Y a-t-il un rapport entre l'effet provoqué par une image et sa texture? L'illusionnisme pictural issu de la Renaissance, fondé sur la perspective linéaire, avait cherché à effacer toute trace de la facture en peinture. La présence du corps de l'artiste dans cette facture devenue apparente n'apporte-t-elle pas une émotion plus immédiate? Cette thèse montre que les découvertes des sciences cognitives sur la perception ont été pressenties par des peintres des XIX et XXe siècles, en particulier B. Morisot, V. Van Gogh, et F. Bacon qui ont bouleversé les habitudes du regard. Ces artistes se sont rendus compte qu'une image parcellaire, gardant sa facture visible, ne nuisait pas à la réception de celle-ci, au contraire. Van Gogh et Bacon ont fait remarquer qu'une telle manière de représenter, favorisant les "imperfections", laissant la matière apparente, produisait sur le spectateur un effet plus immédiat et plus fort qu'une autre à l'aspect fini, maîtrisé rationnellement du début à la fin. Sera analysée la démarche de ces peintres qui vont vers une prise de conscience fort intéressante au regard des sciences cognitives. Une étude anatomique et psycho-physiologique de la vision montre d'étonnantes passerelles avec les intuitions de ces peintres. La trace du geste donne des informations motrices que le cerveau peut capter. Le flou, l'inachevé appellent notre perception à combler les vides, car le cerveau ne cesse de scénariser, à l'origine pour sa sauvegarde, à partir de ce qui n'est que probable, incertain. Les surfaces où la texture est très apparente nous font pénétrer au cœur du processus de fabrication de l'œuvre, et aux conditions de possibilité de la créativité / Is there a connection between the effect produced by an image and its texture? The pictorial illusionism of the Renaissance, based on linear perspective, attempted to erase all traces of the facture in paintings. But it seems that the presence of the artist’s body in the facture of the work provokes a more immediate emotion drawn from the origins of perception. This thesis will show that discoveries in cognitive sciences on perception were anticipated by painters of the XIX and XXth centuries, especially B. Morisot, V. Van Gogh, and F. Bacon, who contributed to change the habits of seeing. Those artists found out that an incomplete image, which keeps the trace of its facture, doesn’t hinder its understanding, but does quite the contrary. Van Gogh and Bacon noticed that such a way to represent things, leaving imperfections and visible matter, produces on the spectator a more immediate and stronger effect than an image rationally mastered from the beginning to the end. The approach of each of those artists will be analysed ; they had very interesting intuitions regarding recent discoveries in cognitive sciences. Recent results from anatomical and psycho-physiological studies on the mechanisms of vision show astonishing links with the intuitions of the artists. The trace of the gesture gives motor information that the brain can grasp. Our perception completes the gaps of unfinished visual information, because our brain, originally develop for our survival, is used to build scenarios from what is only probable, uncertain. Surfaces where the texture is visible allow us to get inside the process of materially manufacturing the work, and to the conditional options of creativity

L'histoire houleuse de la province du Katanga, et plus largement de la République démocratique du Congo a fortement remanié l'organisation du tissu social traditionnel et la répartition de la population. Dans les villages à proximité des routes, de nombreuses populations cohabitent - Tshokwés, Kasaïen, Amba, Bemba, Lamba, etc. - et essayent de projeter et construire un avenir malgré la rareté des ressources. Dans l'espace rural du Katanga et du nord de la province de la Copperbelt (Zambie), les différentiels économiques, réels et fantasmés, sont omniprésents. La circulation d'expatriés – personnel d'ONG, salariés des sociétés minières, missionnaires, etc. - et la présence de « creuseurs » ou encore le va-et-vient de camions transportant le minerai exacerbent la conscience de pauvreté des habitants. Les moyens de communication modernes, le modèle de consommation occidental ont été assimilés avec une brutale rapidité transformant radicalement les modes et manières de se représenter, et en répercussion la conscience de soi des individus (De Lame et Dibwe, 2005 : 36). La jeune génération, et notamment dans les villages où la marge de manœuvre créatrice est plus grande, réinvente ces codes au travers des décorations en argile, en usant d'un legs dont elle n'a pas nécessairement conscience. La « guerre sociale des signes » (Ouedraogo, 2008 : 8) qui accompagne la globalisation nécessite de mieux comprendre les processus de représentation et c'est ce que vise cette recherche ; il s'agit donc dans cet ouvrage de mieux percevoir la façon dont se disent les individus que sont les habitants de trois villages de la Copperbelt africaine, voire la façon dont ils s'affichent par le biais des décorations. “Décorations, peintures et images de soi ; les processus de représentation à l'ère du Village-Global : Études de cas dans trois villages de la Copperbelt africaine” analyse ainsi les représentations produites par les habitants des villages de Makwacha (République démocratique du Congo), de Kakyelo (DRC) et de Mudenda (Zambie) au travers des décorations réalisées sur les murs des cases. / My research analyzes the mural paintings realized in the villages of Makwacha (Democratic Republic of Congo), Kakyelo (DRC) and Mudenda (Zambia). These mural paintings, while displaying apparently heterogeneous aesthetics, show similar production process (a mostly female collective dynamic, a similar use of clay and organic mixture as painting materials) that suggest their link to the former Lamba tradition called kushingula. Over the last 50 years, great economic and political changes have occured in Zambia and Democratic Republic of Congo. How do these mural paintings practices relate to each other ? What social status do have these paintings nowadays? Who does realize them and for which reasons? What kind of narratives do they elaborate? In order to understand what mirror these practices, I investigate on the inhabitants' motivations and sources of inspiration and the singular histories of each village, connecting individuals' initiatives and influences with village economic issues and structural organization. Indeed, along with the inhabitants, these mural painting practices involve a wide range of actors (NGO, tourists, journalists, artists, etc.) intertwinning different scales, divergent interests and heclectic imaginaries which question how cultural values and signs constantly (re)emerged from heterogenous agencies and how it circulates through individuals and groups.

Submitted by Rosivalda Pereira (mrs.pereira@ufma.br) on 2017-05-23T18:12:18Z No. of bitstreams: 1 ClaudiaSousa.pdf: 5971332 bytes, checksum: 1c02da26d843f4e31aa1a01e3af31c3e (MD5) / Made available in DSpace on 2017-05-23T18:12:18Z (GMT). No. of bitstreams: 1 ClaudiaSousa.pdf: 5971332 bytes, checksum: 1c02da26d843f4e31aa1a01e3af31c3e (MD5) Previous issue date: 2016-08-02 / La présente étude traite l’importance de la pédagogie du théâtre dans le cadre de l’éducation artistique de l’école de la coupure de l’histoire d’art au Brésil, en mettant l’accent sur l’approche triangulaire, inventé par Ana Mae Barbosa et les jeux théâtral comme références pédagogiques, soulignant l’importance de l’expérience et l’éducation esthétique dans le cadre de l’école publique comme l’espace démocratique pour l’exercice de la citoyenneté et une expérience significative dans le domaine de l’art. Si l’écrêtage épistémologique de l’art-éducation et les pédagogies théâtre compte tenu la perspective moderne et post-moderne du point de vue de l’art, l’éducation et la culture sous l’optique de Friedrich Schiller, Jean-François Lyotard, particulièrement la théorie de l’éducation tragique de Friedrich Nietzsche comme approche extemporanée de l’éducation postmoderne au théâtre. Se présente comme une référence et un mémoire de formation des enseignants pour subventionner le développement des pratiques pédagogiques, les processus de création, pour l’enseignement du théâtre dans les écoles publiques de l’enseignement secondaire se compose de la possibilité de découvrir l’art théâtral comme un créateur et un spectateur d’un phénomène qui met face à face les histoires individuelles et des constructions collectives. Analyser l’expérience pédagogique du théâtre, spectacles et festivals, développés dans les centres de l’enseignement Barjona Lobão, Liceu Maranhense et Maria do Socorro Almeida, située dans la ville de Luís São-MA, dans le but d’établir une ligne de procédures méthodologiques pour l’enseignement du théâtre, dans la perspective de référencement de ces expériences comme une expérience tragique, comme (re) signification de la vie pour les jeunes du secondaire des écoles publiques à São Luís (MA). On dit que la dernière expérience comme révélant la possibilité d’éducation basée sur la Nietzscheano tragique qui s’est tenue sur les expériences et les expériences artistiques comme le désir et l’expérience de la vie. / O presente estudo aborda a importância da Pedagogia de Teatro no contexto da arteeducação a partir do recorte histórico do ensino da Arte no Brasil, com destaque para a Abordagem Triangular, cunhada por Ana Mae Barbosa e para os jogos teatrais como referências pedagógicas, apontando para a importância da experiência e da educação estética no contexto da escola pública enquanto espaço democrático de exercício da cidadania e de experiências significativas para o campo da Arte. Faz-se o recorte epistemológico da arte-educação e das pedagogias do teatro considerando-se o Moderno e o Pós-Moderno pela perspectiva da Arte, da Educação e da Cultura sob a ótica de Friedrich Schiller, Jean-François Lyotard, destacando-se a Teoria da Educação Trágica de Friedrich Nietzsche como enfoque extemporâneo de educação pós-moderna para o teatro. Apresenta-se como referência de memória e de formação docente para subsidiar o desenvolvimento das práticas pedagógicas, nos processos de criação, para o ensino do teatro nas escolas públicas de Ensino Médio que consiste na possibilidade de vivenciar a arte teatral como criador e como fruidor de um fenômeno que coloca frente a frente histórias individuais e construções coletivas. Analisa-se o experimento pedagógico do fazer teatral e da realização de mostras e festivais desenvolvidos nos Centros de Ensino Barjona Lobão, Liceu Maranhense e Maria do Socorro Almeida, localizados na cidade de São Luís- MA, com o objetivo de estabelecer uma linha de procedimentos metodológicos para o ensino do teatro, na perspectiva de referenciar estes experimentos como experiência trágica, como (re) significação de vida para os jovens das escolas públicas de Ensino Médio em São Luís - MA. Afirma-se o último experimento como revelador da possibilidade de Educação com base no trágico Nietzscheano realizado nas vivências e experiências artísticas enquanto experiência de vida e vontade da potência.

Cette thèse CIFRE, effectuée au Laboratoire LCPI avec les partenaires Alcatel-Lucent Bell Labs France et Strate Collège, explore le concept de l'expérience esthétique des concepteurs dans le contexte de l'innovation et du travail pluridisciplinaire.Un des intérêts actuels de la recherche en design se focalise sur l'expérience utilisateur (UX) et propose des modèles et des méthodes pour comprendre ce concept pour la conception. D'autres études récentes portent sur l'expérience esthétique dans les organisations. Au travers d'une approche Recherche-Action, nous prolongeons la connaissance sur l'expérience esthétique avec un changement de perspective, de l'expérience de l'utilisateur vers l'expérience des concepteurs. Dans une étude qualitative et quantitative nous modélisons le concept de l'expérience esthétique dans un département de recherche. Notre terrain est constitué de projets pluridisciplinaires de l'Applications Research Domain (APPRD), le département pluridisciplinaire de Alcatel-Lucent Bell Labs. Nous étudions les projets les plus riches, mémorables, transformateurs - ceux qui ont donné lieu à des expériences esthétiques dans le travail des concepteurs, pour comprendre quel est le lien entre ces projets, les pratiques design et la culture d'innovation. Finalement nous proposons un modèle de l'expérience esthétique dans ce contexte et nous montrons de premières implications pour déclencher ce type d'expérience dans un département multidisciplinaire de R&D. / This thesis, conducted at Alcatel-Lucent Bell Labs France under the supervision of LCPI Laboratory and Strate Collège, explores the concept of aesthetic experiences in an R&D department.One of the current interests of design research explores the concept of User eXperience (UX) and provides frameworks and methods to observe, describe and generate a rich product experience. Other recent studies focus on the aesthetic experience in organizations. Using an Action-Research approach, we extend the knowledge on aesthetic experiences through a new perspective: rather than looking at the users' experience, we framework the experience of multidisciplinary R&D teams through a qualitative and quantitative study. Our experimentation field consists of multidisciplinary projects from the Applications Research Domain (APPRD) - the multidisciplinary department of Alcatel-Lucent Bell Labs. We study the most memorable projects - those that trigger aesthetic experiences in the work experience of research-engineers. Our goal is to understand what is the link between aesthetic experience feelings, design practices and aspects of the innovation culture. Finally, we propose a descriptive framework of aesthetic experience in this context and we show first implications to trigger this type of experience in a multidisciplinary R&D department.

Cette recherche a pour but le développement d’un modèle didactique de l’enseignement-apprentissage de l’expérience esthétique de l’art postmoderne dans le contexte de la formation en arts visuels au collégial où trois principaux défis se posent. L’art postmoderne s’inscrit dans un nouveau paradigme caractérisé par la perte de critères esthétiques et un foisonnement des pratiques qui rendent ses contours difficiles à définir. S’ajoutent à cela une forte présence des préceptes modernistes en didactique des arts visuels et une absence de ressources pour l’enseignement-apprentissage de l’expérience esthétique de l’art postmoderne. Notons aussi le malaise qui persiste à son égard chez l’apprenant adulte. La problématique de l’enseignement-apprentissage de l’expérience esthétique de l’art postmoderne s’oriente donc autour de trois dimensions : épistémologique, praxéologique et psychologique. De nature qualitative/interprétative, cette recherche s’est tenue avec la participation de onze enseignants en arts visuels ou en histoire de l’art du Département des arts du Cégep de l’Outaouais. Les résultats ont été obtenus par la rédaction d’un journal de bord de la part de la chercheure, mais aussi par l’alternance de deux entrevues individuelles avec trois entretiens de groupe réalisés avec les participants. Selon un devis de recherche développement, la démarche d’investigation a été établie suivant la métaphore de la carte et de la boussole avancée par Fabre (2011a, 2011b). Cette métaphore a guidé les trois objectifs de recherche balisés par les activités de cartographier, de localiser et d’orienter. Ce faisant, nous avons élaboré une matrice disciplinaire (Develay, 1992) de l’enseignement-apprentissage de l’art postmoderne qui nous a permis de cartographier, sous forme de cartes conceptuelles, les connaissances déclaratives (dimension épistémologique), les objets, les tâches et les activités ainsi que les connaissances procédurales qui y sont associés (dimension praxéologique). Nous avons également localisé les étudiants en ce qui a trait à l’expérience esthétique de l’art postmoderne en précisant quelles étaient leurs différentes positions lors de leur entrée dans le programme ainsi que celles où ils se trouvent en fin de parcours (dimension psychologique). L’étude des écarts entre la situation initiale et la situation souhaitée à la fin du programme ont contribué à cibler les objectifs de formation. Cette démarche de localisation a été appuyée par un cadre théorique issu d’une juxtaposition entre le modèle de l’expérience esthétique par interaction (Csíkszentmihályi et Robinson, 1990) et les stades de développement esthétique (Housen, 1983). De manière concomitante avec les deux premiers objectifs de recherche, nous avons finalement présenté le modèle didactique. Ce dernier reprend la forme du système didactique (Chevallard, 1985/1991) placée dans un contexte (Dabène, 2005) auquel nous avons ajouté quatre concepts intégrateurs (Develay, 1992) : l’hétérogénéité, l’identité, l’engagement et le trialogue. Ces quatre concepts représentent la trame organisatrice du modèle didactique développé. Telle une boussole, le modèle didactique a donc pour principale fonction d’orienter la pratique des enseignants sans toutefois imposer une voie à suivre. En tant que représentation simplifiée de l’enseignement-apprentissage de l’expérience esthétique de l’art postmoderne, il guide la pratique tout comme il se veut un référent théorique permettant un regard réflexif sur ce qui est réalisé en classe en termes de contenus disciplinaires, d’approches praxéologiques. Il permet aussi de se pencher sur les modalités d’appropriation disciplinaire et des obstacles susceptibles de freiner ce dernier.

Cette thèse est une réflexion inspirée de mon expérience personnelle. Ce texte retrace le parcours créatif de deux œuvres scéniques contemporaines destinées à des publics situés aux deux extrémités de l’enfance : les 0-3 ans et les adolescents. En s’appuyant sur la définition de l’expérience esthétique de Jean-Marie Schaeffer, une analyse scénique et dramaturgique de ces réalisations met à jour les stratégies des artistes pour capter l’attention de ces publics et leur faire vivre une expérience cognitive et affective significative. Les œuvres complexes et interdisciplinaires et la qualité de leur mise en relation avec les publics choisis sont les plus susceptibles d’offrir les conditions à une expérience esthétique mémorable. L’intensité de l’expérience dépend aussi de la condition du récepteur, de sa curiosité, de son ouverture pour accueillir l’autre, la nouveauté, l’étrange, tout ce qui diffère de ses croyances et qui va au-delà de ses connaissances immédiates. Une expérience esthétique peut modifier l’organisation des schèmes mentaux, innés ou acquis, et mettre en marche une réflexion sur soi et le monde dans lequel on vit. Schaeffer nous rappelle que l’enfance est un temps particulièrement propice à vivre une expérience esthétique qui est celle d’une relation avec un ou des objets réunis dans un cadre particulier, un moment unique qui suspend le temps dans une attention exacerbée et suscite un état de pleine conscience. Respecter l’intelligence des enfants, c’est leur donner accès à plus grand qu’eux.

Ce mémoire s’inscrit dans le domaine de l’architecture du paysage et du design urbain. La recherche se construit autour d’un questionnement sur le sens pouvant être attribué au parc La Fontaine par ses usagers en tant que cadre de vie urbain montréalais. Ce parc est un lieu emblématique de la ville par le caractère historique de son aménagement. Il est aussi un lieu populaire par sa situation géographique centrale au sein de l’arrondissement du Plateau-Mont-Royal. Par l’analyse de ce parc, nous cherchons à porter un regard sur la manière dont se construit l’expérience d’un parc urbain dans les particularités de son aménagement, de son contexte social et culturel. Notre étude semble pertinente dans la mesure où cet espace n’a jamais été abordé selon l’analyse de l’expérience paysagère. Notre réflexion se construit à partir d’un modèle socioculturel soutenu par une revue de littérature en architecture de paysage. Les travaux menés à la Chaire en paysage et environnement de l’Université de Montréal ont particulièrement été sollicités. Ce modèle considère le paysage comme une qualification sociale et culturelle d’un territoire. Il engage l’analyse vers des perspectives pluridimensionnelle, expérientielle et polysensorielle, tout en considérant le caractère formel (attributs physiques) du paysage. Nous avons également joint à ce cadre théorique les recherches menées en design et en anthropologie des sens. Ces axes de recherche éclairent les notions de l’expérience esthétique et sensorielle particulièrement en regard de la compréhension du vécu d’un espace ordinaire et quotidien. Selon ce cadre conceptuel, notre recherche fait appel à une approche compréhensive. Ainsi, nous abordons l’expérience du parc par un modèle d’analyse mettant l’emphase sur les usages, l’interprétation et la représentation de l’aménagement du parc La Fontaine. La méthodologie s’appuie sur une démarche de recherche qualitative. Elle se fonde sur une observation non participante des usagers du parc, sur des entretiens semi-dirigés et sur une étude physico-spatiale du lieu. Ce mémoire a pour finalité de conduire une première lecture du parc La Fontaine en abordant les dimensions composant le vécu de ses usagers. Nous espérons pouvoir contribuer à notre échelle à l’avancée des connaissances de cet espace du point de vue expérientiel et de la perspective paysagère sur la compréhension des parcs urbains. / This thesis involves the fields of landscaping architecture and urban design. The research questions the meaning that can be attributed to the La Fontaine park by its users within the framework of urban life in Montreal. This park is a symbolic place in this city by its historic character. It is also a popular location due to its central geographical placement within the district of the Plateau-Mont-Royal. We attempt to explain the way the experience of an urban park relates to the peculiarities of its design, as well as to its social and cultural context, such as that represented by the city of Montreal. Our study seems relevant as this space was never approached with respect to the experience of its landscape. Our reflection builds on a socio-cultural model supported by a literature review in landscaping architecture. In particular, the works led by the Chair in landscaping and Environment of Montreal University were referenced. The employed model considers the landscape a social and cultural qualification of a territory. The analysis is thus directed towards a multi-dimensional reading of everyday experience, all while considering the landscape in its formal qualifications (physical attributes). We have also accompanied this theoretical support by research in design and in anthropology of the senses. These research areas help clarify the role of aesthetic and sensory experiences in the everyday lives of people. According to this conceptual framework, our research develops a comprehensive approach. We thus treat the experience of the landscape with an analytical model emphasizing the use, the interpretation and the representation of the La Fontaine Park landscape. Methodologically, the study uses a qualitative approach compiling a spatial and experiential analysis of the landscape. The study therefore builds on an in situ investigation through non-participatory observation, semi-directed interviews and a physical analysis of the space. This research may offer a first reading of the dimensions at play in the everyday experience of the La Fontaine Park by its users. We hope to contribute to the advancement of the knowledge of this space from an experiential perspective and of the research in urban park design.

Ce mémoire s’inscrit dans le domaine de l’architecture du paysage et du design urbain. La recherche se construit autour d’un questionnement sur le sens pouvant être attribué au parc La Fontaine par ses usagers en tant que cadre de vie urbain montréalais. Ce parc est un lieu emblématique de la ville par le caractère historique de son aménagement. Il est aussi un lieu populaire par sa situation géographique centrale au sein de l’arrondissement du Plateau-Mont-Royal. Par l’analyse de ce parc, nous cherchons à porter un regard sur la manière dont se construit l’expérience d’un parc urbain dans les particularités de son aménagement, de son contexte social et culturel. Notre étude semble pertinente dans la mesure où cet espace n’a jamais été abordé selon l’analyse de l’expérience paysagère. Notre réflexion se construit à partir d’un modèle socioculturel soutenu par une revue de littérature en architecture de paysage. Les travaux menés à la Chaire en paysage et environnement de l’Université de Montréal ont particulièrement été sollicités. Ce modèle considère le paysage comme une qualification sociale et culturelle d’un territoire. Il engage l’analyse vers des perspectives pluridimensionnelle, expérientielle et polysensorielle, tout en considérant le caractère formel (attributs physiques) du paysage. Nous avons également joint à ce cadre théorique les recherches menées en design et en anthropologie des sens. Ces axes de recherche éclairent les notions de l’expérience esthétique et sensorielle particulièrement en regard de la compréhension du vécu d’un espace ordinaire et quotidien. Selon ce cadre conceptuel, notre recherche fait appel à une approche compréhensive. Ainsi, nous abordons l’expérience du parc par un modèle d’analyse mettant l’emphase sur les usages, l’interprétation et la représentation de l’aménagement du parc La Fontaine. La méthodologie s’appuie sur une démarche de recherche qualitative. Elle se fonde sur une observation non participante des usagers du parc, sur des entretiens semi-dirigés et sur une étude physico-spatiale du lieu. Ce mémoire a pour finalité de conduire une première lecture du parc La Fontaine en abordant les dimensions composant le vécu de ses usagers. Nous espérons pouvoir contribuer à notre échelle à l’avancée des connaissances de cet espace du point de vue expérientiel et de la perspective paysagère sur la compréhension des parcs urbains. / This thesis involves the fields of landscaping architecture and urban design. The research questions the meaning that can be attributed to the La Fontaine park by its users within the framework of urban life in Montreal. This park is a symbolic place in this city by its historic character. It is also a popular location due to its central geographical placement within the district of the Plateau-Mont-Royal. We attempt to explain the way the experience of an urban park relates to the peculiarities of its design, as well as to its social and cultural context, such as that represented by the city of Montreal. Our study seems relevant as this space was never approached with respect to the experience of its landscape. Our reflection builds on a socio-cultural model supported by a literature review in landscaping architecture. In particular, the works led by the Chair in landscaping and Environment of Montreal University were referenced. The employed model considers the landscape a social and cultural qualification of a territory. The analysis is thus directed towards a multi-dimensional reading of everyday experience, all while considering the landscape in its formal qualifications (physical attributes). We have also accompanied this theoretical support by research in design and in anthropology of the senses. These research areas help clarify the role of aesthetic and sensory experiences in the everyday lives of people. According to this conceptual framework, our research develops a comprehensive approach. We thus treat the experience of the landscape with an analytical model emphasizing the use, the interpretation and the representation of the La Fontaine Park landscape. Methodologically, the study uses a qualitative approach compiling a spatial and experiential analysis of the landscape. The study therefore builds on an in situ investigation through non-participatory observation, semi-directed interviews and a physical analysis of the space. This research may offer a first reading of the dimensions at play in the everyday experience of the La Fontaine Park by its users. We hope to contribute to the advancement of the knowledge of this space from an experiential perspective and of the research in urban park design.

Ce travail de thèse présente une recherche sur l’art de la performance et ses implications esthétiques, politiques, éthiques, cognitives et subjectives dans le contexte artistique et culturel de la tradition anthropophagique brésilienne à l’époque où la performance émerge en tant que genre artistique dans les années 1960-1970. Face à de telles implications, l’art de la performance manifeste non seulement un processus d’hybridation des genres artistiques et des rapports entre artiste, œuvre, spectateur, mais aussi une toute autre forme d’existence, un devenir hybride. En tenant compte que « l’hybride » serait un paradigme qui dépasse l’ère de la signification et assume une tendance hégémonique et acritique dans le monde instauré par la modernité occidentale, nous nous interrogeons sur les contributions critiques et les enjeux du processus de devenir hybride dans l’art de la performance et dans la culture face aux mécanismes qui bloquent des nouveaux modes de sentir et de production de la subjectivité.Pour développer ces articulations, nous prenons surtout appui sur la pensée esthétique de Deleuze-Guattari ; l’approche psychodynamique de la subjectivité et ses modes sensibles d’aborder l’altérité dans la pensé de Suely Rolnik ; la reformulation de la tradition anthropophagique selon Le Manifeste Anthropophage d’Oswald de Andrade ; et la théorie sur le perspectivisme et le mythe amérindiens de l’anthropologue Viveiros de Castro. En ce sens, en faveur d’une intensification de la puissance critique du corps et d’autres modes d’existence dans le rapport à l’hybridité du monde, nous proposons de penser l’art performatif comme un paradigme hybride d’une modernité autre. Le mode de création, de résistance et de connaissance du performeur présente une attitude critique et une dynamique hétérogénétique, d’alter-action de lui-même et du monde, qui est assez semblable à celle de l’ancienne matrice anthropologique de l’anthropophagie. Le performeur affirme donc la possibilité d’émergence d’une modernité autre, liée peut-être à un autre type de monde hybride, un monde animiste et complètement anti-monothéiste, qui comprend la vie comme dévoration, comme immanence du danger et imminence du sens, monde où la solidarité sociale se définit en altérité et où la forme indigène du cogito serait « cela existe, donc cela pense ». / The following thesis is a research about the art of performance in its aesthetic, political,ethical, cognitive and subjective implications; within the Brazilian anthropophagy tradition’s artistic and cultural context in the period when the art of performance emerges as an artistic genre, in the sixties and seventies. Faced with such implications, the art of performance not only indicates a process of hybridization of artistic genres and the relations between artist, work and spectator; but also indicates a whole different way of existence: « becoming-hybrid ». Defining « hybrid » as an intruder paradigm who overcomes the age of signification, one that assumes a hegemonic and uncritical trend in the world established by Western modernity; we ask ourselves about the critical contributions and challenges of becoming-hybrid in the art of performance and in the culture, especially considering the mechanisms that blocks the new ways of feeling and of production of subjectivity.To develop this discourse, we lean foremost on the concept of: the esthetic ideas of Deleuze-Guattari; the psychodynamic approach to subjectivity and the sensitive ways to deal with the otherness of thought of Suely Rolnik; the reformulation of the anthropophagic tradition according to the Anthropophagous manifesto by Oswald de Andrade; the theory of perspectivism; and the Amerindian myth by the anthropologist Viveiros de Castro. In this sense, in order to increase the critical power of the body and other ways of existence concerning the hybridization of the world, we propose the thinking of performing art as a hybrid paradigm of some another modernity. The way of creation, the resistance and the knowledge of the performer show a critical attitude and a heterogenetic dynamic, an alter-action of himself and of the world itself, which is very similar to the old anthropological matrix of anthropophagy. The performer, then, affirms the possibility of the emergence of another modernity, possibly linked to another kind of hybrid world, an animistic and completely anti monotheist world, which understands life as devouring, as immanence of the danger and imminence of the meaning. A world where social solidarity is defined by otherness and where the indian cogito would be « it exists, therefore it thinks ».

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