• Refine Query
  • Source
  • Publication year
  • to
  • Language
  • 1112
  • 214
  • 35
  • 25
  • 23
  • 5
  • 5
  • 3
  • 1
  • 1
  • 1
  • Tagged with
  • 1436
  • 371
  • 254
  • 254
  • 245
  • 222
  • 193
  • 191
  • 146
  • 144
  • 135
  • 125
  • 110
  • 102
  • 89
  • About
  • The Global ETD Search service is a free service for researchers to find electronic theses and dissertations. This service is provided by the Networked Digital Library of Theses and Dissertations.
    Our metadata is collected from universities around the world. If you manage a university/consortium/country archive and want to be added, details can be found on the NDLTD website.
1

M��s que una fiesta de cumplea��os: An��lisis y representaci��n de la homosexualidad en "The Boys in the Band" de Mart Crowley

Barrientos Lazcano, Gustavo Daniel 11 May 2012 (has links)
No description available.
2

A conquista da vida na cena pelo sistema de Stanislávski e o processo experimental de O Homem, A Mulher, O Pássaro e A Chave Achieving life on the stage by means of Stanislávski system and the experimental process of "The man. The Woman, The Bird and The Kay"

Padilha, Priscila Genara 8 August 2016 (has links)
Submitted by Luiza Kleinubing (luiza.kleinubing@udesc.br) on 2018-03-05T16:55:07Z No. of bitstreams: 1 Priscila Genara Padilha.pdf: 2908729 bytes, checksum: e2facedafb3949d4fcebae1ec0beda2d (MD5) Made available in DSpace on 2018-03-05T16:55:07Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Priscila Genara Padilha.pdf: 2908729 bytes, checksum: e2facedafb3949d4fcebae1ec0beda2d (MD5) Previous issue date: 2016-08-08 Programa de Bolsas de Monitoria de Pós-Graduação - PROMOP This thesis approaches the Stanislavski System as a basis to support the art of acting and staging. The System is here regarded as a space of moving principles that are able to generate forces of scenic life. Such knowledge is understood as a way to enable the actor or actress to achieve his or her experience on the stage through the creation of real physical actions, independently on the aesthetical proposal of the staging. In an attempt to problematize the understandings that have related the Stanislavski System to the realistic aesthetics, but also to the dramatic form, a creative, pedagogical, investigative process was carried out. For the theatrical production, we chose a dramaturgy that at first glance seems to be opposed to the applicability of Stanislavski’s principles. The Man, the Woman, the Bird, and the key has resulted from this theoretical-practical research that had Description of a Picture by Heiner Muller as textual material, and the Stanislavski System as a way to run the poetics of the theatrical spectacle Esta tese aborda o Sistema de Stanislávski como uma base de sustentação da arte da atuação e da encenação teatral. O Sistema é aqui tratado como um espaço de princípios moventes, capazes de gerar potências de vida cênica. Esse conhecimento é compreendido como forma de possibilitar ao/à ator/atriz a conquista de sua vivência na cena pela criação de ações físicas reais, independentemente da proposta estética da encenação. Na tentativa de problematizar as compreensões que relacionam o Sistema de Stanislávski à estética realista, mas também à forma dramática, um processo criativo, pedagógico e investigativo foi realizado. Para a montagem, foi escolhida uma dramaturgia que à primeira vista parece avessa à aplicabilidade dos princípios stanislavskianos. O Homem, a Mulher, o Pássaro e a chave é, pois, resultado dessa pesquisa prático-teórica, que teve como material textual Descrição de Imagem, de Heiner Müller, e como forma de operar a poética do espetáculo, o Sistema de Stanislávski.
3

Som e fumaça : um estudo sobre o Cabaré Berlinense durante a República de Weimar Smoke and sound: a stud on the Berlin Cabaret thoughout the Weimar Republic

Oliveira, Lívia Sudare de 1 February 2017 (has links)
Submitted by Luiza Kleinubing (luiza.kleinubing@udesc.br) on 2018-03-02T19:02:02Z No. of bitstreams: 1 Lívia Sudare de Oliveira.pdf: 8339756 bytes, checksum: bbb1995fd0c731ba42331565a3a76262 (MD5) Made available in DSpace on 2018-03-02T19:02:02Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Lívia Sudare de Oliveira.pdf: 8339756 bytes, checksum: bbb1995fd0c731ba42331565a3a76262 (MD5) Previous issue date: 2017-02-01 Cabaret is a theatrical genre originated on an experimental basis in France. It aimed to search for new ways approach, comment and satirize its own time. It established a dialogue with several artistic forms, expanded the frontiers of theatricality and was in contact with important artistic vanguards of the early twentieth century. The purpose of this thesis is to study the cabaret produced in the city of Berlin during the Weimar Republic (1918-1933), in order to understand artistic initiatives, aesthetic procedures and how the new political system was welcomed and commented on by this theatrical genre. A city on the verge of transformation, Berlin embraced cabaret, a genre also on the process of becoming. Seeking to comprise the social and political transformations caused by modernity and both the impact of the World War I and the struggle for social rights, three artistic initiatives were selected for this study: Kabarett der Komiker, Katakombe and Tingel-Tangel (of which there is also an analysis of the text Die Höchste Eisenbahn). It is through the eyes of the Cabaretists that this thesis aims to comprehend how this genre works and how it is connected with its topicality. O cabaré é um gênero teatral que nasceu na França em caráter experimental, com o objetivo de buscar por novas formas de comentar e satirizar o seu próprio tempo. Dialogou com diversas formas artísticas, alongando as fronteiras da teatralidade e esteve em contato direto com vanguardas artísticas do início do século XX. Sabendo do caráter indócil deste fazer teatral, o propósito desta tese é estudar o cabaré produzido na cidade de Berlim durante a República de Weimar (1918-1933), de forma a conhecer as iniciativas artísticas, seus procedimentos estéticos e de que maneira o novo cenário político alemão foi recepcionado e comentado pelo gênero. Para tanto é necessário compreender Berlim, que foi personagem e musa do cabaré. Uma cidade em processo de transformação, Berlim abraçou o cabaré, um gênero também em processo de tornar-se. Com o intuito de entender as transformações sociais e políticas ocasionadas pela modernidade, pelo impacto da 1ª Guerra mundial e pela luta por direitos sociais, foram selecionados três iniciativas artísticas que comentaram, cada qual a sua maneira, o seu próprio tempo, são elas: o Kabarett der Komiker, o Katakombe e o Tingel-Tangel (deste há também a análise do texto Die Höchste Eisenbahn). É através dos olhos dos/das cabaretistas que esta tese busca entender o funcionamento do gênero e sua relação direta com sua atualidade.
4

Investigación de los procesos comunicacionales que atraviesan el teatro comunitario

Siedler, Clarice 2013 (has links)
Objetivo general El objetivo general de este trabajo es investigar los múltiples procesos de comunicación simultáneos que atraviesan el teatro comunitario y la relación de esos con la poética creada colectivamente. Objetivos específicos: - relevar las prácticas comunicacionales de los grupos que componen el espacio teatro comunitario para su sistematización; - identificar las prácticas comunes a los grupos; - reconocer el proceso de apropiación de la cultura y de la afirmación de la identidad; - develar el proceso de construcción de la memoria colectiva; - analizar la poética en el producto final de los grupos; - conocer ejemplos de transformación construida a partir de esas prácticas en los integrantes de los grupos, en las comunidades de sus territorios de pertenencia y en las audiencias de sus presentaciones; - hacer la articulación entre nociones teóricas de comunicación social, comunicación alternativa y teatro comunitario, y de esas nociones con las prácticas analizadas. Estos objetivos fueron desarrollados a partir del seguimiento y análisis de las prácticas de tres grupos de teatro comunitario –Catalinas Sur, Los Villurqueros y Cruzavías– y dirigiendo la mirada comunicacional a los aspectos político, organizacional, dramatúrgico o poético, de identidad, de la memoria colectiva y transformador, que surgen de lo anteriormente expuesto. La versión original de esta tesis se presentó en un archivo ejecutable flash, que permite la reproducción automática de los audios, videos y fotografías incluidos en ella. A los fines del repositorio, y para permitir la recuperación de la información en forma adecuada, aquí se presenta una versión en solo texto. En cuanto sea posible, se subirá también la versión original mencionada.
5

Shakespearean puppets

Maciel, Aline Razzera 25 October 2012 (has links)
Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Cominicação e Expressão, Programa de Pós-Graduação em Letras/Inglês e Literatura Correspondente, Florianópolis, 2010 Made available in DSpace on 2012-10-25T05:36:56Z (GMT). No. of bitstreams: 1 283000.pdf: 1152628 bytes, checksum: c9430c4a829c7b4a1930a446b281196d (MD5) Through a study of adaptations of Shakespeare#s plays into Puppet heatre, this research explores dramatic and human body adaptations, discussing Shakespearean rewritings in a show performed with puppets, focusing on both the way the human body and Shakespeare#s dramatic body are adapted. The corpus is the play 100 Shakespeare, performed by the Brazilian company Pia Fraus, consisting of an adaptation of nine Shakespearean play-texts. The sketches selected are: Hamlet, Othello, and Titus Andronicus, since they present elements which characterize both textual and bodily adaptations. This thesis draws theoretical parameters mainly from Linda Hutcheon, who stresses that each person experiences differently the same adaptation because of his background; from Patrice Pavis, who believes that an adaptation can modify the meaning of a play; from Ana Maria Amaral, who defines puppet as an inanimate object which portrays human beings or animals, and is animated by an actor-manipulator; from Pilar Amorós and Paco Parício, who contribute to several notions regarding Puppet Theatre; from Valmor Nini Beltrame, who presents some principles of manipulation of puppets; and from Heinrich von Kleist#s ideas regarding the marionette#s superiority to human beings. Based on the identified parameters, this research points out the possibilities of considering puppets as adaptations of human body and mind, and as humanizations of Shakespearean characters, by analyzing how sketches are adapted, puppets manipulated, and characters developed. Através de um estudo sobre adaptações de peças de Shakespeare para o Teatro de Formas Animadas, essa pesquisa explora adaptações do corpo dramático e humano, discutindo reescrituras de Shakespeare em um espetáculo representado com bonecos, enfocando a questão da adaptação do corpo humano e do corpo dramático de Shakespeare. O corpus é a peça 100 Shakespeare, representada pela Compania brasileira Pia Fraus, que consiste na adaptação de nove peças de Shakespeare para o Teatro de Formas Animadas. As esquetes selecionadas são: Hamlet, Otelo e Titus Andronicus uma vez que estas apresentam elementos que caracterizam adaptações textuais e corpóreas. Esta dissertação utiliza parametros teóricos, sobretudo, de Linda Hutcheon, que aponta que cada pessoa experiencia uma mesma adaptação diferentemente de outra por causa de sua formação; de Patrice Pavis, que acredita que uma adaptação pode modificar o significado de uma peça; de Ana Maria Amaral, que define #boneco# como objeto inanimado que retrata seres humanos ou animais e que é animado por um ator-manipulador; de Pilár Amorós e Paco Parício, que contribuem com diversas idéias a repeito do Teatro de Formas Animadas; de Valmor Nini Beltrame, que apresenta alguns princípios da manipulação de bonecos; e das idéias de Heinrich von Kleist a respeito da superioridade da marionete em relação ao serhumano. Baseando-se nos parametros identificados, esta dissertação aponta para as possibilidades de considerar os bonecos adaptações do corpo e da mente humana e humanizações de personagens Shakespeareanas, analisando como as esquetes são adaptadas, como os bonecos são manipulados e como as personagens são desenvolvidas.
6

Ampliando e transmutando dimensões existenciais : uma experiência teatral em escola Waldorf

Pombo, Manuella Moema da Silva 2014 (has links)
Orientadora: Profª Drª Helga Loos-Sant'Ana Coorientadora: Profª Drª Suzane S. Löhr Dissertação (mestrado) - Universidade Federal do Paraná, Setor de Educação, Programa de Pós-Graduação em Educação. Defesa: Curitiba, 31/03/2014 Inclui referências : f. 163-166 Resumo: O debate sobre a importância da arte para a humanidade permeia grande parte da história de nossa espécie; assim como a discussão dicotômica sobre a supremacia da razão sobre a emoção para o desenvolvimento humano. Podemos dizer que, atualmente, o universo da educação é majoritariamente marcado pelo paradigma materialista, com foco no desenvolvimento racional (cognitivo) dos indivíduos e uma objetividade pragmática de formação funcional perante os modos de sustentação material da vida. Este trabalho, pautado no Sistema Teórico da Afetividade Ampliada (STAA) é contrário a esta visão, e acredita na importância de superar os dualismos, as dicotomias, bem como a compreensão de um ser humano fragmentado. Assim, interessa-se pela arte, especificamente o teatro, versando sobre a importância deste na educação, tendo em vista o desenvolvimento pleno dos indivíduos. Interessamo-nos também pela Pedagogia Waldorf, uma vez que esta é um exemplo vivo de quebra do paradigma vigente citado acima. Portanto, buscando compreender as possibilidades de desenvolvimento humano proporcionado pela experiência teatral em uma escola desta pedagogia específica, e fundamentados no STAA, pesquisamos as possibilidades de desenvolvimento geradas pelo teatro a partir das dimensões da existência humana; sendo estas os modos do indivíduo lidar com a realidade, relacionado aos níveis de abstração humana, e às categorias da Célula Psíquica - Identidade, Self, Resiliência e Alteridade. Utilizando-nos do STAA também como método de análise, pesquisamos um processo de produção de um espetáculo teatral por nove adolescentes entre 13 e 15 anos, estudantes do oitavo ano do Ensino Fundamental de uma escola Waldorf de Curitiba/PR. São considerados como fenômenos fundamentais às interações geradas pelo processo a transmutação entre as dimensões humanas e os possíveis impactos no desenvolvimento das categorias da Célula Psíquica citadas acima. Observamos que o fazer teatral colocou em movimento os aspectos inter e intrapsicológicos dos educandos em questão, contribuindo para a melhoria na qualidade das interações. Também se mostraram relevantes as condições oferecidas pela pedagogia Waldorf. Percebemos, ainda, as qualidades da arte e da educação do sensível para o desenvolvimento integral dos indivíduos, contribuindo com a formação de seres humanos capazes de buscar interações mais harmoniosas. Palavras-chave: Teatro. Pedagogia Waldorf. Afetividade Ampliada. Desenvolvimento Humano. Educação. Abstract: The debate on the importance of art for humanity permeates much of the history of our species, as well as dichotomous discussion on the supremacy of reason over emotion for human development. We can say that today the world of education is mostly marked by materialistic paradigm, focusing on the rational development (cognitive) of individuals and on a pragmatic objectivity of functional training before the modes of material life support. This work, based on the Theoretical System of Extended Affectivity (TSEA), is contrary to this view, and believes in the importance of overcoming the dualisms and dichotomies, as well as the understanding of a fragmented human being. So, interested in art, particularly theater, dealing with the importance of it in education, owing to the development of individuals. Also we are interested in the Waldorf Pedagogy, since this is a living example of breaking the current paradigm mentioned above. Therefore, trying to understand the possibilities of human development provided by a school theatrical experience in this specific pedagogy, and based upon the TSEA, researched the possibilities generated by the development of theater from the dimensions of human existence; and these being the individual modes to cope with actually related to human abstraction levels and categories of Psychic Cellule - Identity, Self, Resilience and Alterity. Using the TSEA also as a method of analysis, research a process of a play producing for nine teenagers between 13 and 15, students from the eighth grade of elementary school in a Waldorf's school in Curitiba / PR. Are considered like fundamental phenomena the interactions generated by the transmutation process between human dimensions and the possible impacts on the development of the categories of Psychic Cellule mentioned above. We aim, therefore, understand the qualities of art and education sensitive to the integral development of individuals, to contribute to the training of human beings capable of more harmonious interactions. Keywords: Theater. Waldorf Pedagogy. Extended Affectivity. Identity. Human Development. Education.
7

A presença expandida : entre o ator e o performer, as máquinas de imagem como possíveis potencializadores da presença "The expansion of presence: between the actor and performer, the machine images as the possible potentialization the prejence"

Santos, Laudemir Pereira dos 30 May 2016 (has links)
Submitted by Luiza Kleinubing (luiza.kleinubing@udesc.br) on 2018-03-06T18:32:56Z No. of bitstreams: 1 Laudemir Pereira dos Santos.pdf: 2454103 bytes, checksum: b87f775a1bfe23a38a4ff38df9856f6f (MD5) Made available in DSpace on 2018-03-06T18:32:56Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Laudemir Pereira dos Santos.pdf: 2454103 bytes, checksum: b87f775a1bfe23a38a4ff38df9856f6f (MD5) Previous issue date: 2016-05-30 This research investigates the use of audiovisual technological devices in the contemporary scene and the expansion of presence of the performer in the scene. The reflections presented here are based on the possible potentialization of the presence of the performer in hybrid scenic experiments which use intermediality. The theoretical considerations for this work are based on the philosophical concepts of phenomenology from the works of Martin Heidegger and Maurice Merleau-Ponty compared with theater studies made by Josette Féral, Patrice Pavis, Izabella Pluta, among other research papers by performers, performance scholars and thinkers of theater today. The expansion of presence through the use of technological devices, live, in hybrid scenic experiments is one of the factors reconfiguring the basic structures of the performing arts today. The esearch focus on two key plays for my theoretical reflections: “Sobre Promessas and Expectativas” (On Promises and Expectations) by Alejandro Ahmed and “E se elas fossem para Moscou?” (What if they went to Moscow?) by Christiane Jatahy. O objetivo desta pesquisa de doutorado é refletir sobre a utilização de dispositivos tecnológicos na cena contemporânea e a expansão da presença do sujeito da cena. As reflexões apresentadas, neste trabalho de pesquisa, estão baseadas na possível potencialização da presença cênica do ator/performer em experiências cênicas híbridas, que fazem uso da intermedialidade. As considerações teóricas estão fundamentadas no campo filosófico da fenomenologia, a partir dos estudos de Martin Heidegger e Maurice Merleau-Ponty em cruzamento com os estudos teatrais feitos por Josette Féral, Patrice Pavis, Izabella Pluta entre outras pesquisas de encenadores, pedagogos e pensadores das artes cênicas. A tese defende que a presença expandida por meio das máquinas de imagem, ao vivo, em experiências cênicas hibridizadas, é um dos fatores que está reconfigurando as estruturas basilares da arte teatral na atualidade. Como objeto de análise, utilizo dois espetáculos-chave: ?Sobre Promessas e Expectativas? de Alejandro Ahmed e ?E se elas fossem para Moscou?? de Christiane Jatahy.
8

Interação teatral comunitária numa perspectiva dialógica

Reinisch, Katia 29 August 2016 (has links)
Submitted by Luiza Kleinubing (luiza.kleinubing@udesc.br) on 2018-03-08T17:11:14Z No. of bitstreams: 1 KATIA REINISCH.pdf: 1082952 bytes, checksum: 8d2450f6e06bc5faf150dfdb7567df36 (MD5) Made available in DSpace on 2018-03-08T17:11:14Z (GMT). No. of bitstreams: 1 KATIA REINISCH.pdf: 1082952 bytes, checksum: 8d2450f6e06bc5faf150dfdb7567df36 (MD5) Previous issue date: 2016-08-29 This master's research is focused on theatrical practices in community settings, and aims to bring to light forms and strategies that contribute to establish dialogues with communities. The starting point is the concept of community, based on theoretical reflections of the area, as well as through the analysis of experiences that I had in this field. In order to broaden the understanding of what would be the dialogic community theater perspective, some examples are brought from the literature of the area, such as Dialogic Theatre for Development and the Argentinian Community Theatre; while others are brought from practices that I got while participating in projects such as the one in the Mont Serrat community, in Florianópolis, Santa Catarina, which was my first contact with community theater practices; and the devising process of the play If I were a shrimp, made by the theater group Community Theatre from the Corner, which I take part as a member, and whose work process I bring here in details. The analysis of the dialogical community theatre includes identifying the presuppositions that govern it, and resources that can be used to enter a community and involve the participants in the creative process. The theoretical and pedagogical foundation of research has its basis in the educational principles of Paulo Freire (1921-1997), educator and Brazilian philosopher, author of Pedagogy of the Oppressed. Esta pesquisa de mestrado é voltada a práticas teatrais em contextos comunitários, e tem como propósito trazer à luz formas e estratégias que contribuam para estabelecer diálogos com comunidades. O ponto de partida é a conceituação de comunidade, feita a partir das reflexões de teóricos da área, bem como através da análise de vivências que tive nesse campo. De forma a ampliar o entendimento do que seria a perspectiva dialógica do Teatro na Comunidade, alguns exemplos são trazidos da bibliografia da área, como o Teatro Dialógico para o Desenvolvimento e o Teatro Comunitário Argentino; enquanto outros são trazidos a partir de práticas que pude participar, como o projeto que aconteceu na comunidade de Mont Serrat, em Florianópolis, Santa Catarina, no qual se deu meu primeiro contato com práticas teatrais comunitárias; e o processo de montagem da peça E se eu fosse um camarão, do grupo teatral Teatro Comunitário do Canto, do qual participo como integrante, e cujo processo de trabalho trago aqui detalhado. A análise do Teatro na Comunidade numa perspectiva dialógica inclui a identificação dos pressupostos que o regem, e dos recursos que podem ser usados para se entrar numa comunidade e envolvê-la no processo criativo. O embasamento teórico-pedagógico da pesquisa tem sua base nos princípios educacionais de Paulo Freire (1921-1997), educador e filósofo brasileiro, autor da Pedagogia do Oprimido.
9

Em busca do peixe dourado : aproximações entre Peter Brook e uma prática teatral na escola In search of golden fish: approaches between Peter Brook and a theatrical pratice at school

Santos, Fernando Freitas dos 24 May 2016 (has links)
Submitted by Luiza Kleinubing (luiza.kleinubing@udesc.br) on 2018-03-09T16:39:46Z No. of bitstreams: 1 FERNANDO FREITAS DOS SANTOS.pdf: 3428523 bytes, checksum: cffc006aab94ac9604304e9e612454ae (MD5) Made available in DSpace on 2018-03-09T16:39:46Z (GMT). No. of bitstreams: 1 FERNANDO FREITAS DOS SANTOS.pdf: 3428523 bytes, checksum: cffc006aab94ac9604304e9e612454ae (MD5) Previous issue date: 2016-05-24 Fundação de Amparo à Pesquisa e inovação do Estado de Santa Catarina - FAPESC This study aims to look at the theater in school education from the goldfish figure. This fish so unique, revealed by Peter Brook, is associated with the quality of the time that is captured in a theatrical event. The English director states that the configuration of a spectacle resembles the development of a fishing net process, since the entanglement of wires and the bonds of us determine the species of fish to be hooked. For this reason, in this study, they are chosen four pedagogical aspects considered most relevant in theatrical processes directed by Peter Brook, in an attempt to understand how a fishing net can act in a fruitful way to attract the goldfish in an educational context. Thus, the thesis is divided into two parts: the first is carried out one study of metaphor goldfish and selected pedagogical aspects: "amorphous intuition," dialogue "empty space" and game. In the second, a description and analysis is made of how the chosen aspects were articulated a theatrical practice carried out from March to August 2015 with students ages ranging from seven to twelve years old in a school of Florianópolis, Santa Catarina. O presente trabalho visa olhar para o ensino de teatro na escola a partir da figura do peixe dourado. Esse peixe tão singular, revelado por Peter Brook, está associado à qualidade do momento que é capturado em um evento teatral. O encenador inglês expõe que a configuração de um espetáculo se assemelha ao processo de elaboração de uma rede de pesca, visto que o entrelaçamento dos fios e as amarras dos nós determinam a espécie de peixe que será fisgada. Por essa razão, na presente pesquisa são escolhidos quatro aspectos pedagógicos considerados como os mais relevantes nos processos teatrais dirigidos por Peter Brook, na tentativa de compreender como uma rede de pesca pode atuar de maneira profícua para atrair o peixe dourado em um contexto educacional. Desse modo, a dissertação se divide em duas partes: na primeira é realizada um estudo da metáfora do peixe dourado e dos aspectos pedagógicos selecionados; ?intuição amorfa?, diálogo, ?espaço vazio? e jogo. Na segunda é feita uma descrição e análise de como os aspectos elegidos foram articulados a uma prática teatral realizada de março a agosto de 2015 com alunos de faixas etárias que variam dos sete aos doze anos em uma escola de Florianópolis, Santa Catarina.
10

Dramaturgia e a dança uma relação movediça : reflexões sobre a produção de sentidos na experiência da dança Dance dramaturgy, a floating relatio ship about the senses production in the dance experience

Brehsan, Nastaja Roussenq 10 November 2014 (has links)
Submitted by Luiza Kleinubing (luiza.kleinubing@udesc.br) on 2018-03-12T18:06:16Z No. of bitstreams: 1 NASTAJA ROUSSENQ BREHSAN.pdf: 2574874 bytes, checksum: ad8364dbb53dd171ca0060ce21ac3e1f (MD5) Made available in DSpace on 2018-03-12T18:06:16Z (GMT). No. of bitstreams: 1 NASTAJA ROUSSENQ BREHSAN.pdf: 2574874 bytes, checksum: ad8364dbb53dd171ca0060ce21ac3e1f (MD5) Previous issue date: 2014-11-10 This dissertation investigates under the perspective of the concept of dramaturgy the shifting relationship with the field of dance and objectively detects issues and draws a path of transformation of this concept. This dissertation investigates the concept of dramaturgy and the shifting relationship with the field of dance and objectively detects issues from the perspective of dramaturgy and draws a path of transformation of this concept. For that, I trace a parallel between theater and dance, and establish relationships to develop and broaden the understanding of the concept and practice of dramaturgy in these two fields. The selection of artists used to develop this thought, is not intended as generic, but punctual, and helps to visualize and create relationships on the dramaturgical practice and its evolution. The main artists that I use to guide the idea of dramaturgy in theater and dance are Gotthold Ephraim Lessing, Jean-Georges Noverre, Mary Wigman, Kurt Jooss, Martha Graham, Doris Humphrey, Véslovod Meyerhold, Jerzy Grotowski, Tadeusz Kantor, Pina Bausch, Bertold Brecht, Merce Cunningham, Anna Halprin. Thus point to an understanding of dramaturgy that exists prior to its introduction as a concept in dance, through concern for the production of meaning in the experience of dance. Nesta dissertação investiga-se, sob a perspectiva do conceito de dramaturgia, a relação movediça com o campo da dança e, de forma objetiva, detecta questões, desenhando um percurso de transformação deste conceito. Para tanto, é traçado um paralelo entre o teatro e a dança, estabelecendo relações para desenvolver e ampliar a compreensão do conceito e da prática da dramaturgia nesses dois campos. Entre os principais artistas utilizados para nortear a ideia de dramaturgia no teatro e na dança estão Gotthold Ephraim Lessing, Jean- Georges Noverre, Mary Wigman, Kurt Jooss, Marta Graham, Doris Humphrey, Véslovod Meyerhold, Jerzy Grotowski, Tadeuz Kantor, Pina Bausch, Bertold Brecht, Merce Cunningham e Anna Halprin. A utilização destes artistas nos dá amparo para ampliar o pensamento que auxilia o leitor na visualização e na criação de relações sobre a prática dramatúrgica e sua evolução, apontando para um entendimento de dramaturgia anterior ao da sua introdução enquanto conceito na dança, através da preocupação pela produção de sentido na experiência daquela.

Page generated in 0.0802 seconds