La necesidad de esta tesis surge de indagar la posible presencia de la artista dandy dentro del propio desarrollo del fenómeno llamado dandysmo, aunque surgido como actitud en el siglo XIX ha tenido su propia expansión en el siglo XX, donde especialmente en el periodo de entreguerras se ha encontrado esta actitud estética y vital en cuatro autoras elegidas en este estudio: Baronesa Elsa von Freytag-Loringhoven (1874-1927), Djuna Barnes(1892-1982), Florine Stettheimer (1871 - 1944 ) y Romaine Brooks (1874-1970). Se indagará a través de ellas, ya no sólo la posibilidad o no de la mujer dandy, sino la confirmación desde la ortodoxia de los textos originales que el dandysmo desde su fundación, equiparó a hombres y a mujeres, a mujeres no normalizadas por la supuesta optimización burguesa, y se construyó él mismo contra la idea de género. Un contragénero donde el dandy, el artista de la vida moderna, es una mujer en ciertos aspectos, y la dandy, la artista de la vida moderna, será un hombre en ciertos aspectos. Es por ello que las dandys romperán la dicotomía entre los géneros, pero, y además, romperán la distinción entre aquellos objetos que podían, sin duda, ser considerados arte y aquellos que no, pues para ellas, su arte no será otra cosa que su vida, su misma auto-construcción, su aristocrático yo-como-arte. Ese yo-como-arte, prefabricado, decidido y previsto, inaugurará cierto accionismo que leeremos como proto-historia del performance, un género éste cuyos orígenes encontramos en estas vidas conscientemente teatralizadas que inauguran la modernidad. En todas estas acciones, en este hacerse heroico en una sociedad en decadencia, se verá la verdadera actitud de la modernidad. Será pues esta rebeldía metafísica, esta negatividad acumulada primero y desplegada después, la que permitirá incluir a estas dandys dentro de la autonomía moderna, una autonomía que quería cuestionar la "normalidad" burguesa. / Durán Hernández-Mora, G. (2009). Dandysmo y contragénero. La artista Dandy de entreguerras: baronesa Elsa Von Freytag-Loringhoven, Djuna Barnes, Florine Stettheimer, Romaine Brooks [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/5953

El objeto principal de esta tesis doctoral es cartografiar, revisar y proponer el empleo de un género de arte público basado en las relaciones de interferencia entre escultura y arquitectura. Tales relaciones han concebido obras y modelos de fusión entre los dos campos propuestos y para ello se ha sugerido el término anglosajón arch-art, según ha sido empleado también por teóricos del tema como Javier Maderuelo y Martí Peran, entre otros. A pesar de ser reconocida y estudiada la relación de ambos campos a lo largo de la historia del arte, se ha dado principal atención a los fenómenos que han enmarcado estas cuestiones en el siglo XX y principalmente se ha dibujado un panorama contemporáneo particularizando las prácticas artísticas de los últimos treinta años y teniendo en cuenta las aportaciones de innovadoras cualidades en la esfera pública de dichos acontecimientos híbridos. Se ha dedicado un estudio exclusivo sobre la aparición de obras destacadas en el contexto que han emergido episódicamente y en distintos escenarios de la creación profesional, dirigida tanto por artistas como por arquitectos, lo que consolida el concepto arch-art como obra artística de características propias, las cuales proponemos como un lenguaje que amplia y extiende el propio concepto de escultura y viceversa. Las características de la ciudad contemporánea han validado el surgimiento de obras híbridas del género arch-art en el espacio público que utilizan la metáfora de la habitabilidad por medio de la funcionalidad y una reflexión sobre sus posibilidades de actuación en el entorno desde un arte público de vertiente crítica. / Faria Da Encarnação, DM. (2010). Expansiones del híbrido escultura / arquitectura: Cartografías de un Arch-Art como respuesta al arte público crítico [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/8442

Nuestra tesis La escultura posible: resistencia y perspectiva del cuerpo en la contemporaneidad se estructura en cuatro capítulos, los cuales se encuentran hilados de forma que conducen al lector dentro de una estructura organizada que busca la demostración de la hipótesis planteada. La pregunta inicial que guía esta tesis es cuál es la vinculación efectiva entre cuerpo y escultura, y cómo esta vinculación puede venir a dotar de sustentabilidad al interés por hacer escultura en la contemporaneidad, entendiendo que las ideas que definen los conceptos de cuerpo y escultura no son inmutables, y por ende sería posible encontrar una relación distintiva entre estos conceptos en medio de las condiciones particulares que definen a la contemporaneidad como tiempo histórico. En virtud de esa construcción que nos permita establecer la manera en que se relacionan cuerpo y escultura hoy, es necesario establecer, primero, que esos dos conceptos carecen de inmutabilidad. Es imprescindible corroborar que éstas son ideas que han evolucionado como resultado de las creencias que se manifiestan en cada tiempo histórico y que, aún establecida esa variabilidad, no se ha roto la vinculación que hace que la escultura tenga al cuerpo como referente privilegiado. En un segundo apartado intentaremos encontrar los indicadores de una crisis general que pueda involucrar tanto al cuerpo como a la escultura. Las enormes transformaciones que se vivencian en el mundo contemporáneo han de modificar necesariamente la concepción del propio cuerpo y de la relación con los demás, y en ese conflicto la escultura forzosamente se ha de ver involucrada al ser ésta representación inequívoca de los avatares de la corporeidad. En lo escultórico se han de ver manifestadas las discusiones que se proponen en la contemporaneidad, desde la resistencia del cuerpo hasta las invitaciones a su abandono absoluto. / Montes Rojas, LA. (2008). La escultura posible: resistencia y perspectiva del cuerpo en la contemporaneidad [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/2604

La presente Tesis Doctoral observa y analiza la obra de tres artistas: Peter Eisenman, Angeles Marco y Bruce Nauman, un arquitecto y dos escultores. Su actividad profesional y su obra, correspondiente a dos ámbitos afines, se encuadran dentro de la Postmodernidad y la corriente de pensamiento de la Deconstrucción. El punto de partida de la investigación se basa en la idea de que si la Teoría de la Deconstrucción, defendía por un lado, la existencia de procedimientos que cuestionaran la tradición operando dentro de sus propios sistemas y por otro, la relatividad de la traducción única y absoluta, dentro de cualquier ámbito sociocultural y en efecto, era una corriente de pensamiento que daba lugar a un progreso cultural y filosófico, debía existir dentro de la diversidad de propuestas culturales y artísticas, un nexo oculto que fuese común a las mismas y no fuese incompatible con presencias materiales distintas. Partiendo de esta premisa conceptual, el presente trabajo de investigación ha consistido en primer lugar, en la selección de tres personalidades dentro del arte, cuya obra se encuadra en ámbitos afines y no mantiene ninguna relación de proximidad estética, por lo que las obras se encuadran dentro de planteamientos diversos. En esta Tesis Doctoral, hemos tratado de observar y analizar sus obras, para entresacar su trama conceptual y constructiva oculta. Es decir, hemos partido de datos visuales relacionados con la forma, la estructura, la organización y los referentes para adentrarnos en la trama oculta de sus procesos creativos y los conceptos que ellos han generado, intentando relacionar y observar las teorías de pensamiento a las que se acogen, a partir de los niveles propiamente artísticos y no a la inversa. Lo que pretendemos demostrar es como a través de obras divergentes, el pensamiento toma forma y genera forma precisamente a través de un modo de construir, cualificando de una manera nueva, diversas categorías y valores tradicionales. / Gil García-Yevenes, G. (2005). Huellas y desimetrías. Espacios entramados en la discontinuidad [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/2662

Como está explícito en su título: Poéticas urbanas en la escultura contemporánea: Actitudes de preservación y rescate de la identidad y de la memoria de la ciudad, esta investigación reflexiona y valora las prácticas del lenguaje escultórico contemporáneo como actitudes de reflexión sobre la ciudad, evaluando su actuación cómo medio de concienciación de la necesidad de preservar y/o rescatar las señas de su identidad y de su memoria, creyendo en la hipótesis de que a través del lenguaje artístico, es posible reforzar la imagen de la ciudad y despertar la consciencia de los ciudadanos. Centrada en el periodo que comprende desde los años sesenta hasta la actualidad, en el ámbito universal y, teniendo como punto de atención nuestra producción artística, esta investigación persiguió los siguientes objetivos: analizar e reflexionar sobre los planteamientos de los artistas que han participado en el desarrollo del tema en el período que abarca la investigación; hacer un estudio reflexivo sobre nuestro trabajo buscando diálogos con las propuestas de otros artistas; y también contribuir al desarrollo del conocimiento del arte contemporáneo y, particularmente, en el campo de actuación que abarca esta investigación que es la trayectoria de la escultura en los últimos cuarenta años, cuerpo a cuerpo con la ciudad, actuando desde el espacio protegido de las galerías, museos, espacios alternativos, hasta el espacio abierto de las ciudades, presentando propuestas realizadas desde las técnicas tradicionales hasta el campo ampliado del arte de contexto, como la performance, instalación, video-instalación todo lo que ha evolucionado bajo el influjo conceptualista desde los años sesenta. / Santos Novais, N. (2010). Poéticas urbanas en la escultura contemporánea. Actitudes de preservación y rescate de la identidad y de la memoria de la ciudad [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/8423

Los estudios de género no sólo estudian la desigualdad hacia las mujeres, sino que han abierto nuevos campos de investigación, como estudios sobre la identidad femenina o masculina y la diversidad sexual. Ello ha propiciado una creciente concienciación, visualización y valoración de mujeres, gays, lesbianas, transexuales, travestis y bisexuales, que viene siendo constatada cuando observamos la gran cantidad de estudios científicos y artísticos desarrollados a lo largo de los años, más intensamente en los años 90. La presente tesis, en su cuerpo teórico, se basa en los estudios de género y en la teoría queer, que son los principales pilares que fueron cimentados a través de los conceptos desarrollados por Michel Foucault, Judith Butler y Beatriz Preciado, entre otros. La definición de performance incluye todas las corrientes de acción, de gesto y de movimiento. Para el performer, su cuerpo es a la vez instrumento de experimentación y aquello sobre lo cual tiene lugar esa experimentación. Ya no se tratará de hablar de obra, sino más bien de trabajo de artista. En nuestra investigación analizamos la relación existente entre performance y performatividad, entendida ésta última como la noción ligada a una concepción de lo social como campo abierto de relaciones de poder, donde toda identidad contingente y precaria conduce a una politización de la identidad, que supone un segundo paso más allá de la simple desnaturalización de la misma. La identidad es el espacio desde el que articular una política de resistencia, y es su carácter abierto e incompleto lo que permite su resignificación. Nuestras pieles son agentes por medio de los que se invoca el conocimiento de nuestros cuerpos y que exteriorizan las identidades. En ellos podremos sentir, observar, aprender, enseñar, denunciar y decodificar a través del espejo vivo y complejo que somos. Podríamos decir que la piel se transforma constantemente a lo largo del tiempo, la vida, el cuerpo y la mente. / Cabral Ferreira, OL. (2010). Construcción sexual y performatividad. Análisis del proyecto: tres pieles en un cuerpo [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/8970

El objeto de este trabajo es el análisis y la comparación de las estrategias de inmersión en la imagen bidimensional utilizadas para la producción artística antes y después de la aparición de la imagen digital. A partir de ese momento, las imágenes codificadas numéricamente poseen la capacidad de ser invocadas de forma prácticamente instantánea en cualquier orden, proceso que anteriormente sólo podía darse en el cerebro. Las imágenes son parte de un espacio de datos que puede navegarse de forma continua o discontinua. El acceso directo a los datos propicia la discontinuidad, de forma que la continuidad es una condición que debe ser construida creando sistemas de navegación dimensionalmente coherentes. En este contexto, se analizan las relaciones de los nuevos sistemas inmersivos con sus antecesores, en los ámbitos de las pantallas, las máquinas de visión y las técnicas de producción de imágenes; y se diferencia entre las obras que reconstruyen el espacio registrado original y las que crean nuevos conceptos espaciales, mediante la reinterpretación de las condiciones físicas de desplazamiento, la dimensionalización espacial del tiempo y las técnicas recombinatorias apoyadas en bases de datos. / Martí Ferrer, F. (2009). Inmersión en la imagen visual: espacio, visión y presencia [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/4322

El objetivo primordial de la Tesis propone dar forma a un nuevo procedimiento docente, especialmente práctico, para impartir clases de Arte de Acción a alumnos de Bellas Artes interesados. Este procedimiento se fundamentará en el estudio de escritos y conceptos destacados de los teóricos teatrales que menciono a continuación: Konstantin Stanislavski, Jerzy Grotowski y Bertolt Brech, comparados directamente con discursos de accionistas integrantes del grupo Zaj: Esther Ferrer, Juan Hidalgo y Walter Marchetti, de Fluxus: Wolf Vostell, Allan Kaprow y Robert Filliou, y del Accionismo Vienés: GÜnter Brus, Otto MÜhl y Hermann Nitsch. / Soto Gutiérrez, A. (2010). Estudio comparativo y propuesta de un posible procedimiento docente para la práctica del arte de acción [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/8476

Esforzados en reproducir una realidad más real que la propia realidad, hace años que las tecnologías de la imagen emplean recursos cada vez más sofisticados con los que elaborar y construir un lenguaje propio. Resulta evidente el desarrollo en estos últimos treinta años de aplicaciones que integran la técnica de chroma-key como un elemento más de su discurso. Este recurso unido a los diferentes medios que lo emplean (Cine, Televisión,Videoarte) supone una ampliación formal y expresiva del lenguaje audiovisual. Realizar un estudio sobre las diferentes aplicaciones que se le ha dado al uso del chroma-key, intentando indagar detrás de la tecnología para ver las necesidades que ha llevado a los autores a escogerla y qué uso hacen de ella y cómo la integran en su discurso. Hemos podido observar que existen diferencias manifiestas en la manera que tienen de aplicar el Cine, la Televisión y el Videoarte estos recursos. En el caso del Cine, nos interesa por su uso casi imperceptible del chroma-key ya en la década de los sesenta. En la Televisión, observamos que en los últimos veinte años se ha incorporado una nueva forma de representación: el decorado virtual. El Videoarte desde su nacimiento (años sesenta) emplea el chroma-key de una manera mucho más evidente, priorizando lo experimental que tiene el medio frente a la ilusión de realidad propia del Cine. A partir de la revolución informática en los noventa, observamos que muchas prácticas artísticas se engloban dentro de lo que se denomina "interactivas". Aquí también hemos encontrado algún ejemplo de utilización del chroma-key, que permite esta interactividad entre los espectadores y la propia obra. El objetivo de este estudio pretende un análisis formal de estas prácticas con chroma-key, con el fin de establecer el uso expresivo que se deriva del empleo de este recurso. / Furió Vita, D. (2008). Posibilidades artísticas de la imagen electrónica: el Chroma-key [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/3343

El objetivo principal de esta tesis ha sido desarrollar un análisis de las recientes transformaciones metodológicas y conceptuales en la creación y producción en la danza contemporánea, que son debidas a la introducción de las nuevas tecnologías digitales y su relación con el contexto artístico contemporáneo. Los artistas, cada vez más, van percibiendo el paradigma cibernético que ha estado configurando la sociedad contemporánea, en la cual las transformaciones tecnológicas que se reflejan en las artes, evocan y revelan nuevos modos de trabajo y producción, resultado de la conjunción entre arte y tecnologías. El uso de softwares para crear coreografías, para promover la comunicación y la creación colaborativa a través de redes de trabajo, y para promover conceptuaciones híbridas del lenguaje de la danza y de los sistemas interactivos, son algunos ejemplos que ayudan a ilustrar las maneras por las cuales esos nuevos procesos tecnológicos están siendo empleados por los coreógrafos contemporáneos, incluyendo a la autora, que amplían los conceptos anteriores de espacio, tiempo y cuerpo en la danza. / Martinez Pimentel, LC. (2008). El cuerpo híbrido en la danza: transformaciones en el lenguaje coreográfico a partir de las tecnologías digitales. Análisis teórico y propuestas experimentales [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/3838