Thesis (Ph. D.)--University of Wisconsin--Madison, 1962. / Typescript. Vita. eContent provider-neutral record in process. Description based on print version record. Includes bibliographical references (leaves 217-220).

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This thesis explores ways in which the mid-nineteenth-century current of positivist thought impacted upon the work of the French artist Gustave Courbet (1819-1877). Guided by certain methodological imperatives set out in the theories of Hayden White and Dominick LaCapra – in particular LaCapra’s identification of the need for historical practice to avoid reductive interpretation of data and to recognise the formulation of concepts through intersecting domains of knowledge and the specificity of their articulation in different primary sources – this thesis focuses upon interpretations of Courbet’s work formulated between 1848 and 1878, examines ideas developed within the intersecting domains of positivism and medical science, and highlights the deployment of these ideas for political leverage across the entire political spectrum. The thesis discovers ways in which positivist interpreters of Courbet’s work, including the artist himself, sought to criticise and resolve the social and political problems of the time by drawing upon theories designed to achieve social harmony through scientific understanding of human nature and its evolution. The thesis demonstrates that numerous social commentators referred to the images of people and social conditions in Courbet’s paintings to express positivist views about social decay, the enduring human potential to reform such decay, and an inevitable achievement of social harmony. I show that positivists interpreted the artist’s work with recourse to disciplines such as biology, physiology and physiognomy, as well as concepts such as ‘the physical and the moral,’ according to which the various physical, mental, emotional and moral dimensions of the human constitution were closely interconnected, evident in physical appearance, and crucially influenced by the changing environmental conditions impacting upon them, including society. I also show that, according to such prescriptions, the physical appearance of ordinary contemporary people represented in Courbet’s paintings indicated their physical and moral state and by extension the social conditions forming this state. Such physiognomical principles were often associated with caricature and portraiture to advance the critical and affective nature of Courbet’s paintings, which were seen as aesthetic stimulants in an evolutionary process of social reform. As the project shows, positivists thought that Courbet’s paintings expressed certain ideal notions of equality and materiality that served the political, ideological and often anti-religious interests of the writers concerned; in these views, all humans fostered the same inherent physiological desire for altruistic existence and shared equal status with animals and organisms as physiological beings conceived and sustained within biological nature.

Texte remanié de: Dissertation--Stuttgart, 2005. / Bibliogr. p. 327-350.

This thesis looks at the function of signatures in visual art using the theory of Jacques Derrida and a series of paradigmatic historical examples. Specifically, it departs from ‘Signature Event Context’ (SEC) to establish signature outside the idiom of visual art as a social process. Having established signature as process designed to guarantee presence, it suggests that signature should be considered a method of production. As a method of production, signature has a significant contemporary relevance for dematerialised and Relational Art practices which are frequently held to be ‘unsigned’. This thesis suggests grounds for questioning the unsigned quality of Relational Art, and looks at what signatory production means for it. Until the 1990s, signature was mostly ignored as a subject for serious art historical scholarship. It is still rarely indexed as a subject even when it warrants a mention in the body of a text. Although a clutch of recent studies have addressed its occurrence in the work of individual artists, or within the boundaries of narrowly defined eras, there is little work - if any - which attempts to connect these pockets of knowledge with a conceptual grounding of what signature does in order to develop a connected narrative and broad understanding for its place. As a result, there is little interrogation of signature’s mechanism alongside historical examples, and scholarship is instead focused on its appearance. This thesis attempts a broad, conceptually informed, historical survey, using examples that date as far back as the sixth century BC. The aim is to unpack the signature-form ‘R. Mutt’ which appears on Marcel Duchamp’s Readymade, Fountain (1917), a work with great conceptual importance for contemporary dematerialised and Relational Art practices. In bringing SEC into close 3 proximity to Fountain, the thesis establishes potential grounds for reading a significant theoretical relationship between Derrida and Duchamp, a pairing which has been neglected by scholars despite conceptual sympathies between them.

D.E.A.--Histoire de l'art--Paris 4, 1996.

La présente thèse propose la première monographie sur la société des Buveurs d’eau. Cette association artistique de secours mutuels rassembla dans le Paris des années 1840 onze peintres, sculpteurs et écrivains débutants qui, pour la plupart, allaient entrer dans l’histoire non pas grâce à leurs œuvres, mais parce qu’ils allaient devenir les exemples d’un type de créateur : l’artiste ou l’écrivain bohème. Ce fut leur sort à cause d’un livre que l’un d’eux publia en 1851, et ce fut à leur grand dam et au dam de l’histoire. Les Scènes de la vie de bohème d’Henry Murger fondent depuis plus d’un siècle et demi l’idée que l’on se fait de la première bohème parisienne. Elles doivent leur popularité originale à leur adaptation au théâtre de boulevard en 1849 et leur popularité durable à leur adaptation à l’opéra en 1896, dans La Bohème de Puccini. Elles doivent leur place dans les travaux universitaires aux qualités de document et de tableau de mœurs qu’on leur attribue depuis leur parution. Ce sont d’abord ces qualités du livre de Murger, largement admises sans être historiquement vérifiées, et souvent amplifiées depuis trente ans par l’histoire des représentations et par la sociologie, qui rendent les Buveurs d’eau aussi illustres qu’inconnus. C’est également l’obscurité des œuvres de ces hommes, majoritairement artistes, qui éloigne les chercheurs – et en premier lieu les historiens de l’art – de l’histoire de cette société. Or, il est possible de faire cette histoire, à l’aide des outils de l’histoire de l’art d’abord et de l’histoire littéraire ensuite. Ses fondements sont jetés ici et ils répondent à une question trop rarement posée : quel est l’art de la bohème ? / This thesis is the first monograph on the artistic brotherhood of the Water Drinkers, a mutual aid association that united eleven young painters, sculptors and writers in 1840s Paris. Most of these men were to enter history not thanks to their art but because they were to exemplify the bohemian artist or writer. That was due to a book published by one of the group members in 1851—to the disservice of the Water Drinkers and history alike. For more than a century and a half, Henri Murger’s La Vie de Bohème has been the basis of our notion of bohemian Paris. This book owes its initial fame to its theatrical adaptation in 1849 and its lasting fame to its operatic adaptation in 1896, in Puccini’s La Bohème. It owes its place in academic research to its reputation as a historical document and a novel of manners. It is first and foremost this reputation—widely accepted though historically unverified, and frequently enhanced by cultural historians and sociologists over the past three decades—that is responsible for the Water Drinkers being unknown as artists, and famous as bohemians. It is additionally the obscurity of the works of the group members, chiefly visual artists, that is responsible for scholars and especially art historians not studying their history. Yet their history can be studied, by means of art history first and literary history second. This thesis lays the foundation for this study and answers a question too seldom asked: what is bohemian art?

Auslöser dieses Sammelbandes war eine Exkursion in die Franche-Comté mit Studierenden der Europastudien und Europäischen Geschichte der Technischen Universität Chemnitz im Juni 2009 unter dem Titel: „Franche-Comté – Die Erfindung einer Region in Transnationalität und Transkulturalität“. Der vorliegende Band will Einblicke in die Franche-Comté und Besançon geben. Er lädt Sie ein, die Region und Ihre Hauptstadt zu entdecken und gemeinsam mit den AutorInnen eine virtuelle Reise zu unternehmen.

Ce mémoire offre une relecture de la réception que connurent Gustave Courbet (1819-1877) et son œuvre, dit réaliste, sur la scène artistique parisienne de la seconde moitié du XIXe siècle, et ce, à l'aune de la nouvelle réalité olfactive de cette époque. En effet, depuis la fin du XVIIIe siècle, la place et le rôle des odeurs dans la société française changèrent considérablement. La relation que les Français, et plus particulièrement les Parisiens, entretenaient avec les effluves nauséabondes passa d'une relative indifférence, à une reconnaissance, puis à la crainte de ces miasmes qui conduisit ultimement à une désodorisation profonde de la société occidentale. Inspirée par les méthodes développées par une histoire culturelle du sensible, issues principalement des travaux de l'historien français Alain Corbin, nous avons choisi d'analyser une grande partie de la production de Courbet, ainsi que des nombreuses caricatures dont il fut l'objet, pour mettre de l'avant l'analogie qui existait, selon nous, entre le parcours de l'artiste et les différentes étapes de la révolution olfactive. Pour ce faire, nous avons choisi de diviser notre mémoire en trois grandes parties, chacune traitant d'un stade de l'évolution de la perception olfactive de Courbet. Dans un premier temps, nous verrons donc comment le jeune artiste du début des années 1840 fut relativement ignoré par le public bourgeois parisien, aux yeux duquel il souhaitait faire connaître sa peinture, alors qu'à la même époque, ce même public commençait à s'inquiéter de la question des odeurs qui empestaient l'air parisien. Dans un deuxième temps, nous nous intéresserons à la reconnaissance critique et populaire qui entoura les envois de Courbet au Salon à partir de 1850, ainsi qu'à la crainte que suscita rapidement cette nouvelle peinture « réaliste ». Finalement, nous verrons comment la société parisienne des années 1870 entreprit de se débarrasser du peintre, qui devenait une figure franchement gênante et indésirable, surtout à la suite de son implication politique dans la Commune de Paris. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Gustave Courbet, révolution olfactive, France, XIXe siècle, histoire culturelle.

Notre thèse porte sur François Sabatier (1818, Montpellier – 1891, Lunel), époux de la cantatrice Caroline Ungher, traducteur de Goethe et Schiller, connu comme critique et mécène fouriériste à travers la publication de son Salon de 1851 à la Librairie phalanstérienne et la commande du décor de son palais florentin à des artistes fouriéristes (Bouquet, Ottin, Papéty). L'utilisation de sources inutilisées, ses manuscrits et la reconstitution de sa bibliothèque léguée à Montpellier permettent de reconsidérer les rapports à l'art de François Sabatier. Sa formation, entre fréquentation des artistes (Courbet, Hébert, Ricard, Lefuel, Lessore), voyages, séjours et résidences (Allemagne, Grèce, Italie), lectures et rencontres des auteurs est ainsi mieux connue. Ce que sa critique doit à celle-ci est éclairé de même que son ambition théorique. Enfin, sa participation pratique à des débats artistiques et historiques contemporains, le réalisme, l'attribution du palais de la Zisa à Palerme et les techniques de restaurations des mosaïques en Sicile, font apparaître d'importantes contributions. Les réseaux qui constituent sa sociabilité et ses engagements révèlent des auteurs comme Amari, Di Marzo, Michelet, Villari, Schnaase, Gregorovius, et des acteurs de la conservation des œuvres, Salinas, Riolo. La démarche suivie, qui s'est appuyée sur le catalogage de sa bibliothèque et le relevé des dédicaces et notes en marge des ouvrages, permet donc de préciser la nature de ses rapports à l'art, plus étendus que la critique, le mécénat et la collection / This thesis focuses on François Sabatier (1818, Montpellier - 1891, Lunel), husband of the singer Caroline Ungher and translator of Goethe and Schiller, known as a patron and Fourierist critic through the publication of his Salon de 1851 in the Librairie phalanstérienne and his selection of the decor of his Florentine palace by Fourierist artists (Bouquet, Ottin, Papety). The utilisation of previously unused historical sources, of his manuscripts and the reconstruction of his library, which was bequeathed to Montpellier, allow one to reconsider Sabatier's relationship to art. As a result, his formation, which includes his association with artists (Courbet, Hébert, Ricard, Lefuel, Lesscore), his journeys and residencies (in Germany, Greece, Italy), his readings and meetings with authors is now better known. Consequently, his critique and his theoretical ambitions appear in a new light. Finally, his engagement in contemporary artistic and historical debates, realism, awarding of the Zisa palace to Palermo and techniques for restauring mosaics in Sicily all exemplify his important contributions. The networks constituting his sociability and engagements include authors such as Amari, Di Marzo, Michelet, Villari, Schnaase, Gregorovius, and such conservators of art works as Salinas and Riolo. The approach followed here is based on the cataloging of his library and the recording of his inscriptions and marginal notes in books, and allows one to specify the nature of his relationship to art, which goes far beyond critique, patronage and collection