Cette thèse pose la question de l’exigence artistique dans les pratiques théâtrales en amateur. On s’appuie principalement sur l’observation de festivals de portée départementale ou nationale, suivant l’hypothèse que ces manifestations favorisent les discussions sur les choix esthétiques. La recherche se déploie autour d’une interrogation : quand une activité artistique se pratique dans un cadre non professionnel, comment s’articulent les objectifs d’amélioration de la qualité des spectacles avec le souci de maintenir un respect mutuel ? Constituée à partir de l’analyse des représentations et des rencontres inscrites à l’affiche des festivals, l’étude a été complétée par des entretiens avec les membres des troupes participantes, des comités d’organisation ou des jurys, dont certains artistes professionnels. On structure les résultats obtenus en s’intéressant d’abord aux conditions dans lesquelles les amateurs satisfont leur passion et en évoquant les moyens et les outils dont ils se dotent collectivement pour y parvenir. Puis on envisage les façons dont les amateurs exercent leur jugement quand il leur faut construire le programme d’un festival. On aborde alors les festivals en les considérant comme des expériences de vie et on considère les valeurs mises en œuvre dans ces aventures humaines. Un dialogue est instauré entre tous ces aspects et différentes conceptions théoriques de l’art, selon que l’accent est placé sur ce qui se passe lors d’une représentation, sur les intentions, sur l’expertise ou sur les effets. On insiste sur la dimension sociale de ces pratiques et sur le fait que le temps disponible est consacré de préférence au plateau, plutôt qu’aux discours / This thesis deals with the question of the artistic demand in amateur theatre practices. It mainly relies on the observation of national or departmental festivals, based on the assumption that these events allow for the debating about aesthetical choices. The research is driven by on the interrogation: when one practises an artistic activity as a non-professional, how to articulate the objectives of improving the quality of the shows with the concern for maintaining a mutual respect? The study analyses performances and group discussions scheduled during the festivals, completed by interviews with some members of companies, or of the organising committees, or of the juries, some of them being professional artists. The results are taken up, in turn, beginning with the conditions under which the amateurs satisfy their passion, including the means they collectively develop and put into action, therefore. Then the ways of assessing one’s taste when having to elaborate the program of a festival are examined. It is then proposed to regard festivals as whole experiences of life and to take into account the values which are at work during these human adventures. All these aspects are put into dialogue together with some theoretical conceptions of art, according to the most significant elements: intentions, expertise, effects. The social dimension of the practices is underlined, as well as the fact that amateurs have rather spend their time on scene, rather that discussing

La présente recherche a pour but d’étudier le rôle du temps dans les expériences artistique et esthétique relatives à la performance artistique. Cette étude porte sur les œuvres et les pratiques de la performance du XXe et du début du XXIe siècles, allant des premières manifestations publiques des avant-gardes historiques jusqu’à la performance augmentée par l’intégration des nouvelles technologies de l’enregistrement, de l’information et de la communication. Partant de l’hypothèse de l’efficience du composant temporel de la performance, il s’agit tout d’abord de démontrer que la structure temporelle de la performance fait l’objet d’une élaboration artistique réfléchie et que le temps peut être considérée comme « matériau » ou « milieu » de l’œuvre-performance. Les analyses de la dimension temporelle des œuvres particulières révèlent également son pouvoir d’agir sur le vécu de tous les protagonistes réunis au sein de la performance-événement et sa capacité de les impliquer à différents degrés dans le processus de la concrétisation de l’œuvre-performance. Ces différentes fonctions du temps, son « activité » et son mode opératoire sont analysés au cours de cette recherche en tant qu’ « agentivité du temps dans la performance ». À l’issue de ces investigations, le temps apparaît comme l’un des facteurs ontogénétiques de l’œuvre-performance fondant sa spécificité, et comme l’une de ses qualités intrinsèques susceptible de déterminer les conduites artistique et esthétique de l’artiste et du spectateur, au point de les rendre interchangeables. / The objective of the present research is to investigate the role of time in artistic and aesthetic experiences pertaining to performance art. This paper focuses on the performance works and practices of the 20th and early 21st centuries, ranging from the first public performances of historical avant-garde movements to the performance augmented through the use of the latest recording, information processing and communication technologies. Starting with the hypothesis of the efficiency of a performance’s temporal component, we first demonstrate that the temporal structure of a performance is the matter of well-thought-out artistic design, and that time can be regarded as the medium, or “milieu” of a performance work. Moreover, analyses of the temporal dimension of individual performance works reveal how time can affect the real-life experience of all the protagonists taking part in the performance-event, involving them, to varying degrees, in the process through which the performance comes into being as a work of art. These multiple functions of time, its “activity” and modus operandi are discussed throughout this study as “agency of time in performance”. The research shows that time turns out to be one of the ontogenetic, specificity-conferring factors of a performance work, and also one of its intrinsic qualities which is likely to determine the artist’s and spectator’s artistic and aesthetic attitudes to such an extent that they become interchangeable.

Des architectes et artistes ont utilisé la photographie comme outil de la création et de l’analyse en architecture. Ce postulat est à la base de ce projet de thèse qui a pour sujet général la contribution de l’expérience photographique à la pensée en architecture. Ici, la notion d’expérience photographique est comprise dans un sens proche de l’expérience artistique selon le philosophe John Dewey. Dewey considérait l’expérience d’un art comme un outil pédagogique permettant d’apprendre à penser et à développer un sens critique. L’expérience était pour lui une manière d’approcher esthétiquement le monde et de le comprendre en dehors d’un cadre strictement scientifique. Si des travaux de recherche antérieurs ont permis de retracer l’histoire d’expériences photographiques d’architectes, dont Mies van der Rohe, Le Corbusier et Stirling et, aussi, de mieux cerner leurs rôles dans la construction de leur pensée architecturale respective, les origines des expériences photographiques de l’architecte, artiste et théoricien de renom Melvin Charney (1935-2012) et leurs contributions dans la construction progressive de sa pensée n’ont pas été clairement circonscrites. L’objectif spécifique de cette thèse est, en conséquence, de clarifier les contours des expériences photographiques de Charney et offrir une compréhension plus large de leur contribution dans l’histoire de sa pensée. Le dépouillement d’archives personnelles de Charney conservées au Centre canadien d’architecture et l’analyse du contenu de documents produits avant et pendant ses études en architecture ont permis d’identifier pour quels les motifs et sous quelles influences la photographie s’est introduite dans son œuvre. En particulier, mais non exclusivement, ont été mises en relief, dans l’œuvre – déjà largement étudiées - de Charney, des ramifications d’expériences photographiques de László Moholy-Nagy, d’Erich Mendelsohn, de James Stirling, de Walker Evans et d’Edward Ruscha. Enfin, en partie grâce aux apports de ses expériences photographique, Charney a appris de l’environnement bâti et, aussi, à penser sur l’environnement bâti. Plus spécifiquement, cette étude démontre qu’en travaillant avec la photographie Charney a appris à analyser ce qui est déjà là pour mieux comprendre l’origine des formes bâties. Également, la photographie a été omniprésente dans ses approches de la figuration critique de l’environnement bâti, de la réévaluation des bases de la discipline architecturale et de l’enseignement critique de l’architecture – l’architecture étant pour lui une pratique résolument sociale. Plus largement, cette thèse contribue à la connaissance de la production artistique comme stratégie de recherche dans les disciplines de l’architecture et du design de l’environnement et à l’essentielle reconnaissance d’expériences autres, entre art et architecture, comme leviers d’une pensée architecturale critique. / Architects and artists used photography as a tool for creating and analyzing architecture. This postulate is the basis of this thesis project whose general purpose is the contribution of photographic experiences in architectural thinking. Here, the notion of photographic experience is used in a sense comparable to the artistic experience defined by the philosopher John Dewey. Dewey understood the experience of an art as an educational tool to learn to think and develop a critical sense. Experience was for him a way to aesthetically approach the world and understand it outside a strictly scientific framework. If historians have already traced the history of photographic experiments of architects, including Mies van der Rohe, Le Corbusier and Stirling and, also, have identified the roles of photography in the construction of their respective architectural thinking, the origins of photographic experiments by renowned architect, artist and theorist Melvin Charney and their contributions in the progressive construction of his thought have not been clearly circumscribed. The specific purpose of this thesis is, consequently, to clarify the surrounding of Charney's photographic experiences and offer a broader understanding of their contributions in the history of his architectural thinking. Charney's motifs and influences in his photographic experiments and reflections on photography were identified through an investigation into his personal archives held at the Canadian Center for Architecture and the analysis of the content of documents that he produced before and during his studies in architecture. In particular, ramifications in Charney's work of photographic experiments of Laszlo Moholy-Nagy, Erich Mendelsohn, James Stirling, Walker Evans and Edward Ruscha have been revealed. Finally, partly thanks to the contributions of his photographic experiences, Charney learned from the built environment and to think about the built environment. More specifically, this study demonstrates that working with photography Charney has learned to analyze what is already there to better understand the origin of built forms. Also, photography was for him a tool for the critical figuration of the built environment, for the re-evaluation of the bases of the architectural discipline and, moreover, for the critical teaching of architecture. More broadly, this thesis contributes to the knowledge of artistic production as a research strategy in the disciplines of architecture and environmental design and to the essential recognition of other experiences, between art and architecture, as catalyst of a critical architectural thinking.