Cette étude se déplie en deux temps. En premier lieu, nous explorons les conditions d’émergence d’une intégration du « total sonore » dans l’idiome musical au cours du vingtième siècle. Dans ce dessein, nous revisitons les écrits théoriques de Luigi Russolo, Edgar Varèse et Pierre Schaeffer, trois figures marquantes du paysage musical moderne. Cette démarche met en relief certains principes fondateurs d’une musicalité du sonore, permettant de concevoir un « art des bruits » (Russolo) fondé sur une « organisation sonore » (Varèse) dans une intention d’édifier des « structures musicales » (Schaeffer). En second lieu, nous confrontons ces notions à notre propre travail de conception sonore pour le film Qui va droit son chemin (Michèle Gauthier, 2010, 24 min 10 secs) en examinant chaque étape de la production – de l’écriture du scénario à la constitution des banques de sons jusqu’au montage son et au mixage – pour explorer les conditions de création qui permettent l’émergence d’une musicalité du sonore cinématographique. Ce faisant, à l’aide de conceptions théoriques diverses (Chion, Fano, Roy, Gallet), nous tentons de cerner et de décrire les fondements d’une esthétique du sonore musicalisé au cinéma. / This study is two-fold. To begin with, it explores the conditions that permitted the emergence and integration of “all sound” into the musical idiom of the twentieth century. With this end in mind, it revisits the theoretical writings of Luigi Russolo, Edgar Varèse and Pierre Schaeffer, three defining figures of the modern musical landscape. From their work, it extracts certain founding principles of the musicality of sound that permit us to conceive an “art of noise” (Russolo) based on the “organization of sound” (Varèse) in order to build “musical structures” (Schaeffer). Secondly, I bring these notions to bear on my own experience of designing the sound for the film Qui va droit son chemin (Michèle Gauthier, 2010, 24min 10secs) by examining each stage of production – writing the script, collecting sounds, sound editing and mixing – to explore the creative conditions which permit the emergence of musicality in the cinematographic acoustic environment. In doing so, with the help of various theoretical conceptions (Chion, Fano, Roy, Gallet), I attempt to discern and describe the foundations of an esthetic of musicalized sound in film.

Cette étude se déplie en deux temps. En premier lieu, nous explorons les conditions d’émergence d’une intégration du « total sonore » dans l’idiome musical au cours du vingtième siècle. Dans ce dessein, nous revisitons les écrits théoriques de Luigi Russolo, Edgar Varèse et Pierre Schaeffer, trois figures marquantes du paysage musical moderne. Cette démarche met en relief certains principes fondateurs d’une musicalité du sonore, permettant de concevoir un « art des bruits » (Russolo) fondé sur une « organisation sonore » (Varèse) dans une intention d’édifier des « structures musicales » (Schaeffer). En second lieu, nous confrontons ces notions à notre propre travail de conception sonore pour le film Qui va droit son chemin (Michèle Gauthier, 2010, 24 min 10 secs) en examinant chaque étape de la production – de l’écriture du scénario à la constitution des banques de sons jusqu’au montage son et au mixage – pour explorer les conditions de création qui permettent l’émergence d’une musicalité du sonore cinématographique. Ce faisant, à l’aide de conceptions théoriques diverses (Chion, Fano, Roy, Gallet), nous tentons de cerner et de décrire les fondements d’une esthétique du sonore musicalisé au cinéma. / This study is two-fold. To begin with, it explores the conditions that permitted the emergence and integration of “all sound” into the musical idiom of the twentieth century. With this end in mind, it revisits the theoretical writings of Luigi Russolo, Edgar Varèse and Pierre Schaeffer, three defining figures of the modern musical landscape. From their work, it extracts certain founding principles of the musicality of sound that permit us to conceive an “art of noise” (Russolo) based on the “organization of sound” (Varèse) in order to build “musical structures” (Schaeffer). Secondly, I bring these notions to bear on my own experience of designing the sound for the film Qui va droit son chemin (Michèle Gauthier, 2010, 24min 10secs) by examining each stage of production – writing the script, collecting sounds, sound editing and mixing – to explore the creative conditions which permit the emergence of musicality in the cinematographic acoustic environment. In doing so, with the help of various theoretical conceptions (Chion, Fano, Roy, Gallet), I attempt to discern and describe the foundations of an esthetic of musicalized sound in film.

Ce mémoire emprunte à la ludomusicologie tout en s’inscrivant dans le cadre des études du jeu vidéo et des études cinématographiques. Il est une exploration du sonore à l’intérieur d’une situation de conflit présente dans un jeu vidéo. Nous y appréhendons la construction sonore de la situation de conflit, caractérisée par un combat entre un personnage jouable et un antagoniste. Nous posons les problématiques suivantes : de quelle manière le sonore se construit-il dans une situation de conflit vidéoludique? Qu’est-ce que cette construction apporte au joueur ou à la joueuse? En prenant appui sur le cinéma puis le cinéma d’animation, nous envisageons le son dans sa construction audio-visuelle, rattaché à une image mouvante. Il apparaît rapidement que le son en rapport à l’image possède des fonctions qui permettent à l’auditeur-spectateur d’appréhender, voire d’amplifier à la fois l’histoire et les émotions. À travers le cognitivisme, nous transposons ensuite ces fonctions vers le jeu vidéo, en prenant en compte le paradigme de la jouabilité. En nous intéressant au joueur, nous partons de ses attitudes d’écoute pour proposer la construction d’une concrétion sonore, un ensemble de sons et de musiques inhérents à toute situation audio-visuelle. Il ne s’agit plus de séparer sons, musique et bruits, mais bien de les hiérarchiser en fonction des besoins du joueur, qui sont déterminés par la situation de jeu. Une étude de cas nous permet d’expliciter la concrétion sonore. Nous précisons enfin les enjeux relatifs à la concrétion sonore dans le cadre de la situation de conflit. Il apparaît au fil de nos recherches que le son, les bruits et la musique possèdent des fonctions qui dépendent moins de leur structure que de l’assemblage sonore complet. De nombreux exemples présenteront des strates sonores aux multiples fonctions. La musique comme le son peuvent constituer aussi bien une aide qu’un frein à la jouabilité. Des techniques de production (volume, spatialisation, complexité du sonore) permettent au joueur de hiérarchiser la concrétion sonore pour profiter d’une meilleure expérience audio-visuelle. / This dissertation is the result of research in ludomusicology, game studies and cinema studies. It is an exploration of sound in the context of a conflict situation present in a video game. We apprehend the sound construction of the conflict situation, characterized by a fight between a playable character and an antagonist. We propose the following questions: how is sound constructed in a video game conflict situation? What does this construction bring to the player? By studying the cinema and then animation, we consider sound in its audio-visual structure, linked to a moving image. It quickly appears that the sound in relation to the image has functions that allow the listener-spectator to apprehend, even amplify both the story and the emotions. Through cognitivism, we then transpose these functions to video games, taking into account the paradigm of playability. By focusing on the player, we start from his listening attitudes to suggest the construction of a sound concretion, a set of sounds and music inherent to any audio-visual situation. It is no longer a question of separating sounds, music and noises, but rather of prioritizing them according to the player's needs, which are determined by the gaming situation. A case study allows us to explain the sound concretion. Finally, we specify the stakes related to sound concretion in the context of the conflict situation. It appears through our research that sound, noises and music have functions that depend less on their structure than on the entire sound assembly. Many examples will present sound layers with multiple functions. Music and sound can be both an aid and a hindrance to playability. Production techniques (volume, spatialization, sound complexity) allow the player to prioritize the sound concretion to enjoy a better audio-visual experience.

Cette thèse de recherche-création explore certaines des causes esthétiques, techniques et inter- artistiques qui font du cinéma un domaine privilégié pour l’étude du son. Les hypothèses de cette recherche sont formulées à partir de ma posture de concepteur sonore pour le cinéma et émergent des conditions pratiques et esthétiques singulières ayant menées à la création sonore de différentes œuvres. La première partie de la thèse explore ces trois axes (esthétique, technique et inter- artistique) par la mise en résonance d’expériences pratiques et de recherches théoriques : mon travail de conception sonore pour le film Le silence des semences (Guillaume Roussel-Garneau, 2021) m’amène d’abord à rendre compte de l’émergence du courant expressiviste à la fin du XVIIIe siècle (Taylor) et de la reprise de l’expression comme modèle théorique en art (Abrams) pour ensuite mettre ces modèles à l’épreuve des théories du son au cinéma (Chion, Fano) ; mon travail de post-production sonore pour le film Le rêve et la radio (Renaud Després-Larose et Ana Tapia- Rousiouk, 2022) m’entraîne à explorer ce qui, dans la nature mécanique et matérielle du son capté, monté et reproduit par différentes techniques (Altman, Lastra, Schaeffer, Schafer, Cardinal), permet de rejouer ces tensions entre représentation et expression ; ma « sensibilité technicienne » (Tapia-Rousiouk) me permet de faire l’étude des modes d’articulation et d’interaction des sons entre eux, avec l’image, avec le spectateur ou l’auditeur ; ces modes d’articulation et d’interaction sont empruntés aux autres arts sonores, et ils survivent dans l’univers cinématographique à travers les œuvres et la pratique des musiciens et créateurs sonores Ernst Karel (Heard Laboratories, Heard Laboratories Performed, Leviathan) et Christian Calon (Continental Divide). La deuxième partie de cette thèse prend la forme de quatre œuvres sonores crées pour l’exposition La couleur du temps, le son d’un espace, présentée au Centre d’exposition de l’Université de Montréal à l’été 2022. Chacune d’elles, par leur mise en scène du son, de l’écoute et du corps, permettent de rejouer ces enjeux esthétiques et techniques fondamentaux de la création sonore au cinéma : tension entre espace sonore et espace visuel ; matérialité du sonore, entre sens et sensation ; malléabilité des qualités temporelles du son ; qualités transformatives de l’écoute, tant au niveau de la création que de la réception. / This research-creation thesis explores some of the aesthetic, technical and inter-artistic reasons that make cinema a privileged field for the study of sound. The hypotheses of this research are formulated from my position as a sound designer for film and emerge from the singular practical and aesthetic conditions that led to the sound design of different works. The first part of the thesis explores this question along these three axes (aesthetic, technical and inter-artistic) through practical experiences and theoretical research. My sound design work for the film Le silence des semences (Guillaume Roussel-Garneau, 2021) leads me first to recount the emergence of the expressivist current at the end of the 18th century (Taylor) and the use of expression as a theoretical model in art (Abrams) and then confront these models to theories on sound in cinema (Chion, Fano). My audio post-production work for the film Le rêve et la radio (Renaud Després-Larose and Ana Tapia-Rousiouk, 2022) leads me to explore what, in the mechanical and material nature of recorded, edited and reproduced sound with the use of sound reproduction technologies (Altman, Lastra, Schaeffer, Schafer, Cardinal), replays the tensions between representation and expression. My “technical sensibility” (Tapia-Rousiouk) allows me to study the modes of articulation and interaction between sounds, between sound and image, with the spectator or the listener. These modes of articulation and interaction are borrowed from other sound arts, and they survive in the cinematic world through the works and practice of musicians and sound artists such as Ernst Karel (Heard Laboratories, Heard Laboratories Performed, Leviathan) and Christian Calon (Continental Divide). The second part of this thesis takes the form of four sound works created for the exhibition La couleur du temps, le son d’un espace, presented at the Centre d'exposition de l'Université de Montréal in the summer of 2022. Each of these works, through their staging of sound, listening and the body, reformulate these fundamental aesthetic and technical questions regarding sound creation in cinema: the tension between auditory space and visual space; the materiality of sound, between meaning and sensation; the plasticity of the temporal qualities of sound; the transformative qualities of listening, both in terms of creation and reception.