The life and works of the Brazilian composer Heitor Villa-Lobos (1887-1959) have been well documented. However, a comprehensive study concerning any of his nine works for piano and orchestra has not been undertaken. Among this prolific output, the Mômoprecóce, fantasie pour piano et orchestra, stands as a faithful representation of the composer's skillful orchestration, descriptive piano writing through the observation of a childhood universe, and his multi-faceted approach to nationalism. The fantasy is a through-composed arrangement of a previous solo piano suite by Villa-Lobos entitled, Carnaval das crianças brasileiras (Brazilian Children's Carnival, 1919). This research aims to investigate the historic, stylistic, and interpretative aspects of Mômoprecóce, while discussing the composer's unique usage of the piano through his innovative compositional techniques and comparison of the fantasy with his original solo piano suite. Current literature in English, Portuguese and French is thoroughly examined, discussed, evaluated, and cited. In addition I provide a formal analysis, an interpretative guide, and a sociological perspective into Brazilian carnival, as specifically applied to the performance of Mômoprecóce.

A presente dissertação se ocupa da trajetória da elaboração do Ensaio sobre Música Brasileira, de Mário de Andrade, publicado em 1928, considerado desde seu projeto preliminar, de 1926, denominado Bucólica sobre a Música Brasileira. Apesar de o Ensaio ter sido gestado entre os anos de 1926 e 1928, muitas das proposições contidas no texto começam a se manifestar a partir de 1921. O percurso da composição do Ensaio sobre Música Brasileira foi abordado a partir da correspondência entre Mário de Andrade e nove de seus interlocutores: Manuel Bandeira, Renato Almeida, Luciano Gallet, Carlos Drummond de Andrade, Pedro Nava, Luís da Câmara Cascudo, Ascenso Ferreira, Prudente de Moraes Neto e Rosário Fusco. A pesquisa se limitou à correspondência entre os anos de 1926 e 1928. Seis textos escritos por Mário de Andrade e publicados entre 1921 e 1928 foram também analisados. Neles é possível observar a maneira como o musicólogo aborda vários dos assuntos que se tornaram posteriormente objeto de apreciação do Ensaio. Entre as peças musicais escolhidas pelo musicólogo como exemplos, encontram-se obras que não fazem parte das apresentações musicais dos nossos dias. Isto ocorre principalmente com o repertório da música popular, o que explica o desconhecimento de várias composições por parte dos atuais leitores do Ensaio. Por esta razão discutimos os exemplos musicais e acrescentamos informações para auxiliar a compreensão do contexto no qual estão inseridos. O trabalho também contempla a relação de Mário de Andrade com os compositores citados por ele no Ensaio. Analisamos as melodias da segunda parte da obra a partir da vinculação com seus estados e regiões de origem. Este procedimento permitiu averiguar quais foram os gêneros musicais mais referidos, bem como as localidades das quais vieram mais documentos melódicos. A pesquisa também busca acrescentar dados sobre as pessoas que colaboram com Andrade enviando-lhe documentos musicais e que estão relacionados na nota final do texto de 1928. Ao longo de quase 80 anos foram feitas quatro edições do Ensaio sobre Música Brasileira, edições que não foram, todavia, revisadas pelo autor. Não sabemos se as alterações identificadas, em confronto com a edição de 1928, devem-se ao fato de terem sido realizadas por editoras diferentes. Estas modificações - que vão desde o formato da impressão até a exclusão ou grifos incorretos de palavras e frases - também são abordadas na dissertação pois acreditamos contribuir para uma leitura mais clara do texto. / This thesis discusses the elaboration of Mário de Andrade´s Ensaio sobre música brasileira (Essay on Brazilian Music, 1928), beginning with the preliminary project that led to it, Bucólica sobre a Música Brasileira (1926). Although the essay was written between 1926 and 1928, several of its propositions had started emerging since 1921. This thesis approaches the trajectory of the conception of Essay on Brazilian Music from the correspondence between Mário de Andrade and nine interlocutors: Manuel Bandeira, Renato Almeida, Luciano Gallet, Carlos Drummond de Andrade, Pedro Nava, Luís da Câmara Cascudo, Ascenso Ferreira, Prudente de Moraes Neto, and Rosário Fusco. This research was limited to the correspondence between 1926 and 1928. I have also analyzed six texts written by Mário de Andrade published between 1921 and 1928. In these texts one can note how the musicologist approached several subjects that he later treated in the Essay. Some musical pieces that Andrade uses as examples in his text are not regularly performed today. This is particularly true of the folk repertoire he examines, and that is why contemporary readers of the Essay are not familiar with several compositions mentioned therein. Therefore, I discuss the examples mentioned in the Essay and add information in order to help understanding their context. This thesis also discusses Mário de Andrade\'s relationship with the composers he mentions in the Essay. The melodies mentioned in the second half of the Essay are analyzed in relation to their states and regions of origin. This has allowed me to verify which musical genres were most mentioned, as well as the locales from which most melodic documents came from. The research also aims to produce data about the people who collaborated with Andrade by sending him the musical documents that are enumerated in the final note of the 1928 version of the text. Four editions of the Essay on Brazilian Music have been published throughout nearly eighty years, but they were not revised by the author. It is not known whether the changes I identified in these editions when comparing them with the original edition are due to the fact that they were published by different publishing companies. This thesis also examines these changes - which go from printing format to the exclusion or corrections of words and sentences - because I believe they allow for a clearer reading of the Essay.

A presente dissertação se ocupa da trajetória da elaboração do Ensaio sobre Música Brasileira, de Mário de Andrade, publicado em 1928, considerado desde seu projeto preliminar, de 1926, denominado Bucólica sobre a Música Brasileira. Apesar de o Ensaio ter sido gestado entre os anos de 1926 e 1928, muitas das proposições contidas no texto começam a se manifestar a partir de 1921. O percurso da composição do Ensaio sobre Música Brasileira foi abordado a partir da correspondência entre Mário de Andrade e nove de seus interlocutores: Manuel Bandeira, Renato Almeida, Luciano Gallet, Carlos Drummond de Andrade, Pedro Nava, Luís da Câmara Cascudo, Ascenso Ferreira, Prudente de Moraes Neto e Rosário Fusco. A pesquisa se limitou à correspondência entre os anos de 1926 e 1928. Seis textos escritos por Mário de Andrade e publicados entre 1921 e 1928 foram também analisados. Neles é possível observar a maneira como o musicólogo aborda vários dos assuntos que se tornaram posteriormente objeto de apreciação do Ensaio. Entre as peças musicais escolhidas pelo musicólogo como exemplos, encontram-se obras que não fazem parte das apresentações musicais dos nossos dias. Isto ocorre principalmente com o repertório da música popular, o que explica o desconhecimento de várias composições por parte dos atuais leitores do Ensaio. Por esta razão discutimos os exemplos musicais e acrescentamos informações para auxiliar a compreensão do contexto no qual estão inseridos. O trabalho também contempla a relação de Mário de Andrade com os compositores citados por ele no Ensaio. Analisamos as melodias da segunda parte da obra a partir da vinculação com seus estados e regiões de origem. Este procedimento permitiu averiguar quais foram os gêneros musicais mais referidos, bem como as localidades das quais vieram mais documentos melódicos. A pesquisa também busca acrescentar dados sobre as pessoas que colaboram com Andrade enviando-lhe documentos musicais e que estão relacionados na nota final do texto de 1928. Ao longo de quase 80 anos foram feitas quatro edições do Ensaio sobre Música Brasileira, edições que não foram, todavia, revisadas pelo autor. Não sabemos se as alterações identificadas, em confronto com a edição de 1928, devem-se ao fato de terem sido realizadas por editoras diferentes. Estas modificações - que vão desde o formato da impressão até a exclusão ou grifos incorretos de palavras e frases - também são abordadas na dissertação pois acreditamos contribuir para uma leitura mais clara do texto. / This thesis discusses the elaboration of Mário de Andrade´s Ensaio sobre música brasileira (Essay on Brazilian Music, 1928), beginning with the preliminary project that led to it, Bucólica sobre a Música Brasileira (1926). Although the essay was written between 1926 and 1928, several of its propositions had started emerging since 1921. This thesis approaches the trajectory of the conception of Essay on Brazilian Music from the correspondence between Mário de Andrade and nine interlocutors: Manuel Bandeira, Renato Almeida, Luciano Gallet, Carlos Drummond de Andrade, Pedro Nava, Luís da Câmara Cascudo, Ascenso Ferreira, Prudente de Moraes Neto, and Rosário Fusco. This research was limited to the correspondence between 1926 and 1928. I have also analyzed six texts written by Mário de Andrade published between 1921 and 1928. In these texts one can note how the musicologist approached several subjects that he later treated in the Essay. Some musical pieces that Andrade uses as examples in his text are not regularly performed today. This is particularly true of the folk repertoire he examines, and that is why contemporary readers of the Essay are not familiar with several compositions mentioned therein. Therefore, I discuss the examples mentioned in the Essay and add information in order to help understanding their context. This thesis also discusses Mário de Andrade\'s relationship with the composers he mentions in the Essay. The melodies mentioned in the second half of the Essay are analyzed in relation to their states and regions of origin. This has allowed me to verify which musical genres were most mentioned, as well as the locales from which most melodic documents came from. The research also aims to produce data about the people who collaborated with Andrade by sending him the musical documents that are enumerated in the final note of the 1928 version of the text. Four editions of the Essay on Brazilian Music have been published throughout nearly eighty years, but they were not revised by the author. It is not known whether the changes I identified in these editions when comparing them with the original edition are due to the fact that they were published by different publishing companies. This thesis also examines these changes - which go from printing format to the exclusion or corrections of words and sentences - because I believe they allow for a clearer reading of the Essay.

Orientador: Carlos Eduardo Di Stasi / Coorientador: Alberto Tsuyoshi Ikeda / Banca: Herom Vargas Silva / Banca: Alexandre Francischini / Resumo: Esta pesquisa aborda parte da obra do compositor, arranjador, cantor, instrumentista, escritor e performer Antônio José Santana Martins, popularmente conhecido como Tom Zé. Propôs-se uma análise transdisciplinar sobre a sua produção artística situada entre os anos de 1967 e 1976, discutindo cinco discos do músico, reveladores da transição entre estes dois momentos, desde o início de sua carreira (1967) - em sua fase tropicalista -, até seu disco Estudando o samba, gravado em 1976. Este disco se mostrou de grande importância, pois, de acordo com o compositor H. J. Koellreutter (1915-2005), inaugurou - por meio da música Toc - uma nova proposta na estrutura composicional do artista, enquadrando-se na Estética Relativista do Impreciso e do Paradoxal e no conceito de tempo quadridimensional do teórico alemão. Este conceito, posteriormente, direcionou a pesquisa para outras noções associadas a mudanças de paradigma, observadas tanto na arte quanto na ciência moderna (física quântica e relativista) dos séculos XX e XXI. Buscou-se nesta pesquisa, elencar elementos na obra de Tom Zé condizentes à esta mudança paradigmática, com o intuito de compreender com maior profundidade as transformações estéticas e composicionais do artista no recorte temporal selecionado. Como uma análise estritamente técnico-musical convencional não seria capaz de envolver a totalidade da obra deste artista multimidiático, seu trabalho ainda foi analisado sob aspectos estéticos, históricos e sociopolíticos que englobam, justificam e podem contribuir para a compreensão de sua música. Assim, também foram verificadas as letras das músicas, performances, indumentárias, além dos seus discursos; considerando-se ainda materiais como artigos, entrevistas, capas de discos, entre outros. Desta forma, foi possível constatar as diversas nuances e gradações do compositor em suas transformações musicais / Abstract: This research broaches part of the work of the composer, arranger, singer, player, writer and performer Antônio José Santana Martins, popularly known as Tom Zé. It was proposed a transdisciplinar analysis about his artistic production placed between the years 1967 and 1976, discussing five records of the musician, revealers of the transition between these two moments, since the beginning of his career (1967) - in his tropicalist phase - until his album Estudando o samba, recorded in 1976. This LP showed large importance because, according to the composer H. J. Koellreutter (1915-2005), it inaugurated - through the music Toc - a new proposal in the compositional structure of the artist, that fits in the Relativistic aesthetics of Imprecise and Paradoxical and in the concept of quadridimensional time of the German theorist. This concept subsequently directed the research to other notions associated with paradigm shifts, observed both in art and in modern science (quantum and relativistic physics) of the XX and XXI centuries. It was sought in this study, to list elements in Tom Zé's opus consistent with this paradigm shift, in order to understand more deeply the aesthetic and compositional changes of the artist in the time frame selected. As a strictly conventional technical and musical analysis would not be capable to involve this multimidiatic artist's totality work, his job was also analyzed under aesthetic, historical and socio-political aspects that encompass, justify and can contribute to his music comprehension. Therefore, also the lyrics, performances, clothing were verified, in addition to his discourses; considering even materials like articles, interviews, album covers etc. Thus, it was possible to observe the different nuances and gradations of the composer in his musical transformations / Mestre

Orientador: Marcos Fernandes Pupo Nogueira / Banca: Achille Guido Picchi / Banca: Maurício Funcia de Bonis / Banca: Adriana Lopes da Cunha Moreira / Banca: Paulo de Tarso Camargo Cambraia Salles / Resumo: Esta pesquisa investiga a relação texto-música e as estratégias de composição musical em obras que tomam um texto poético como ponto de partida. As obras estudadas foram Pétala Petulância de Eduardo Guimarães Álvares, sobre poemas de Alícia Duarte Penna, Le Fruit Ardent (do Portrait de Nadia Boulanger) de Almeida Prado, baseada em poema de Paul Valéry e As Estrelasde Harry Crowl, sobre poema de Cruz e Sousa. O estudo dessas obras envolveu a análise musical baseada na análise motívica a partir de Schoenberg, na Teoria dos Conjuntos a partir de Forte, Oliveira, Straus, além de referências a outros teóricos musicais como Motte e Cook. Também foi realizada uma análise poética dos textos musicados, baseada em Bosi, Cândido, Jakobson, Goldstein e Tavares, complementada pela leitura de estudos sobre Cruz e Sousa (realizados por Bastide, Rabello, entre outros) e Paul Valéry (realizados por Andersen, Daniel Lefèvre, entre outros). A partir de uma comparação entre as obras estudadas, esta pesquisa verificou como a diferença entre os poemas escolhidos por cada compositor se reflete nas relações entre texto e música. A maior abstração ou, diferentemente, a maior concretude das imagens dos poemas influencia na maneira como são percebidos os elos entre um poema e a composição musical nele baseada. Esta tese detectou também que o interesse dos compositores abordados pelas imagens dos textos musicados está associado a uma busca de sonoridades e texturas musicais específicas. Esta pesquisa demonstrou que muitas conexões entre poesia e música resultam do fato de as duas linguagens se desenrolarem no tempo e envolverem relações de similaridade e contraste entre momentos distintos de seu percurso temporal. Um poema, quando declamado, inclui várias pausas, decorrentes de fatores sintáticos, semânticos, métricos ou formais, e um importante ponto de contato ou de tensão entre poema... / Abstract: This research investigates the text-music relationship and strategies of musical composition in works that take a poetic text as a point of departure. The works approached were Pétala Petulânciaby Eduardo Guimarães Álvares on poems by Alícia Duarte Penna, Le Fruit Ardent (from Portrait de Nadia Boulanger) by Almeida Prado, on a poem by Paul Valéry and As Estrelasby Harry Crowl, on a poem by Cruz e Sousa. The study of this works involves a musical analysis making use of a MotivicAnalysis based on Schoenberg and of the Set Theory based on Forte, Oliveira and Straus. It also refers to other musical theorists such as Cook and Motte. This study encompass too a poetic analysis of the texts of the musical pieces approached, based on Bosi, Cândido, Goldstein, Jakobson and Tavares, complemented by studies on Cruz e Sousa (by Bastide, Rabello) and on Paul Valéry (by Andersen and Daniel Lefèvre). This research has verified that the differences between the poems chosen by each composer affect the text-music relationship. This study demonstrates that many connections between poetry and music results from the fact thatboth are temporal languages and involve relations of similarity and contrast between different moments of their temporal trajectory. This research has also explained elements of the musical pieces that sometimes are independent of the text, such as their motivic elaboration. / Doutor

Orientador: Graziela Bortz / Banca: Edilson Vicente de Lima / Banca: Yara Casnók / Resumo: Esta pesquisa investigou as ferramentas composicionais utilizadas por Villa-Lobos ao compor as Bachianas Brasileiras no 4, e como ele se apropriou do neoclassicismo musical sem perder sua originalidade artística, integrando elementos da música brasileira com a poética musical de J. S. Bach. Pelo fato da obra aqui investigada ser construída sobre uma sintaxe musical de distintos períodos da História da Música, foi necessário recorrermos a diferentes teóricos musicais. Foram eles: Berry (1987), Lester (1989), Neumeyer & Tepping (1992), Caplin (1998) e Strauss (2013). Para abordar o possível uso de figuras retóricas, como aquelas utilizadas por J. S. Bach, consultou-se Bartel (1997). O estudo constatou que, apesar de Villa-Lobos não ter tido uma educação musical formal no Brasil, nem ter ido à Europa para estudar, como foi o caso de Carlos Gomes, Nepomuceno, entre outros, ele tinha plena consciência das ferramentas composicionais europeias, tanto da tradição como da vanguarda / Abstract: This research investigates compositional elements used by Villa-Lobos at Bachianas Brasileiras no 4 and how the elements of Brazilian music and those used by JS Bach are integrated. The organizational elements in its structure and its compositional unfolding are observed. Because Villa-Lobos uses a diffuse musical language, it is impossible to approach his grammar with one analytical tool only. For this reason, we make use of different theoretical tools to analyze the Bachianas Brasileiras no 4 for piano solo. Theoretical and analytical authors, such as Berry (1987), Lester (1989), Neumeyer & Tepping (1992) e Strauss (2013) are referred here. To address the possible use of rhetorical figures, such as those used by JS Bach, we consulted Bartel (1997). This study observes that, despite of Villa-Lobos' and creative spirit, his mystic image as an intuitive composer, folklorist and wild, he was fully aware of the European compositional avant-garde techniques, and dialogued with those compositional currents / Mestre

Orientador: Paulo Augusto Castagna / Banca: Marcos Fernandes Pupo Nogueira / Banca: Lia Vera Tomás / Banca: Mônica Isabel Lucas / Banca: Carin Zwilling / Resumo: Esta Tese procura elucidar o impacto local e internacional do "Muzico e Moderno Systema para Solfejar sem Confuzão", método escrito em 1776 por Luís Álvares Pinto, músico pernambucano do século XVIII. A importância do método não se encontra somente no fato de este ser um texto brasileiro ainda não estudado, mas especialmente em seu conteúdo, que de acordo com pesquisas recentes, é o primeiro tratado em língua portuguesa a defender a prática um novo sistema de solfejo, baseado no heptacorde, também conhecido como "solfejo francês". A primeira descrição conhecida do solfejo heptacordal francês, por um teórico luso-brasileiro, está presente na "Escola de Canto de Órgão" escrita pelo Padre Caetano de Melo de Jesus em 1759, sendo que o mesmo advoga pela manutenção do sistema hexacordal aretino. Apenas dois anos após, em 1761, Álvares Pinto defende o sistema francês em sua "Arte de Solfejar", primeiro método escrito pelo músico pernambucano e localizado na Biblioteca Nacional de Portugal. Foi somente em 1778 que o solfejo francês foi mencionado por um teórico português, no tratado "O Eclesiástico Instruído" de Frei Bernardo da Conceição. O "Muzico e Moderno Systema" representa uma revisão ampliada do conteúdo da breve "Arte de Solfejar", descrevendo o seu método a partir de Observações amplas e complexas, fundamentadas em autores dos séculos XVII e XVIII, especialmente Sebastien de Brossard. No decorrer desta pesquisa iremos analisar o método do "Muzico e Moderno Systema", relacion... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: This thesis aims at elucidating the local and international impact of "Muzico e Moderno Systema para Solfejar sem Confuzão", method written in 1776 by Luís Álvares Pinto, a eighteenth century musician born in Pernambuco, Brazil. The importance of this method is not only the fact that it remains practically unstudied, but especially in its content, which according to recent researches, is the first theoretical music text to defend the practice of a new solmization system, based on the heptachord, also known as French solmization. The first known description of the French heptachordal solmization, by a Portuguese-Brazilian theorist was found in "Escola de Canto de Órgão", written by the Brazilian priest Caetano de Mello de Jesus, in 1759, although he still supports maintaining the hexachordal system of Guido of Arezzo. Only two years later, in 1761, Álvares Pinto defends the French system in the "Arte de Sofejar", first method written by the Brazilian musician and located in the Portuguese National Library. It eas only in 1778 that this French solmization was first mentioned by a Portuguese music theorist, in the treatise "O Eclesiástico Instruído" by Friar Bernardo da Conceição. The "Muzico e Moderno Systema" is a expanded revision of the content present in the brief method "Arte de Solfejar", describing its system with large and complex Observations, based on authors of the seventeenth and eighteenth centuries, especially Sebastien de Brossard. During this research we will ex... (Complete abstract click electronic access below) / Doutor

Orientador: Martha Herr / Banca: Márcia Aparecida Baldin Guimarães / Banca: Adriana Giarola Kayama / Banca: Angelo José Fernandes / Banca: Lenine Alves dos Santos / Resumo: A parceria entre a poetisa Suzanna de Campos e o compositor Camargo Guarnieri resultou em 18 canções para canto e piano. Neste estudo apresentamos as principais características poéticas e musicais de cada uma das canções desses dois artistas proporcionando, assim, um leque de informações e dados que objetivam servir de inspiração para o intérprete. No estudo da poesia, apresentamos o poema original, sua forma, seu ritmo, sua métrica e sua sonoridade. No estudo da música, fornecemos informações sobre a melodia, o ritmo, a dinâmica, o acompanhamento e a forma da canção. Os aspectos musicais foram destacados a partir do texto, já que foi ele o primeiro a inspirar o compositor e é através dele que os intérpretes podem desvendar os segredos da canção, para que o ouvinte receba a plenitude de seu significado poético e musical. Através do estudo das canções pudemos constatar uma íntima relação entre a escrita da linha vocal de Guarnieri e a prolação livre do português brasileiro. A metodologia proposta e utilizada para o estudo das canções é resultado da compilação de ideias e sugestões de vários musicólogos e da própria autora e, além de contribuir para a riqueza interpretativa das 18 canções estudadas, pode servir de modelo para estudo de outras canções. Um levantamento das principais características estilísticas de composição das canções foi feita, com intuito de familiarizar o leitor com a escrita guarnieriana. Todas as 18 canções foram editoradas com base nos manuscritos do compositor e essa editoração apresenta transcrição fonética e tradução para o inglês. / Abstract: The partnership between the poet Suzanna de Campos and the composer Camargo Guarnieri resulted in 18 art songs for voice and piano. In the current work, we present the main poetical and musical characteristics of each of the songs by those artists, offering, thus, a host of information and data that aim at serving as inspiration for the interpreter. When studying the poem, we presented the original text, its form, rhythm, meter and sonority. When studying the music, we pro vided information about the melody, the rhythm, the dynamics, the accompaniment and the form of the song. The musical aspects were highlighted using the text as lens, being as it was the first inspiration to the composer and it is through it that interpret ers can uncover the secrets of the song, so that the listener receives the plenitude of its poetical and musical meaning. Through the study of the art songs, we could evidence an intimate relationship between Guarnieri's vocal lines and the free prolation of the Brazilian Portuguese. The methodology proposed and used for studying the songs is the result of the compilation of ideas and suggestions from various musicologists and the author herself and, beyond contributing to the interpretative riches of the 18 songs studied, may serve as a model for the study of other songs. A survey of the main compositional stylistic characteristics of the songs was undertaken, with the objective of getting the reader acquainted with Guarnieri's writing traits. All of the 18 art songs were edited using the composer's manuscripts and this editoration includes phonetic transcriptions and translations into English. / Doutor

Este trabalho de Mestrado propõe uma análise sobre a escrita orquestral da música brasileira com foco na Suíte Brasiliana n.1 de Cyro Pereira, composta em 1962. Assim, contextualiza e apresenta um histórico da escrita da música popular brasileira para orquestra, citando trechos de partituras de alguns arranjos de Pixinguinha e Radamés Gnattali na Época de Ouro da década de 1930. Analisa como os instrumentos musicais não convencionais são inseridos na orquestra e como são utilizados novos elementos rítmicos em obras do repertório sinfônico brasileiro, destacando composições de Heitor Villa-Lobos. Registra, ainda, uma pesquisa sobre os ritmos brasileiros: dobrado, toada, choro, valsa e baião. Explana sobre utilização dos recursos composicionais e das técnicas de orquestração na obra de Cyro Pereira, fazendo uso de exemplos construídos tendo como base a partitura da suíte na versão adaptada e reorquestrada de 1992. Por fim, vale ressaltar que, como parte deste trabalho, foi realizada uma edição revisada da partitura da Suíte Brasiliana n. 1 (versão de 1992). / This fine Masters work aims at analyzing the orchestral score of the Brazilian music focusing at Suite Brasiliana n.1 by Cyro Pereira, composed in 1962. Therefore, it contextualizes and presents a detailed report of the written composition of the Brazilian Popular Music for orchestra, making reference to passages of scores from some musical arrangements by Pixinguinha and Radamés Gnattali in the Época de Ouro (The Golden Period) in the thirties. It analyzes both the way through which non conventional instruments are put in the orchestra and how the new rhythmic elements of some Brazilian symphonic opuses are used, giving emphasis to the musical work composed by Villas-Lobos. It also shows a research about Brazilian rhythms: dobrado (marching music), toada, choro, valsa (waltz) and baião. Besides, it explains how the compositional resources and the techniques for orchestration are used in Cyro Pereira´s work, giving examples from the score of the suite adapted and reorchestrated in the 1992 version. Finally, it is worth to point out that it was part of this paper to make a revised version of the score Suite Brasiliana n.1 by Cyro Pereira (in the 1992 version).

Orientador: Alberto Tsuyoshi Ikeda / Banca: Arnaldo Contier / Banca: Carlos Stasi / Banca: Tânia da Costa Garcia / Banca: Dorotéa Kerr / Resumo: Conhecido por sua atuação como compositor, arranjador e instrumentista (violonista) no exterior, o brasileiro Laurindo Almeida (1917-1995) encontra-se em relativa "margem" de nossa historiografia musical, tanto erudita quanto popular. Um dos prováveis motivos: a suposta perda de vínculo do músico com as "coisas do Brasil" no campo musical, como resultado de sua emigração para Estados Unidos da América, país que escolhera para viver e exercer sua profissão a partir de 1947 - conforme argumento de parte de nossos historiadores e musicólogos. Posto isto, no sentido de suprir esta lacuna historiográfica, propusemos primeiramente descortinar sua trajetória artista, traçar o seu "perfil identitário musical" e, por conseguinte, também averiguar a razão (ou as razões) desta situação marginal de sua carreira em terras brasileiras. Para tanto, dedicamos especial atenção às parcerias que o violonista estabeleceu ao longo de sua vida. No Brasil, dentre elas tiveram destaque Aníbal Augusto Sardinha, o "Garoto", Carmem Miranda, Radamés Gnattali, e, por fim, Heitor Villa-Lobos. Nos EUA, destacamos o band lider Stan Kenton, David Raksin (maestro, compositor e arranjador de trilhas sonoras), e também Igor Stravinsky; personalidades com as quais trabalhou em diferentes momentos de sua trajetória artística. Seu perfil identitário foi traçado, sobretudo, a partir da análise de sua produção musical gravada em disco, e também por meio do reconhecimento de concepção estética, bem como de determinadas estruturas musicais que, diante da sua recorrência, tomamos como características do violonista. Contrariando o argumento supramencionado, procuramos demonstrar que Laurindo Almeida manteve sim, forte lastro com a música erudita e popular brasileira ao longo de toda a sua carreira no exterior. Porém, num contexto histórico... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: Recognized by his career overseas as a composer, arranger and performer (guitar player), Brazilian Laurindo Almeida (1917-1995) is found apart from our musical historiography, both classical and popular. One of the most likely reasons: his supposed loss of connection with "Brazilian things" in the musical field, as a result of his migration to the United States of America, country chosen by him for living and developing his career from 1947 - according to the arguments of our musicologists and historians. Therefore, in order to make up for this historical gap, we propose at first to reveal his path as an artist, to map his "musical identity profile" and, consequently, to analyze the reason (or reasons) of the marginal situation of his carrier in the Brazilian context. Thereunto, we dedicate special attention to the partnerships that this guitarist established along his life. In Brazil, among the outstanding ones are Aníbal Augusto Sardinha, or "Garoto", Carmen Miranda, Radamés Gnattali, and, lastly, Heitor Villa- Lobos. In the USA, we highlight the band-leader Stan Kenton, David Raksin (conductor, composer and arranger of soundtracks), as well as Igor Stravinsky; personalities with whom he worked in different moments of his artistic trajectory. His identity profile was drawn mainly from the analysis of his musical production recorded in disc, and also by recognizing aesthetic conception and musical structures which due to their recurrence, we take as features of the guitar player. Unlike the aforementioned argument, we seek to demonstrate that Laurindo Almeida maintained indeed, strong involvement with classical and popular Brazilian music along his entire career abroad. Nevertheless, in the "globalized" historical context that the United States already... (Complete abstract click electronic access below) / Doutor