Doctorada en filosofía con mención en estética y teoría del arte / Mediante una indagación en el legado del daoísmo y en el pensamiento del segundo Heidegger, evaluamos en qué medida la experiencia estética de la serenidad comparece como un estado/proceso más acá (en el cuerpo) de la teoría conceptual, el que precede y posibilita un modo de conocimiento y de inspiración/creación artística que es posible determinar como: epistemología pasiva, la cual es considerada por ambos pensamientos como un modo “originario” de acceder a la realidad y a la “verdad” acerca de la misma. A partir de la tesis enunciada, proponemos el estatuto estético de la serenidad, tanto en sentido restringido, asociado a la creación artística, como amplio, asociado a un saber sensible. Ello en cuanto su “encarnación” se verifica en la unidad “mente-corazón/cuerpo” como purificación/agudización de los sentidos, distensión corporal, silencio mental y gozo/calma emocional, propiciados por el retiro en la naturaleza, por un tipo de práctica o disciplina corporal y por una actitud de espera/ocio. Revisamos hasta qué punto, ambos pensamientos proponen que, en la medida en que se accede a la serenidad, se recupera una sensibilidad originaria, ya sea histórica, en el caso de Heidegger, o anterior al proceso de socialización, en el caso del daoísmo. La serenidad se verifica así como una capacidad perceptiva de apertura y receptividad, que denominamos “atención plena” o “escucha atenta”, la que otorga un centro de estabilidad/ecuanimidad, producto del desasimiento del sujeto, el abandono del punto de vista, el desapego del deseo y de las cosas del mundo. Todos estos procesos, incluidos en la experiencia y posterior estado de serenidad, permiten ejercer el pensar mediante el dialogo y expresar la habilidad a través del gesto puro.

Doctorada en filosofía con mención en estética y teoría del artes / Esta investigación tiene como propósito analizar el ingreso del tiempo como problema en el arte contemporáneo desde un corpus de análisis de 20 obras de artes visuales, en las que el tiempo aparece problematizado en algún aspecto formal o conceptual, con el fin de identificar en las diversas poéticas temporales, una estética contemporánea que reflexione la imposibilidad de intervenir en el paso del tiempo. Este ingreso del tiempo en el arte se evidencia en la producción y exhibición de obras que responden críticamente a una alteración de la comprensión del tiempo, como consecuencia de los diversos procesos de cambio que se iniciaron en la modernidad, principalmente en los ámbitos técnicos y culturales. Tomando en cuenta que el tratamiento del tiempo en el arte -luego de las alteraciones modernas- es intrínsecamente técnico, se propone la siguiente hipótesis de trabajo: las obras que integran este corpus exhiben una crisis de la comprensión del tiempo bajo los parámetros cotidianos actuales. De este modo, las poéticas del tiempo, beneficiándose de las diversas formas de alteración del tiempo en la sociedad contemporánea, reflexionan mediante las nociones de conmensurabilidad, desorientación y transcurso, la incapacidad humana de disponer del irrefrenable del paso del tiempo. El corpus fue analizado y dividido en tres poéticas temporales: primero, la magnitud del tiempo en la obra como sistema de orientación y desorientación, es decir, obras que proponen sistemas de medición y conmensuración del tiempo. Segundo, la extensión del tiempo en el proceso de producción y exhibición de la obra, remite a obras que problematizan tiempos particularmente extendidos ya sea en su producción como en la instancia de exposición. Y tercero, la representación del tiempo en la obra como demarcación, que corresponde a obras que se articulan como hito demarcatorio de transcursos que, por una parte, se acumulan y por otra, se disuelven en lo transitorio.

Doctora en filosofía, con mención en estética y teoría del arte / Esta(tesis(ofrece(una(reflexión(en(torno(a(las(posibles(causas(que(han(cristalizado(la( disposición(del(arte(latinoamericano(de(acatar(los(estilos(artísticos(reconocidos(como( modernos,(desvirtuando,(contraproducentemente(así,(la(lógica(de(su(propia(modernidad.( A( partir( de( esta( observación( –y( como( primera( hipótesis–( se( plantea( que( este( fenómeno(se(debe(a(que(el(impulso(de(progreso(estuvo(desde(un(comienzo(dirigido(a( recrear(productos(y(operaciones(que(representasen(oficialmente(al(arte(moderno,(en(vez( de(a(inaugurar(programas(artísticos(a(la(luz(del(propio(contexto.( Así,(la(primera(parte(de(la(tesis(vuelve(su(mirada,(no(a(las(teorías(que(discuten(sobre( los(productos(consagrados(del(arte(moderno,(sino(que(al(impulso(interno(que(las(ha( animado,( es( decir,( a( su( subjetividad( desplazada.( Subjetividad( moderna( que,( por( el( contrario(y(siguiendo(su(inherente(variabilidad(y(multiplicidad,(busca(la(conformación(de( un( artista( rupturista( e( independiente,( capaz( de( autoconstruirse( y( representar( la( particularidad(de(lo(que(piensa,(siente,(percibe,(imagina(e(intuye,(al(tiempo(que(conserva( la(consciencia(respecto(a(su(quehacer(en(su(propio(tiempo(y(espacio(de(participación.( Esta(perspectiva(colabora(para(examinar(cuándo(nuestra(modernidad(artística(ha( propuesto( modernismos( o,( en( su( defecto,( modernizaciones( artísticas.( Estas( últimas( entendidas(como(“puestas(al(día”(que(desarrollan(procesos(de(transformación(siempre(en( función(de(un(referente(central.(De(esta(distinción(se(desprende(que(una(de(las(razones( de(la(persistencia(de(este(acoplamiento(a(los(ejes(hegemónicos(en(las(artes(visuales,( entraña(–como(segunda(hipótesis–(la(dificultad(de(sobreponerse(al(estigma(del(atraso( dentro(de(una(misma(pero(desigual(occidentalidad.(Es(así(como(“modernizarse”(se(ha( vuelto(entonces(un(gesto(de(huida(frente(a(todo(aquello(que(represente(barbarie(o( subdesarrollo.( En( torno( a( estos( problemas,( la( segunda( parte( de( la( tesis( indaga( en( los( condicionamientos(que(devienen(de(una(identidad(construida(a(partir(de(evaluaciones( negativas(acerca(de(nuestra(cultura,(así(como(de(la(adopción(de(un(papel(pasivo(que( tiende( a( transformarse( en( dependencia( o( acomodo.( Representación( desvalorada( de( nosotros(mismos(que(modela(inexorablemente(las(percepciones(y(expectativas(del(arte,( no(sólo(chileno,(sino(que(latinoamericano.( Siguiendo(con(la(investigación,(la(tercera(parte(de(la(tesis(busca(comprender(por(qué( se(han(conservado(prácticas(de(subordinación(a(lo(largo(del(tiempo.(Esto(puede(indicar(– como(tercera(hipótesis–(la(existencia(de(una(estructura(latente:(un(habitus(inscrito(en(la( propia( historia( que( fija( disposiciones( no( conscientes( que( modelan( la( percepción,( el( pensamiento( y( la( acción,( generación( tras( generación,( sin( que( los( agentes( culturales( alcancen(a(percatarse(de(ir(repitiendo(la(historia.(Ajustada(a(esta(hipótesis,(se(examinan( tres( discursos( del( arte( chileno( correspondientes( a( tres( períodos( de( la( modernidad( latinoamericana.( Revisión( que( ayuda( a( reconocer( las( aspiraciones,( las( marcas( de( borradura,(los(complejos(y(la(inorganicidad(de(sus(modernizaciones.(Aspectos(que,(a(su( vez,( definen( en( parte( la( manera( en( que( comprendemos( nuestra( cultura,( y( lo( que( esperamos(del(arte(en(el(futuro.(

Trabajo de Investigación Requisito para optar al Título de Cirujano Dentista / Introducción El análisis estético facial es utilizado como una importante herramienta clínica para el diagnóstico y tratamiento de las anomalías dentomaxilares. El Análisis Cefalométrico de Tejidos Blandos de William Arnett, ha sido ampliamente utilizado en la valoración estética de pacientes adultos desde el punto de vista ortodóncico y quirúrgico. La morfología facial en niños experimenta modificaciones al avanzar el crecimiento y desarrollo, estableciéndose variaciones en el perfil y proporciones faciales. Es por esto que los valores estéticos de perfil facial establecidos en adultos, no pueden aplicarse a pacientes pediátricos. El objetivo del estudio fue determinar parámetros estético faciales en pacientes pediátricos con dentición temporal completa y armonía facial, pertenecientes al área sur de la Región Metropolitana, según el análisis de William Arnett. Materiales y Métodos Un registro fotográfico estandarizado de perfil fue realizado a una muestra de 30 pacientes de 3 a 6 años de edad. Se aplicó el análisis de W. Arnett para las proyecciones a la línea vertical verdadera (LVV) y alturas faciales. El test-Student independiente se utilizó para comparar los valores promedios obtenidos entre géneros y comparar con los valores propuestos para adultos. Resultados Valores promedios se establecieron para las proyecciones a la LVV y alturas faciales en pacientes con dentición temporal completa. No se encontraron diferencias significativas entre géneros para las proyecciones a la LVV. La altura del Labio superior fue significativamente mayor en niños que en niñas. Se encontraron diferencias estadísticas entre niños(as) con dentición temporal completa y los valores determinados por W. Arnett para adultos, en todas las proyecciones a la LVV y alturas faciales, excepto el punto Labio superior y punto B’ en el género masculino y el punto A’ en el género femenino. Conclusiones Para evaluar el perfil facial de tejidos blandos en pacientes pediátricos, es necesario contar con valores de referencia propios para este grupo etáreo. Los valores obtenidos debiesen ser considerados en la valoración del crecimiento y desarrollo de pacientes pediátricos desde el punto de vista de la configuración de un perfil facial armónico. Esta metodología le permitirá al clínico realizar una evaluación objetiva y precoz de posibles alteraciones, facilitando el establecimiento de un diagnóstico y plan de tratamiento temprano.

Doctorado en filosofía con mención en estética y teoría del arte / Para o modelo de arte mimético tradicional, a proposta de representação do motivo noturno traz consigo um problema, composto de alguns paradoxos fundamentais: como representar o que não se mostra, o indeterminado, o vazio que oferece poucos elementos para a apreciação estética? Na primeira parte da pesquisa, após enunciar em termos fenomenológicos o problema da arte noturna e examinar a intensificação dos seus paradoxos constitutivos pelas cosmovisões que formam a cultura ocidental – cuja estética, em continuidade com a metafísica, a epistemologia e a ética, se fundamenta sobre imaginário marcado pela supremacia da visão e da luz –, verificamos que este problema, na verdade aparente, se dissolve a partir do momento em que se divisa a extrema fecundidade da experiência noturna. A análise desta dissolução, identificada numa genealogia estética e místico-poética contrária à tendência dominante, anuncia um “lugar” emblemático em que o noturno se potencializa positivamente: a experiência auditivo-musical. Em meio a este movimento de resolução e superação dos paradoxos iniciais, observa-se como a noite serve de imagem para dois níveis antitéticos de inexpressabilidade, os quais são reconhecidos e trabalhados mediante reutilização crítica dos conceitos do indizível e do inefável extraídos da obra de Vladimir Jankélévitch. Por um lado, na noite indizível, encontra-se o que, por nada conter, inviabiliza qualquer representação verbal ou artística. Por outro, na noite inefável, o que, por sua riqueza, não se comunica numa única imagem ou palavra, mas, ainda assim (ou justamente por isso), possui infinito potencial expressivo. O incógnito visual do noturno remete então à indeterminação do que acolhe múltiplas possibilidades e do que se oferece como inesgotável fonte poética. É precisamente neste seguimento à via aberta por Jankélévitch que, na segunda parte do texto, exploramos a fecundidade artística e fenomênica da noite em sua íntima afinidade com a escuta e com a música, arte que, segundo o filósofo francês, congrega o atributo da inefabilidade e uma essência noturna. Sob “perspectiva” que valoriza uma apreensão não visual de mundo, examinamos os vínculos ou parentescos entre o auditivo-musical e o noturno, o que nos permite aprofundar a fecundidade da experiência noturna no horizonte de uma estética que favorece antes o evocativo que o representacional.

Doctor en filosofía mención en estética y teoría del arte / No autorizada por el autor para ser publicada en el Portal de Tesis Electrónicas de la U. de Chile. / Gramáticas de la destrucción en el orden estético, corresponde a un trabajo de carácter exploratorio y documental, que problematiza el rendimiento estético que han tenido a través de la historia diferentes modalidades de destrucción. Estas particularidades cruzan un amplio campo, contemplando la destrucción como potencia de la naturaleza en Aristóteles, como modelo de trascendentalización en la ascesis cristiana y como modelo de individuación en Shakespeare. Posteriormente, en la modernidad encontramos la destrucción asociada a la figura del monstruo y el muerto viviente, fenómenos que entroncan con la estética de lo siniestro. A medida que avanzamos en la investigación, nos encontramos con el emplazamiento autoritario y enajenante de la técnica, que a su vez nos remite a fenómenos de la gubernamentalidad moderna y la preponderancia de la esfera económica por sobre la comunidad. Finalmente, la destrucción total se ejemplarizará como un proceso que tiende a resituar las relaciones de identidad, emergiendo complejos procesos de desterritorialización, que a su vez implicaran modelizaciones de la propia subjetividad.

Trabajo de Investigación Requisito para optar al Título de Cirujano Dentista / Introducción: Actualmente, los pacientes además de consultar por problemas de salud, lo hacen para mejorar su aspecto estético. Existen patrones estéticos que permiten aproximar, mediante tratamientos, la belleza de un rostro al ideal. Sin embargo, diversos estudios señalan que existen discrepancias entre la visión profesional, basada en dichos patrones, y los deseos del paciente. Por lo anterior, nace la necesidad de utilizar herramientas que permitan conciliar ambas visiones. Es por estas razones que esta tesis busca diseñar un cuestionario para medir percepción de estética facial y contribuir a su validez y confiabilidad. Materiales y métodos: Para la creación del instrumento se generaron 67 ítems a partir de un estudio cualitativo previo (entrevistas a individuos chilenos), de la revisión y análisis de la literatura y de consulta a dos artistas expertos. La validez de contenido se evaluó mediante un panel de 9 expertos. Se evaluó y mejoró la viabilidad luego de aplicar un pre-test a 14 personas. Para contribuir la validez de constructo y la confiabilidad como consistencia interna se aplicó el test a una muestra de 174 individuos chilenos entre 18 y 72 años. Para determinar confiabilidad como estabilidad temporal se aplicó un re-test a 63. Se utilizaron 5 fotografías de un rostro femenino (frontal y perfil serio; frontal, perfil y semi-perfil sonriente). La consistencia interna se obtuvo por coef.  de Cronbach, la estabilidad test re-test se cuantificó mediante correlación de Pearson. Para contribuir a la validez de constructo se realizó un análisis de componentes principales con rotación varimax y se correlacionó, con r de Pearson, ítems y preguntas que teóricamente se encuentran asociadas. A partir de los resultados se generó la versión final y se evaluó su consistencia interna. El análisis de los resultados se realizó con el paquete estadístico STATA 10. Resultados: El análisis de la consistencia interna arrojó un valor  de Cronbach inicial y final de 0,93. El coef. de estabilidad temporal fue r=0,71. Del Análisis de componentes principales se extrajeron 8 factores. Las correlaciones obtenidas entre ítems y preguntas fueron medias pero sustanciales. Conclusiones: 44 ítems, de los 67 iniciales, componen el cuestionario final. El instrumento posee una adecuada validez de constructo y una excelente confiabilidad por consistencia interna. Sin embargo, son necesarios más estudios tendientes a contribuir a la validez total.

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Magíster en artes, con mención en teoría e historia del arte) / Esta investigación es una tentativa de explicación a dos momentos de la estética musical de Theodor W. Adorno: el carácter fetichista de la música, su consecuente regresión de la escucha y el concepto de obra de arte autónoma como manifestación histórica y social, que en su escisión pierden de vista el hecho fundamental por el cual tienen ambos momentos sus condiciones de producción; a saber, la instancia epocal del capitalismo tardío y el relato –íntimamente imbricado- de la industria cultural. Partiendo de esta premisa, se indagarán en la obra de Adorno lugares donde encontrar esta aparente dicotomía que en términos conceptuales pasa por la contradicción fundamental del arte al interior de su existencia ideológica: la dialéctica y su potencialidad en la relación de identidad y diferencia. / Octubre 2019

Este estudio nace desde tres areas de investigación: la estetica feminista, la terapia artística y la expresión plastica, partiendo de la obra de la artista Louise Bourgeois. El primer capítulo, "Influencia feminista en Louise Bourgeois", considera la estética y crítica feministas en relación al postmodernismo, el feminismo y la historia. Por una parte, el trabajo de Bourgeois se aprecia bajo la relación entre semiótica, filosofía, sociología, psicología y estética. Por otra parte, se estudia la presencia de la tejeduría y labor de aguja en la obra de Bourgeois, analizándose la representación pictorica o interpretación literaria de la costura junto con el oficio del hilado, desde la estética feminista. Además, se consideran las similitudes de su obra con el "fiber art", arte realizado principalmente con fibras y vincula culturas ancestrales. Más alla, se estudia la presencia de la moda en la obra de Bourgeois, como objeto de reflexión feminista. "Razones intimas para la creación", el segundo capitulo, muestra como Bourgeois busca una cura para un dolor generado en los traumas de su niñez y adolescencia. El análisis que varios autores han realizado sobre el aspecto terapeútico de la obra de Bourgeois expone la traición y el abandono que la artista sufre por parte de sus seres queridos. Como consecuencia de que los traumas son generados en el entorno familiar, la familia sera el nucleo desde el cual Bourgeois genera su plástica curativa. A traves de representaciones parciales del cuerpo, Bourgeois reflexiona sobre el dolor y denuncia la violencia hacia la mujer, ya sea de tipo psíquico o fisico. Esto nos permite comparar su obra con la de artistas como Magadalena Abakanowicz u Orlan, que han recurrido a la deconstrucción del cuerpo para expresar el dolor. Pero, el anhelo por la cura se ve reflejado principalmente en la figura de su madre, la cual inspira en Bourgeois, de modo ambiguo, una actitud contradictoria hacia los recuerdos de su niñez. Además, considerando las multiples y animalescas representaciones que realiza de la madre, es posible analizar su obra desde un plano en el que la mitología y las teorías feministas se solapan. "Bajo la optica surrealista" es el último capítulo de esta tesis. En el se exponen las connotaciones psicoterapéuticas del universo plastico de Bourgeois. A su vez, se analizan las influencias recibidas de artistas como Joan Miró, Salvador Dalí, Remedios Varo o Leonora Carrington, entre otros, en torno a la representación de la androginia, la símbologia, la convivencia con la naturaleza, el autoanálisis y el sueño. / This study parts from three areas of investigation: feminist aesthetic, artistic therapy and plastic expression, based on Louise Bourgeois work.In the the first chapter, "Feminist influence on Louise Bourgeois", feminist criticism and aesthetics are considered in relation to postmodernism, feminism and history. On the one hand, Bourgeois work is appreciated under the relation between semiotics, philosophy, sociology, psicology and aesthetics. On the other hand, her work is analized through pictorial representations or literary interpretations of sewing and spinning from feminist aesthetics's point of view . Besides, it is also considered the similitude of her drawings and sculptures with fiber art works, constructed with fibers and rooted in ancient cultures. And, as a way towards feminism, the presence of fashion in Bourgeois work is also analized. "Intimate reasons for creation", the second chapter, shows how Bourgeois searches for a way to heal her pain, generated in her childhood and youth traumas. The analisys that several authors have done about the therapeutic aspect of her work, shows the treason and abandonment of her loved ones, even her mother. As a consequence of her traumas being originated within the familiar environment, it is from the family unit that Bourgeois generates her healing practice.From partial representations of the body, Bourgeois reflects her pain and denounces violence against women wether phisic or psychic. This allows the comparison of her works with that of others like Magdalena Abakanowicz or Orlan. But, her wish for healing is mainly expressed by representations of her mother. This figure, inspires her ambiguous actitude towards childhood memories. Considering multiples and animallike representations of her mother is possible to analize her work from overlapped mithology and feminist aesthetics. "Under a surrealist view" is the last chapter of this thesis. Psicotherapeutical connotations of Bourgeois plastic universe are shown here. Influences concerning androginy, simbology, convivial with nature, autoanalisis and dream, of artists as Joan Miro, Salvador Dalí, Remedios Varo or Leonora Carrington, among others, are analized.