To explore documenting practices in detail that use the time-based medium of film to engage with performance art’s negotiation of duration and disappearance, this article addresses Stuart Brisley’s and Ken McMullen’s 16 mm film “Being and Doing”. “Being and Doing” is an experimental, highly subjective documentation of live art practices of the late 1970s and early 1980s in Eastern and Western Europe. The film’s highly concentrated and rhythmically elaborate montage assembles photographs, sound recordings, footage of communal rituals, and artists’ performances with a voice-over narration by Brisley. Starting from a detailed analysis of particular montage sequences the article elaborates on the inventive aesthetics of “Being and Doing” as a conjunction of body art practices and a process-oriented mode of documentation, which is concerned with the frame as the essential constituent of film form.

Im Zentrum meiner folgenden Darstellung stehen Charakteristika der Filme von Mara Mattuschka, die in Kooperationen mit Chris Haring und liquid loft entstanden sind, und die Frage, in welcher Weise sie zur Transformation der Bühnenperformances beitragen. Eine Dokumentation der Tanz-Perfomances, die in der gängigen Ausformung in einer Totalen und in einem Take oder mit mehreren Kameras auf der Bühne gefilmt wird, stand nie zur Diskussion. Vielmehr versuchte Mattuschka mit dem Medium Film Verknüpfungen von Bild,- Sound,- und Körperchoreografien zu entwickeln, die die Qualitäten der jeweiligen Dramaturgien akzentuieren.

Filmische Aufzeichnungen von Aufführungen – sei es Theater, Tanz oder Performance – sind Transformationen und folgen deren medialen Bedingungen, auch wenn sie sich als Dokumentation verstehen. Sie überführen Raum und Dauer eines performativen Ereignisses in filmische Parameter, konstruieren sie neu und anders. Am Beispiel von Babette Mangoltes Film „Marina Abramovic – Seven Easy Pieces“ untersucht der Text einen solchen Transformationsprozess. Und stellt ihm eine andere intermediale Bewegung zur Seite, konfrontiert ihn mit der Frage: was interessiert Filmkünstler_innen an einer deutlich als theatral markierten mise en scène? Arbeiten der Wiener Künstlerin Mara Mattuschka bilden die Basis für die Suche nach Antworten auf diese Frage. Mit dem Begriff der Maskerade und seinen verschiedenen Bedeutungskontexten werden Verfahren der Schichtung verschiedener künstlerischer Techniken und Gestaltungsparameter beschrieben.

Die Bedingungen für den Vollzug der tödlichen Mission könnten nicht besser sein. Bereits im Morgengrauen sieht der 19-jährige Kamikaze-Flieger Tadamasa Itazu, wie sich die Silhouette des Mondes scharf im Baumgeäst abzeichnet und ahnt, dass ein strahlend sonniger Tag bevorsteht, also ideale Wetterbedingungen für seinen ersten und letzten Einsatz als Pilot der japanischen Luftwaffe. In Meiro Koizumis Videoarbeit „Where the Silence Fails (Double Projection #1)“, die im Jahr 2013 entstand, wird der Betrachter zunächst mit einem Zeugenbericht aus der letzten Phase des Pazifischen Kriegs konfrontiert, der provozierend affirmativ daherkommt.

How to create dance archives as ‘meaningful’ and ‘attractive’ tools for new creation? In 2013, Ong Keng Sen (Singapore International Festival of Arts) together with The Saison Foundation in Tokyo, Japan, called to life a project on archiving dance, which subsequently became the Archive Box Project. In the following years, it was realized in three phases oscillating between mediation, collaborative research and artistic practice. Seven participating Japanese artists, who each created an archive of their own works, developed individual, often contrary concepts of the archiving process.

Das Museum der Moderne in Salzburg hat sich seit einigen Jahren unter der neuen Leitung von Sabine Breitwieser den Themen Choreographie, Bewegung und Performance geöffnet. Nach Ausstellungen über Simone Forti („Simone Forti. Mit dem Körper denken: Eine Retrospektive in Bewegung“, 18. Juli 2014 bis 9. November 2014), Billy Klüver („E.A.T. Experiments in Art and Technology“, 25. Juli 2015 bis 1. November 2015) oder Carolee Schneeman („Carolee Schneemann. Kinetische Malerei“, 21. November 2015 bis 28. Februar 2016) lud sie die ebenfalls in Salzburg ansässigen Derra de Moroda Dance Archives zu einem Projekt in ihr Haus ein.

Im Rahmen des 100-jährigen Gründungsjubiläums des Studentenwerks Dresden entstand dieser Kalender 2020 mit Architekturfotos von Till Schuster und historischen Aufnahmen.

This paper presents the performative exhibition “Vasulka Live Archive/video mapping” (20 December 2021, Brno House of Arts) in terms of the creative strategy and format chosen for it and in terms of the broader context of the exhibition project “Vasulka Live Archive/Interfaces”. This work has the character of a music video, created from fragments of videos by Steina and Woody Vasulka, which are interwoven with visualizations of the analytical work of artificial neural networks. The result is a new audiovisual work based on a remix aesthetic. Information on the 'Vasulka Kitchen Brno Archive' has been added by Barbora Šedivá and Kateřina Drajsajtlová.

“What is Zen for Film?”, I was asked on the occasion of a preparatory meeting for Revisions, an exhibition to feature Zen for Film (1962–64), Nam June Paik’s “blank” film projection. Despite the many discussions that preceded the meeting, when it came to the question of what the main—and the only—artwork of this exhibition was, we felt as if we’d been left in the dark. Is Zen for Film an idea, a concept—or rather, an event, a performance, or a process? In its original form, Revisions: Zen for Film combined a research project, pedagogy, an exhibition, and an exhibition catalogue. Revised again in the following pages, Revisions is an exercise in slow looking. It questions the ambition of constructing the work with a fixed identity, a product that moves seamlessly from the studio to the world of dissemination, distribution, and display. Instead, Zen for Film will appear once again as an assemblage of people, things, and events, a vibrant materiality destined for a changeable future.

Die frühe Tanzfotografie sieht sich mit der Herausforderung konfrontiert, das technische Zeitregime der Lichtbildaufnahme mit dem Bewegungsfluss des Tanzes zu verbinden. Dabei sollen Dokumente entstehen, die sowohl der Ästhetik des Mediums wie auch dem inszenierten Motiv ihren Eigenraum geben. Dieses Dilemma löst Hugo Erfurth mit einer spezifischen „Blickeinstellung“ und generiert dadurch Aufnahmen, in denen die Differenz zwischen sich bewegenden Körpern und deren fotografischer Abbildung in eine pragmatisch wie ästhetisch erfolgreiche Strategie überführt werden konnte.