chinois sont parvenus à associer les éléments musicaux chinois avec les nouveaux langages musicaux. Au cours de certaines périodes, l'art avait été asservi au pouvoir politique et la création musicale de style traditionnel était l'identité principale. Après de vagues stratégies d’Etat successives, l’évitement des thèmes sensibles, les besoins urgents de la culture racine, la mise en œuvre des techniques expérimentales s’est déployée et diversifiée et les échanges internationaux ont conduit à l'émergence du départ à l'étranger des compositeurs chinois pour chercher leur propre chemin créatif. La musique contemporaine de la Chine s’est élaborée à partir de la technique occidentale et a progressé dans le contexte culturel chinois et ses racines multiples, les pensées fermées et les expériences d'enfance dans l'environnement culturel pur et la collision du nouvel environnement créent des œuvres d'art fascinantes, la rendant remarquablement différente de la musique contemporaine occidentale. Durant ces 30 dernières années de développement économique et d'ouverture politique, la société chinoise s’est de plus en plus internationalisée; les nouvelles technologies et les profils variés des compositeurs ont incité la nouvelle génération à mettre en place d’excellentes innovations musicales spécifiques. / As of the 19th century up to now, Chinese music has been taking a new direction and has developed in the wake of social evolutions. In China, the musical creation was affected by both the various cultures and political changes, thus bestowing a special charm on contemporary Chinese music. From the beginning of Western imitation and just before the founding of the new China, Chinese musicians succeeded in matching the Chinese musical elements with the new musical languages. Throughout specific periods, art had been bound to political power, and traditional style constituted the main identity of musical creation. Following the Cultural Revolution, the return to the root culture, the implementation of diversified experimental techniques have resulted in the departure of Chinese composers abroad in search of their own creative way. Contemporary Chinese music developed from Western technique and progressed in the Chinese cultural context and its multiple roots, closed thoughts and childhood experiences in the pure cultural environment and the collision of the new environment is now creating fascinating works of art, remarkably different from Western contemporary music. During the last 30 years of economic development and political openness, Chinese society has become increasingly internationalized; the new technologies and the varied profiles of composers have prompted the new generation to set up outstanding specific musical innovations.

Si la vie musicale en France sous l’Occupation est aujourd’hui un champ de recherche bien balisé, le parcours de l’un des compositeurs majeurs de cette période, Marcel Delannoy (1898-1962), n’a encore fait l’objet d’aucune étude approfondie. Appuyé sur un large éventail de sources, dont le riche fonds Delannoy conservé à la BnF, ce travail vise à combler cette lacune en situant Delannoy dans le contexte plus large d’une génération particulièrement exposée sous Vichy. Dans ce contexte coercitif mais favorable à la création musicale, plusieurs compositeurs de cette génération (notamment Poulenc et Honegger) sont en effet impliqués dans diverses activités qui révèlent leurs engagements et leur degré d’accommodation face à la situation d’Occupation. Pour rendre compte des activités de Delannoy sous Vichy, il s’est avéré nécessaire d’élargir la périodisation. D’abord parce que son principal projet et succès de la période, Ginevra, un opéra créé en 1942 à l’Opéra-Comique, est le fruit d’une commande d’État de 1938. Et plus généralement parce que ses choix musicaux et extra-musicaux, comme ceux de ses contemporains, ne peuvent être compris dans le seul contexte des 4 années d’Occupation. / Although the French musical life during the Occupation is now a familiar field of research, no detailed study has been made of Marcel Delannoy (1898-1962), one of the most important composers of the period. Supported by a wide range of sources, including the large collection of Delannoy’s papers conserved at the BnF, the present work aims to fill this gap by situating Delannoy in the larger context of a generation of musicians that were especially visible during the Vichy years. In this context, both coercive and favorable to musical creation, several composers (notably Poulenc and Honegger) were indeed involved in a number of activities that reveal their commitments and the degree of adaptation in the face of the Occupation. To account for Delannoy’s activities under Vichy, it was necessary to extend the period under study: his principal project and success of the period, Ginevra (an opera premiered in 1942 at the Opéra-Comique), was the result of a 1938 State commission; more generally, his musical and extra-musical choices, much like those of his contemporaries, cannot be understood if they are restricted to the four years of the Occupation.