Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Arte, 2016. / Submitted by Fernanda Percia França (fernandafranca@bce.unb.br) on 2016-08-18T21:01:00Z No. of bitstreams: 1 2016_AlineSeabradeOliveira.pdf: 7352838 bytes, checksum: 9ead2d6fc198dd793350eaebbd6de714 (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana(raquelviana@bce.unb.br) on 2016-09-02T13:06:09Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2016_AlineSeabradeOliveira.pdf: 7352838 bytes, checksum: 9ead2d6fc198dd793350eaebbd6de714 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-09-02T13:06:09Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2016_AlineSeabradeOliveira.pdf: 7352838 bytes, checksum: 9ead2d6fc198dd793350eaebbd6de714 (MD5) / O objeto de estudo desta pesquisa de mestrado é o processo colaborativo como procedimento metodológico para o ensino de teatro. Neste trabalho, a aplicabilidade do processo está restrita às artes cênicas. No que se refere ao teatro, o processo colaborativo pode ser entendido como uma metodologia de criação compartilhada que passou a ser mais difundida por grupos teatrais a partir de 1990 e que visa a uma relação de trabalho com flexibilização das hierarquias. A partir da análise de experiências de grupos teatrais, bem como da minha própria experiência artística, acadêmica e educacional com o processo, pude perceber o desenvolvimento preponderante de dois elementos nessa metodologia: o diálogo e a autonomia. A hipótese levantada nesta pesquisa é a de que o processo colaborativo, devido as suas próprias características intrínsecas, apresenta potencial pedagógico para o ensino de teatro. A partir dessa premissa, investiga-se as seguintes questões: Quais efeitos esse processo é capaz de produzir no ensino-aprendizado de teatro? O desenvolvimento da autonomia e do diálogo no trabalho em grupo pode promover uma educação considerada mais democrática? Para responder a essas questões, realiza-se, ao longo da pesquisa, um panorama histórico-cultural do processo colaborativo, bem como discute-se os conceitos de diálogo e autonomia na obra de Mikhail Bakhtin e Paulo Freire. Analisa-se também o processo de criação do espetáculo “Dispa-se” realizado com alunos do ensino médio do Distrito Federal, no âmbito do Projeto Leve Supra Cena. ________________________________________________________________________________________________ ABSTRACT / The subject of this master research is the collaborative process as a methodological procedure for Theater Education. In this work, the applicability of the process is restricted to performing arts. As regards to theater, the collaborative process can be understood as a methodology based on shared creation that has become more widespread by theater groups from 1990 and aims for a working relationship with flexible hierarchies. From the analysis of the experience of the theater groups, and from my own artistic, academic and educational experience of the process, I could notice the development of two elements in this methodology: dialogue and autonomy. The hypothesis in this research is that collaborative process, because of its intrinsic characteristics, presents pedagogical potential for Theater Education. From this premise, the following questions were investigated: Which effects is this process capable of producing in the theater teaching-learning process? Can autonomy and dialogue development in group work promote a more democratic education? To answer these questions, it was made, during the research, a historical-cultural panorama of the collaborative process, and the concepts of dialogue and autonomy in the work of Mikhail Bakhtin and Paulo Freire were discussed. It was also analyzed the creation process of the theatrical spectacle “Dispa-se” with high school students from the Distrito Federal, as part of the Leve Supra Cena Project.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Arte, 2016. / Submitted by Fernanda Percia França (fernandafranca@bce.unb.br) on 2016-09-30T19:01:56Z No. of bitstreams: 1 2016_LanaCostaFaria.pdf: 5054207 bytes, checksum: 5c634fedc3fa0e1616d2b5d54f77a6c6 (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana(raquelviana@bce.unb.br) on 2016-12-01T20:18:43Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2016_LanaCostaFaria.pdf: 5054207 bytes, checksum: 5c634fedc3fa0e1616d2b5d54f77a6c6 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-12-01T20:18:43Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2016_LanaCostaFaria.pdf: 5054207 bytes, checksum: 5c634fedc3fa0e1616d2b5d54f77a6c6 (MD5) / Esta investigação se propõe levar para a cena um processo criativo do corpo cênico, partindo de uma reflexão – gerada por inquietações e problemáticas vividas por professores no espaço escolar – sobre o universo da dança, no qual se identificou a dificuldade de viabilizar uma prática educativa que propiciasse comunicação e diálogo com o universo simbólico do estudante. Sendo assim a perspectiva deste trabalho é contribuir para a aproximação de professores e alunos, de modo a propiciar uma prática reflexiva que dê ao aluno a oportunidade de ser sujeito da construção do conhecimento em dança, estimulando, consequentemente, sua intervenção na realidade. Ao partir do pressuposto de que as imagens têm influenciado os modos de viver, sentir e perceber o mundo contemporâneo e de que a escola não pode silenciar ante esse processo de subjetivação, o objeto deste estudo centra-se nas repercussões, nos impactos e nos desdobramentos de uma prática educativa em dança – a partir de narrativas de imagens – para uma formação continuada de professores que lhes possibilite comunicar e dialogar com os estudantes através de produções de corpos em cena. Ao ampliar as visualidades para além do contexto da dança, abrangendo o universo simbólico mais amplo proporcionado pela cultura visual, um conjunto de aprendizagens envolvendo as narrativas de imagens foi planejado e desenvolvido com um grupo de professoras de dança de escolas públicas, visando tornar possível a tomada de consciência corporal e a criação e recriação de movimentos capazes de inserir vozes ausentes nas vivências em dança no contexto escolar. Com essas narrativas visuais criaram-se novas imagens passíveis de informar, formar, dialogar e comunicar com o universo do aluno; configurar e construir traços identitários. O processo de criação em dança, autoral e dialógico, elaborou-se com base nos elementos estruturais do movimento de suas formas externas e das dimensões mental e emocional, segundo estudos da Coreologia, princípios de Rudolf Laban e jogos corporais propostos por Angel Vianna. Centrado nas narrativas de imagens, gerou escuta e reflexão a partir da produção “Poéticas do corpo em cena”, construindo diálogos com o corpo, com a dança e com a sociedade. A investigação foi composta por cinco professoras colaboradoras que atuam na rede estadual do ensino de dança, perfazendo sete cenas no processo criativo. Processo criativo este que promoveu diálogos e conexões com som, imagem e corpo na cena, reverberando composição instantânea de uma arte efêmera. Todo este processo foi registrado em fotos, filmado pelas professoras, compostos por narrativas orais das imagens e gravado e os relatos inseridos em diário de bordo em forma de narrativas individuais sobre as impressões obtidas. Consideramos que esta abordagem se mostrou capaz de estimular e suscitar a discussão, a reflexão e a interpretação crítica das especificidades do universo ampliado da dança e de promover o reencantamento do espaço escolar. As imagens trazem concepções estéticas de danças que não são neutras, mas perpassam e integram ideias, valores, relações de poder das estruturas sociais em que se realizam, sendo o ensino de dança na escola um espaço de crítica, interpretação e criação. Assim, esta é uma prática pedagógica plena de abertura para novas experimentações e produções interativas, visto ser um processo do qual participam subjetividades diversas, com suas histórias, de desejos e experiências que conformam a singularidade de cada um. Transformam a sala de aula em um espaço de investigação, aprendizagem e compartilhamento de experiências, contemplando um horizonte aberto, para todos aqueles e aquelas que desejam construir os seus percursos a partir de seus próprios cenários. ________________________________________________________________________________________________ ABSTRACT / This research aims at taking to the scene a creative process of scenic body, starting from the reflection - generated by the concerns and problems experienced by teachers at school – on the dance universe, in which we identified difficulties in visualizing an educative practice that provided communication and dialogue with the student’s symbolic universe. Therefore, this research aims to contribute to approach teachers and students by developing a reflexive practice that gives the students the opportunity to be part of the construction of a dance knowledge and consequently stimulate their intervention in the reality. Assuming that images have influenced the way people live, feel and perceive the contemporary world as well as that the school cannot silence itself while facing this subjectivation process, the object of this study focuses on the impacts and consequences of an educational practice in dance. It looks at imagery narratives for continued training of teachers to enable them to communicate and interact with students through bodies’ productions on the scene. By expanding the visual arts beyond the dance context and encompassing the broader symbolic universe provided by the visual culture, a set learning involving narrative images, planned and developed with a group of public school dance teachers. It intends to make body awareness and the creation and recreation of movements capable of contextualizing absent voices in dance experiences in the school context. With these visual narratives, new images are created to inform, form, dialogue, and communicate with the student universe; they are configured and built up identifying features. The process to create dance, copyright and dialogic is prepared based on structural elements of movement from their external forms and from mental and emotional dimensions, according to Choreology studies, Rudolf Laban’s principles and body games proposed by Angel Vianna. Once it is focused on narrative images, it generates listening and reflection from the production "Body Poetry on stage" builds dialogues with body, dance and society. The research consisted of five teachers, who teach dance in public schools. They all made seven scenes in the creative process, which promoted dialogues and connections with sound, images and body during the scene, reverberating instant composition of an ephemeral art. All this process was photographed and filmed by the teachers. It was also recorded and included in the study individual oral narratives of the images. We consider that this approach was able to stimulate and evoke discussion, reflection and a critical interpretation of the expanded dance universe specificities as well as to promote re-enchantment of the school space. The images bring aesthetic conceptions of dances that are not neutral, but that permeate and integrate ideas, values, and power relations of social structures where they take place. It makes dance teaching in schools a space for critic, interpretation and creation. Thus, this is a sufficient pedagogical practice opened to new exploratory and interactive productions. This process embraces different subjectivities, which present stories, desires and experiences able of transforming their own singularities. It transforms the classroom in a space for investigation, learning and sharing experiences. It also contem

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Arte, 2015. / Submitted by Fernanda Percia França (fernandafranca@bce.unb.br) on 2016-04-04T18:23:03Z No. of bitstreams: 1 2015_AlbertoRobertoCosta.pdf: 1989777 bytes, checksum: 3e82c53c6904e261e6f7b093ba280f50 (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana(raquelviana@bce.unb.br) on 2016-04-05T18:40:12Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2015_AlbertoRobertoCosta.pdf: 1989777 bytes, checksum: 3e82c53c6904e261e6f7b093ba280f50 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-04-05T18:40:12Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2015_AlbertoRobertoCosta.pdf: 1989777 bytes, checksum: 3e82c53c6904e261e6f7b093ba280f50 (MD5) / O presente trabalho intitulado “A Escolarização do Corpus Negro: Processos de Docilização e Resistência nas Teorias e Práticas Pedagógicas no Contexto de Ensino-aprendizagem de Artes Cênicas em uma Escola Pública do Distrito Federal” se apresenta como fruto de minha experiência como estudante, como professor de Arte da escola pública do Distrito Federal e como sujeito negro que bebe nas fontes dos saberes da diáspora africana. Tem como objetivo analisar as relações sociorraciais nas teorias e práticas pedagógicas no ensino de Artes Cênicas em uma escola pública do DF examinando os processos de docilização dos corpos a partir da concepção que Foucault apresenta de corpos dóceis. A problemática apontada questiona como acontece a docilização do corpus negro na escola. Tem enfoque na relação entre as noções que embasam os processos educativos presentes nas manifestações culturais afro-brasileiras no intuito de apontar propostas pedagógicas de enfrentamento ao racismo. A condução teórico-metodológica da investigação se direciona para três eixos que atravessam transversalmente a temática: a contextualização histórico-social dos sujeitos no mundo pós-colonial, a escolarização do corpus vista sob a ótica das relações sociorraciais e a dimensão artística analisada sob o viés dos pressupostos da etnocenologia. A metodologia privilegia a trajetividade focada na etnografia que preza pela interpretação qualitativa das experiências vividas, tem como ponto de partida a observação e a análise dos sujeitos imersos em contextos de ensino-aprendizagem e valoriza as narrativas da comunidade escolar em uma escola pública de Ensino Fundamental do Distrito Federal. / This present work entitled “The Schooling of the Black Corpus: Process of docilization and Resistance in pedagogical theories and practices in the context of teaching and learning of Theatre in a public school in Distrito Federal” is presented as the result of my experience as a student, as a teacher of Art in a public school Art of the Distrito Federal as well as a black person who has gotten kowledge from the sources of the African diaspora. It aims to analyze the socio-racial relations in theories and pedagogical practices in education for the Theatre in DF public school analyzing the processes of docilization of bodies of Foucault’s conception. The problematization appointed question how the docilization the Black Corpus happens at school. It focuses on the relationship between the notions that support educational processes located in the African-Brazilian cultural events to show pedagogical proposals to confront racism. The theoretical and methodological conduction of the research is directed to three axles transversely crossing the theme: the historical and social context of the subjects in the post-colonial world, the schooling of the corpus seen from the perspective of socio-racial relations and the artistic dimension analyzed under the ethnoscenology perspective. The ethnographic methodology values qualitative interpretation of experiences. Has as a starting point the observation and analysis of the subject immersed in teaching and learning contexts and values the narratives of the school community in a public school of Primary Education of the Distrito Federal.