<p> The introduction of Japanese art and culture to the Western world prompted a powerful response from an entire generation of artists, writers, and musicians, including a gifted American artist named Bertha Lum. Lum travelled to Japan in the early 1900s to train with Japanese masters in the design, cutting, and printing of woodblock prints. Lum was a passionate exponent of <i> Japonisme,</i> and a study of her work illuminates how this phenomenon manifested itself in American art and culture.</p><p> In cultural and artistic terms, <i>Japonisme</i> emerged as a selective interpretation of Asian culture, a conveniently constructed image that reinforced the ideals of many at the turn of the last century. For graphic artists like Lum, the example of Japanese art provided leverage against the weight of European classicism, championed the role of the decorative arts, exemplified exquisite handcraft, and epitomized an art of natural beauty and grace.</p>

This thesis argues that voice is defined through both its material and representational status and is fully integrated within the construction of gendered and raced identities, as well as the process of identification itself. At the centre of each chapter is the notion that voice can be an alternate mode of encountering and experiencing the other. As an examination into the issues of contemporary Canadian art, this discussion is initiated from context of art practices but is not limited to this field. Using the works of Janet Cardiff, Geneviève Cadieux, Ken Lum and Rebecca Belmore, this dissertation connects artistic practices to the distinct themes of narrative, embodiment, representation, and place. All of these artists and themes are integral in explaining the connectivity of voice to identity and how this topic is relevant to and reflective of current issues of race and gender within Canadian society. The use of non-visual artistic practices is also evidence of how constructions of identity, when restricted to the visual field are regimented and informed by the ideological structures of the term 'visibility'. 'Visibility' and its metonymic link with overt politicized terminology such as 'visible minority' is a limiting factor in daily existence for many citizens who face discrimination based on regimes of viewing. This dissertation makes a case not only for expanding the critical terms from which to discuss contemporary Canadian art that falls outside of visual parameters, but it is also an examination of existing critical theories of identity. Aside from critiquing aspects of visuality, the following chapters will consider voice as an aspect of the material body and the represented body that is ever present, but rarely considered critically. Through the use of interdisciplinary feminist and postcolonial texts, this thesis constructs a critical framework from which 'voice' can be applied not only to / Cette thèse soutient l'idée que la voix est définie tant par son corps matériel que par son statut de représentation et qu'elle est inhérente à la construction des identités, de genre et de race, ainsi qu'au processus d'identification lui-même. Chaque chapitre se construit autour de la notion de voix comme constituant une modalité alternative de rencontre et d'expérimentation de l'autre. Dans le cadre d'un examen de l'art contemporain canadien, mon propos s'enracine dans un contexte de pratiques d'art, mais ne se limite pas à ce seul champ. Se référant aux oeuvres de Janet Cardiff, Geneviève Cadieux, Ken Lum et Rebecca Belmore, cette discussion propose la mise en relation étroite entre pratiques artistiques et thèmes du récit, de l'incarnation, de la représentation et du lieu. Artistes et thèmes viennent soutenir l'explication de la connectivité entre voix et identité, et confirment que ce propos est le reflet - autant que le produit - des problèmes actuels de race et de genre existants au sein de la société canadienne. L'utilisation de pratiques artistiques non-visuelles montre également comment les constructions de l'identité, lorsqu'elles sont confinées au champ du visuel, sont régies et nourries par les structures idéologiques du terme « visibilité ». La « visibilité », et son lien métonymique avec la terminologie surpolitisée de « minorité visible », est un facteur limitant dans la vie quotidienne de nombreux citoyens, qui subissent des discriminations basées sur la loi du visible. Cette dissertation propose non seulement d'élargir le vocabulaire critique permettant de discuter de l 'art contemporain canadien sortant des paramètres visuels, mais fait aussi l'examen des théories critiques existantes sur la notion d'identité. En plus d'une critique des aspects de la visualité, les chapitres suivants traiteront de la voix comme aspect du corps matériel

This thesis examines contemporary Canadian art practices, which aim to challenge the notion of multiculturalism as a purported 'solution' to the cultural, racial and ethnic diversity that comprises the nation. Specifically focusing on the work of Canadian artists, Jin-me Yoon, Kinga Araya and Ken Lum, I explore the mythology surrounding Canada's liberal pluralist politics and problematize the notion of nationalism as operating through a process of exclusion by privileging a white Anglo-Canadian norm. This system of exclusion complicates further the process of (im)migration, therefore, I explore the psychological and 'unhomely' experience of displacement as expressed visually through artistic practice. Furthermore, as a means of addressing multiculturalism and (im)migration, I acknowledge the need for more global modes of thinking, in proposing reconceptualizations of the notions home and nation that favour mobility, hybridity, and change over stable, static and pure definitions that sustain exclusionary politics. / Ce mémoire cherche à examiner des pratiques en art contemporain canadien qui ont pour but de questionner le concept du multiculturalisme en temps que « solution » allégée à la diversité culturale, raciale et ethnique dont est composée l’état-nation canadienne. En étudiant surtout les œuvres des artistes canadiens Jin-me Yoon, Kinga Araya et Ken Lum, j’explore la mythologie qui soutient les politiques pluralistes libérales au Canada. Cette dissertation problématize également la notion du nationalisme comme processus d’exclusion qui privilégie une norme anglo-canadienne de race blanche, compliquant davantage l’(im)migration. J’examine ainsi l’expérience psychologique de la non-appartenance, exprimée visuellement à l’instar de la pratique artis! tique. Finalement, en adressant le multiculturalisme et l’(im)migration de cette approche, je reconnaît la nécessité de penser de façons plus globales. Ma proposition est donc de repenser les notions du « chez-soi » et de la nation en mettant de l’emphase sur les thèmes de la mobilité et l’hybridité et non pas sur des définitions statiques et politiquement exclusivistes. fr

The distinctive presentations of the use of glass sheets by Gerhard Richter (1932-) occupy a special place in his entire oeuvre. This thesis particularly examines Richter's glass works invested with distinctive mobility with a keen awareness of the significant implications of the concept of "movement" that could allow one to reflect on the existing contexts of the critique of his creation. Chapter one, referring to the current arguments about Richter's radical (dis)engagement with viscous pictorial traditions, addresses the critical availability and limits of "double negation" through focus on the implications of strategic irony. In chapter two, emphasis is placed on the immobilized "pictorial perspective" from which Richter's glass works can be more immediately comprehended, by referring to the history of glass. Following these preliminary discussions, chapter three intends to investigate the generative elusiveness of Richter's glass works with a wide spectrum of the gestures of glass panes that transforms the glass works from a mere viewed object to a vital thing looking at viewers. / L'usage de plaques de verre occupe une place notable dans la production artistique de Gerhard Richter (1932-). Ce mémoire propose d'examiner les diverses exploitations plastiques que Richter fait à partir du verre en portant une attention particulière aux implications liées au concept de « mouvement ». Ceci étant, c'est concurremment à l'analyse des écrits portant sur les œuvres de l'artiste que notre analyse s'ancrera. Méditant sur l'idée selon laquelle Richter opterait pour un (dés)engagment radical par rapport à la tradition picturale, le premier chapitre traite des avantages et des désavantages de l'utilisation par la critique de la notion de « double négation », à l'aune des implications ironiques. Tout en se référent à l'histoire du verre, le second chapitre se penche sur la « perspective picturale » immobile à partir de laquelle les œuvres de verre de Richter peuvent être immédiatement appréhendées. Enfin, poursuivant les réflexions déjà amorcées, le troisième chapitre s'intéresse au caractère fuyant du verre, à son large spectre de gestes qui le transforme d'un simple objet regardé en un dispositif vivant qui regarde la spectateur.

This thesis examines visual devices that distort, invert and toy with the conventions of linear perspective. The main object of analysis is Samuel Van Hoogstraten's Perspective Box with Views of a Dutch Interior (1655-1660), a work that is unique for its consummate application of three distinctive modes of visual representation: linear perspective, trompe l'oeil and anamorphosis. Drawing on recent literature with regard to renaissance and baroque perspectival theories and practices, this thesis argues that Van Hoogstraten's Perspective Box exposes the manner in which baroque forms of perspective, such as trompe l'oeil and anamorphosis, reveal the invisible mechanisms of renaissance linear perspective through the manipulation of its methods. In this way, Van Hoogstraten's perspective box interrogates, but does not invalidate, the inescapable structure of the perspectival system. / Cette thèse examine les systèmes visuels qui déforment, inversent et jouent avec les conventions de perspective linéaire. Le principal objet d'analyse est Perspective Box with Views of a Dutch Interior (1655-1660) par Samuel Van Hoogstraten, un travail qui est unique pour son application consommée de trois modes distinctifs de représentation visuelle: perspective linéaire, trompe l'oeil et anamorphisme. En engagé avec la littérature récente sur les théories et pratiques perspective de renaissance et baroque, cette thèse se dispute que la boîte perspective de Van Hoogstraten expose la façon dont les formes baroques de perspective, telles que le trompe l'oeil et anamorphisme, révèlent les mécanismes invisibles de la perspective linéaire de la renaissance par la manipulation de ses méthodes. De cette façon, la boîte perspective interroge, mais n'infirme pas, la structure inéluctable du système de perspective.

This thesis addresses the problems of the autoreferentiality of artworks and of meaning-making. It focuses on Cubism, particularly on artworks by Pablo Picasso and Georges Braque. The aim of this research is to demonstrate how meaning is constructed in these ambiguous artworks through the interplay of the concepts of referentiality and autoreferentiality. It contends that we cannot abstract or neglect any of these principles without distorting the aesthetic quality of these artworks. This research outlines, in this sense, a current problem in the historiography of Cubism, that is, the ambivalence between a process of internal meaning versus of external meaning, which are currently considered as antithetic phenomena. It also contends that only when we consider the conceptual structure of these artworks, can we fully understand their polysemical character or multi-level significance. The main theoretical framework for this analysis is Roman Jakobson's model of communication which provides a definition of the concept of autoreferentiality as a self-addressing process, through its notions of « message » and «poetic function ». Four aspects of the problem of autoreferentiality are thus examined, through the notions of « context », « destinator », « code », and « receptor » as well as their interrelationships in the artworks. It is also in referring to the modern definitions of sign that the problems of autoreferentiality and meaning-making are addressed. / Cette thèse s'intéresse au problème de l'autoréférence ainsi qu'à celui de la constitution du sens de l'oeuvre d'art. Elle a pour objet d'étude le cubisme, en particulier celui de Pablo Picasso et de Georges Braque. L'objectif principal de cette recherche est de démontrer comment s'élabore, par le croisement des concepts de référence et d'autoréférence, le problème de la signification dans ces oeuvres au caractère pour le moins ambigu. La thèse défendue est qu'on ne peut, sous peine de dénaturer l'oeuvre cubiste, faire abstraction de l'une ou l'autre des composantes référentielles et autoréférentielles qui la définissent esthétiquement. Cette recherche s'intéresse, en ce sens, à un problème récurrent dans l'historiographie du cubisme, à savoir celui de l'ambivalence entre la signification interne et la signification externe, qui ont tendance à être vues comme des phénomènes antithétiques. Cette thèse défend aussi l'idée que c'est seulement en considérant la structure conceptuelle de l'oeuvre cubiste qu'on est en mesure de mettre en relief son caractère polysémique. Le cadre théorique général de cette analyse est celui du modèle de la communication de Roman Jakobson, chez qui les concepts de « message » et de « fonction poétique » définissent une caractéristique première de l'oeuvre d'art : celle de se rapporter à soi. À partir de ce modèle sont explorées quatre facettes du problème de l'autoréférence à parttir des notions de « contexte », de « destinateur », de « code » et de « destinataire », dans une mise en valeur de leurs interrelations dans l'oeuvre. C'est ainsi, et en référence aux conceptions modernes de signe, que sont approchés les problèmes de l'autoréférence et de la signification.

This thesis signals a new approach in the study of the Chinese Tea House at Sanssouci. It argues that Frederick the Great's exotic pavilion, although made of sandstone and stucco, is porcelain in essence. The garden building reflects the many meanings of this highly valued commodity and art form in the privileged society of the king and his contemporaries. The pavilion is unique in that it was inspired by the type of sculptural ornament designed to decorate the eighteenth- century table of the nobility. The Tea House is a thematically integrated structure that demonstrates the influence of porcelain on interior décor and architecture. The designation of the garden building as a Gesamtkunstwerk acknowledges the blending of architecture, painting, and sculpture; characteristics shared by porcelain centerpieces. They exemplify the intermediality associated with the development of eighteenth- century porcelain and the interpretation of Frederick's pavilion. / Cette thèse annonce une approche nouvelle dans l'étude de la Maison de Thé Chinoise à Sans-Souci. Elle soutient que le pavillon exotique de Frédéric Le Grand, fait de pierre et de stuc, représentait intrinsèquement la porcelaine. Ainsi, cette construction de jardin refléterait de fait les sens multiples accordés par la société privilégiée du Roi et de ses contemporains à cette commodité de luxe et à cette forme d'art. Le pavillon est unique parce qu'il s'inspire des ornements sculptés qui décoraient les tables de la noblesse du XVIIIème siècle.La Maison de Thé est une structure cohérente dont le thème décoratif témoigne bien de l'influence de la porcelaine sur le décor intérieur et sur l'architecture. Sa désignation en tant que 'Gesamtkunstwerk' lui reconnaît sa qualité d'intégrer architecture, peinture et sculpture, en un mot tous les attributs qui qualifient les centres de table en porcelaine. Ceux-ci illustrent l'intermédialité associée au développement de la porcelaine au XVIIIème siècle et éclairent d'un jour nouveau l'interprétation du pavillon de Frédéric.

This dissertation reevaluates the relationship between performance acts and documents by considering the way documentation was understood within the time of an event. Expanding on Alain Badiou's theory of evental 'Twoness' in Being and Event, I develop an approach to performance that always takes documents and performance acts together, as corresponding producers of an art event. Looking at acts and documents together, one notices how the type of repetition enacted between them allows for variation and novelty in an event. One important implication of this approach is a stronger valuation of audiences of performance, including audiences that may not have been present to witness a live event. I investigate several cases of private or unannounced conceptual performances from the late 1960s to make my argument here. In these performances – On Kawara's I got up (1968-79), Alison Knowles's The Identical Lunch (1968-73), Adrian Piper's Concrete Infinity Documentation Piece (1970), and Mieko Shiomi's Spatial Poem (1965-75) – the artists study everyday phenomena, drawing our attention to what is otherwise unnoticed and engaging participation by encouraging repetition. As documents of these serial performances circulate, they help locate and sustain audiences. In the circulation of performance acts and documents, there is the potential as well for developing performance community, which is evident in an analysis of Fluxus performances, like Spatial Poem. The events studied here, in different ways, reveal that even seemingly private performances are fundamentally social in their orientation. / Cette thèse réévalue la relation entre les actes et les documents de performances en tenant compte de la façon dont la documentation a été comprise du temps d'un événement. En élargissant la théorie d'Alain Badiou élaborée dans L'Être et l'événement, selon laquelle l'événementiel a un « double » statut, je développe une approche qui considère les documents et les actes de performance ensemble, en tant que coproducteurs d'un événement d'art. En examinent les actes et les documents ensemble, on remarque comment leur répétition permet la variation et la nouveauté d'un événement. Une conséquence importante de cette approche est une plus grande valorisation de l'audience de la performance, y compris du public qui peut ne pas avoir été présent pour témoigner d'un événement en direct.J'enquête ici sur plusieurs cas de performances conceptuelles de la fin des années 1960, la plupart de nature privée ou non-déclarée. Dans ces performances – On Kawara, «I got up» (1968-1979), Alison Knowles, «The Identical Lunch» (1968-73), Adrian Piper, «Concrete Infinity Documentation Piece» (1970), et Mieko Shiomi, «Spatial Poem» (1965-75) – les artistes étudient les phénomènes quotidiens pour attirer notre attention sur ce qui passe autrement inaperçus et pour encourager la participation par la répétition. Comme les documents de ces performances en série circulent, ils permettent de localiser et de maintenir leur public. Dans la circulation des actes et des documents de performances, il devient possible aussi de développer une communauté de performance, fait qui devient manifeste dans une analyse des performances de Fluxus, notamment «Spatial Poem». De différentes manières, les événements étudiés ici révèlent que même les performances apparemment privées sont fondamentalement sociales dans leur orientation.

Arguing for a reconsideration of the object's function in court life, this thesis investigates how the value of an object is tied to the role it plays in symbolic activities, which formed the basis of court relations at the end of the fifteenth century. This study thus examines the courts of Italy (particularly Ferrara and Naples) through the myriad of objects—statues, paintings, jewellery, furniture, and heraldry—that were valued for their subject matter, material forms, histories, and social functions. Such objects are considered not only as components of court life, but also as agents which activated the symbolic practices that became integral to relations within and between courts. These activities—the exchange of diplomatic gifts, the consumption of precious objects, the displaying of collectibles, and the bestowing of knightly orders—were all ways that objects acted as points of contact between individuals, giving rise to new associations and new interests. The end of the fifteenth century was a pivotal moment in the courts of Italy, fraught with alliances and counter-alliances involving not only the courts on the Italian peninsula but also abroad. The court was an important space where individuals sought to assert and legitimise their power, and this was often done through material and visual means. The court is thus examined from diverse angles, taking the object as a starting point, and tracing relationships and networks through visual, textual, material, and literary sources. Shifting the focus away from artistic intentions and patronage, this study examines how objects constitute relations, often in unpredictable ways, not only forging connections but also revealing instabilities and latent hostilities. The constant circulation of precious objects in the late fifteenth century reveals a system of value which placed importance not only on ownership, but also on the replication, copying, / En considérant la fonction de l'objet dans la vie à la cour princière, cette thèse examine comment la valeur d'un objet est liée au rôle qu'il joue dans les pratiques symboliques qui, à la fin du quinzième siècle, est à la base même des relations à la cour. Ce projet examine les cours d'Italie (en particulier celles de Ferrare et de Naples) à travers une multitude d'objet (statues, peintures, bijoux, meubles, et emblèmes héraldiques) qui étaient évalués pour leurs matériaux, leur forme, leur historique, et leurs fonctions sociales. Ces objets sont ici étudiés non seulement comme représentatifs de la vie à la cour, mais aussi comme des agents actifs des pratiques symboliques importantes aux relations entre les différents cours. Ces pratiques – l'échange de cadeaux diplomatiques, la consommation d'objets précieux, étalage d'objets de collection, et investitures dans des ordres chevaleresques – sont autant de manières par lesquelles les objets servent de point d'attache entre individus et génèrent, de la sorte, de nouvelles associations et de nouveaux intérêts.La fin du quinzième siècle était un moment clé pour les cours d'Italie, chargé des alliances et contre-alliances entre non seulement les cours de la péninsule italienne mais aussi celles de l'étranger. La cour est alors un espace important où les individus cherchent à revendiquer et à légitimer leur pouvoir par des moyens matériels et visuels. En plaçant l'objet au centre de l'investigation, ce projet, plutôt que de se préoccuper des intentions artistiques ou mécénales, redirige l'attention sur la fonction certaine, mais combien variable, des objets dans la formation de relations sociales et démontre comment elle peut révéler l'existence de tensions et d'hostilités latentes. La circulation continue d'objets précieux met en relief un système de valeurs qui est à l'œuvre à la fin du quinzièm

This dissertation addresses contemporary art's capacity to facilitate ethical encounters with the suffering of others. Arguing that any effort to understand how trauma marks the present must also recognize ours as an age in which "home," particularly for those vulnerable to contingency (the exile, the migrant, the asylum seeker, the homeless), can no longer accommodate its presumed status as a stable haven from the troubled world, I identify and analyze a select group of contemporary artists who seek to mediate legacies and conditions of trauma through representations or evocations of the fractured, fragile, or otherwise unsettled home. In the practices of Krzysztof Wodiczko, Santiago Sierra, Doris Salcedo, Alfredo Jaar, Emily Jacir, Ursula Biemann, Yto Barrada, Tony Labat, and Mona Hatoum, I suggest, loss is represented as an "unhomely" experience and home is imagined and remembered as a site of provisionality, a lost territory of belonging, and a tenuously sustained but tenaciously held memory. Drawing on but also challenging the assumptions of psychoanalytically-informed trauma studies, I furthermore suggest that these practices harness the constructive and creative nature of melancholic attachment to loss in order to facilitate recognition of both the material nature of loss and the universality of human vulnerability. I propose that the fragile figuration of home, which I theorize as an "unhomely" aesthetic, has a twofold function: first, to construct (literally or figuratively) a material structure around loss that preempts the cathartic resolution of unresolved situations; and second, to imagine this material structure as a liminal space of unresolved trauma that articulates the fragility of self-other relations and, in the process, transforms home into a potential site for empathetic engagements with the suffering of others. In the process, these artists provide critical insights into how we migh / Cette thèse aborde la capacité qu'a l'art contemporain de faciliter des rencontres éthiques avec la souffrance des autres. En tentant de saisir la manière dont le traumatisme marque le présent, il nous incombe de constater que le « domicile » à notre époque, particulièrement pour ceux vulnérables aux imprévus (l'exilé, le migrant, le demandeur d'asile, le sans-abri) n'a plus la stabilité nécessaire pour pouvoir soutenir son statut traditionnel de refuge au sein d'un monde perturbant. Dans cet esprit, cet ouvrage identifie et analyse le travail d'un nombre d'artistes contemporains cherchant à négocier les conditions et les héritages du traumatisme à travers de multiples représentations ou évocations d'un domicile fracturé, fragile ou autrement déstabilisé. Son corpus est donc précis, incluant le travail de Krzysztof Wodiczko, Santiago Sierra, Doris Salcedo, Alfredo Jaar, Emily Jacir, Ursula Biemann, Yto Barrada, Tony Labat, et Mona Hatoum. Je propose que la notion de perte est représentée dans ces œuvres comme expérience de « l'abri inquiet » (unhomely) et que le domicile est imag(in)é en tant que site provisoire, un territoire d'appartenance perdu, un souvenir qui persiste obstinément malgré son caractère précaire. M'appuyant (tout en les contestant) sur les théories psychanalytiques du traumatisme, je soutiens que ces pratiques artistiques exploitent l'attachement mélancolique à la perte dans sa dimension constructive et créatrice afin de mieux saisir la nature matérielle de celle-ci ainsi que l'universalité de la vulnérabilité humaine. Je propose d'examiner la figuration fragile du domicile, que je théorise en tant qu'esthétique de « l'abri inquiet », sous ses deux fonctions. D'abord, sa capacité de constituer (au sens propre ou figuré) une structure matérielle autour de la perte qui anticipe une résolution cathartique de situations irrésolues. Mais$