La présente recherche a pour but d’étudier le rôle du temps dans les expériences artistique et esthétique relatives à la performance artistique. Cette étude porte sur les œuvres et les pratiques de la performance du XXe et du début du XXIe siècles, allant des premières manifestations publiques des avant-gardes historiques jusqu’à la performance augmentée par l’intégration des nouvelles technologies de l’enregistrement, de l’information et de la communication. Partant de l’hypothèse de l’efficience du composant temporel de la performance, il s’agit tout d’abord de démontrer que la structure temporelle de la performance fait l’objet d’une élaboration artistique réfléchie et que le temps peut être considérée comme « matériau » ou « milieu » de l’œuvre-performance. Les analyses de la dimension temporelle des œuvres particulières révèlent également son pouvoir d’agir sur le vécu de tous les protagonistes réunis au sein de la performance-événement et sa capacité de les impliquer à différents degrés dans le processus de la concrétisation de l’œuvre-performance. Ces différentes fonctions du temps, son « activité » et son mode opératoire sont analysés au cours de cette recherche en tant qu’ « agentivité du temps dans la performance ». À l’issue de ces investigations, le temps apparaît comme l’un des facteurs ontogénétiques de l’œuvre-performance fondant sa spécificité, et comme l’une de ses qualités intrinsèques susceptible de déterminer les conduites artistique et esthétique de l’artiste et du spectateur, au point de les rendre interchangeables. / The objective of the present research is to investigate the role of time in artistic and aesthetic experiences pertaining to performance art. This paper focuses on the performance works and practices of the 20th and early 21st centuries, ranging from the first public performances of historical avant-garde movements to the performance augmented through the use of the latest recording, information processing and communication technologies. Starting with the hypothesis of the efficiency of a performance’s temporal component, we first demonstrate that the temporal structure of a performance is the matter of well-thought-out artistic design, and that time can be regarded as the medium, or “milieu” of a performance work. Moreover, analyses of the temporal dimension of individual performance works reveal how time can affect the real-life experience of all the protagonists taking part in the performance-event, involving them, to varying degrees, in the process through which the performance comes into being as a work of art. These multiple functions of time, its “activity” and modus operandi are discussed throughout this study as “agency of time in performance”. The research shows that time turns out to be one of the ontogenetic, specificity-conferring factors of a performance work, and also one of its intrinsic qualities which is likely to determine the artist’s and spectator’s artistic and aesthetic attitudes to such an extent that they become interchangeable.

Cette thèse souhaite rendre intelligibles les expériences esthétiques puissantes qu'on nomme duende dans le flamenco. D'une part, le topos veut que le duende, parce qu'irrationnel et idiosyncrasique, constituerait une réalité indicible transcrite par un terme intraduisible. D'autre part, le flamenco est un genre artistique hybride dont il est difficile de cerner les limites : il s'alimente aussi bien au chant qu'à la musique instrumentale et à la danse, mêle les cultures populaire et savante et fait intervenir la spontanéité au sein d'un système de communication pourtant très codifié. Il pose donc des questions esthétiques singulières portant tout à la fois sur sa nature en tant qu'art, sur ses enjeux identitaires, mais aussi sur ses représentations, lesquelles, par un phénomène de contamination réciproque, semblent tout autant s'alimenter aux pratiques que les influencer en retour. Nombre de mythes et de clichés informent le flamenco depuis ses débuts, qu'ils émanent de la pensée commune, de l'activité artistique ou de la flamencologie. L'image d'un art démesuré, dont l'authenticité serait liée au débridement des instincts, gage d'une hypothétique « pureté », a largement fait fortune. Or, cette image apparaît par excellence dans les usages liés au duende. Tout se passe donc comme si, à étudier le duende, on était inévitablement renvoyé au flamenco, et réciproquement, alors même qu'ils constituent l'un pour l'autre des impensés. Comment, dès lors, approcher le flamenco par l'intermédiaire d'un phénomène apparemment insaisissable, et comment, en retour, approcher le duende par l'intermédiaire d'un art aux contours indistincts ? On formule ici l'hypothèse qu'à la condition d'adopter une conception souple de la définition, le duende devient définissable, et que, de surcroît, il nous livre le concept unificateur de certains des enjeux majeurs du flamenco. / This dissertation aims to make intelligible the powerful aesthetic experience called duende in flamenco. On the one hand, its irrational and idiosyncratic nature is viewed as an inexpressible reality designated by a term beyond translation. On the other hand, flamenco is a hybrid genre of art with ill-defined boundaries. It thrives on singing, instrumental music and dance, mixing popular and scholarly cultures spontaneously within a highly codified framework of communication. This triggers questions on the nature of flamenco as an art form, such as how it defines a cultural identity as well as the relations between representation, norms and practices that mutually influence each other. Since the beginning, flamenco has suffered from numerous myths and stereotypes originating from collective common thought, artistic practice or flamencology. The representation of an intense, instinctive and wild art defined by its excessiveness has long been stamped in the common knowledge as a proof of “purity”. This short-sighted and simplistic perception has thus imposed serious limitations on a rational analysis of the duende. It appears that the study of duende leads to flamenco and vice versa even if both are, so far, rather poorly defined concepts. How, then, to approach the study of flamenco through a seemingly elusive phenomenon, and how, in return, to approach the duende through art with indistinct contours? The necessary working hypothesis is then to use a flexible definition of the concept of duende, which allows for the possibility of a unifying concept for some of the majors' stakes of the flamenco.

La transgression discursive que constitue le street art peut s’exprimer dans divers espaces. Si les œuvres apparaissent tout d’abord dans la rue, leurs reprises sur les réseaux socionumériques leur octroient de nouvelles spatialité et temporalité ; elles sont alors non seulement inscrites dans la durée, mais également intégrées dans un nouvel « effet de sens ». Passant d’un mur urbain à un mur socionumérique, cet acte subversif engage à la constitution d’une communauté autour d’une thématique ou un centre d’intérêt plus ou moins politisé. L’Egypte voit le street art soudainement apparaître dans ses rues et se répandre comme une traînée de poudre sur les réseaux socionumériques dès le soulèvement insurrectionnel de janvier-février 2011. A partir de ce constat, il s’agit d’étudier la contribution de la médiation socionumérique du street art, prise en charge par des communautés activistes, à un agir des collectifs politiques. Ce travail de thèse a pour principal objectif de vérifier dans quelle mesure ces collectifs s’instituent en un public politique revendiquant la chute d’un régime ainsi que la mise en place d’un pouvoir civil et démocratique. Une approche pragmatiste, associant une « théorie de l’action » deweyienne à une sémiotique peircienne, est mise à l’œuvre afin d’observer les actions d’un public. Celles-ci sont suscitées par des dispositifs médiatiques, dont les auteurs insèrent dans leur discours des images street artivistes, générant des récits mythographiques victimaires et martyrologiques. / The discursive transgression of street art can be expressed in various spaces. In the street for a first appearance, but the coverings on the social networks give new spatiality and temporality to a work, they now inscribe it in duration as well as in a new "effect of meaning". Moving from an urban wall to a sociodigital wall, subversion commits to the constitution of a community around a thematic or a more or less politicized center of interest. Egypt in 2010 sees street art suddenly appearing in its streets and spreading like wildfire on the sociodigital networks from the insurrectional uprising of January-February 2011.From this observation, it will be necessary to study the contribution of the social media mediation of street art, taken over by activist communities, to incite political collectives to an action. This work of thesis will try to verify to what extent these collectives are instituted in a political public demanding the fall of a political regime as well as the establishment of a civil and democratic power. A pragmatist approach will combine a deweyian "theory of action" with a Peircian semiotics in order to observe the actions of a political public. These are aroused by media devices, which include street artivist images in their speeches, generating victimary and martyrological mythographic narratives.

Depuis la fin du XXe siècle, notre monde a été affecté par une grande mutation des activités humaines. Dans cette mutation, les sciences de la cognition jouent sans doute un rôle central. Le développement des sciences cognitives, surtout depuis sa phase de Seconde Cybernétique, fait émerger de nouveaux paradigmes et offrent au monde humain la nouvelle génération des technologies de l'informatique – le numérique. En parallèle avec les technologies numériques qui ont profondément transformé le rapport sensible de l’être humain au monde, les dispositifs scientifiques et conceptuels mis en œuvre dans la Seconde Cybernétique ont également provoqué un grand retentissement dans tous les domaines scientifiques et philosophiques occidentaux. Ces dispositifs nous conduisent à ré-évaluer les connaissances déjà modélisé dans le cadre de la modernité à partir d’une approche totalement nouvelle, celle du système évolutif. Le retentissement de la Seconde Cybernétique a un impact fort dans le domaine de l'art. D'une part, les technologies numériques offrent à la création artistique de nouveaux moyens techniques de modélisation de l'œuvre d'art en s'accompagnant de l'apparition de nouvelles expressions artistiques, de nouvelles esthétiques et de nouveaux enjeux pour les représentations artistiques. D'autre part, les dispositifs conceptuels et scientifiques mis en place par la Seconde Cybernétique ont conduit les théoriciens de l'art et les esthéticiens à réévaluer les phénomènes artistiques (l’œuvre d’art, l’activité artistique, la perception esthétique, l’évolution culturelle de l’art, etc.) dans une perspective totalement nouvelle de l’esprit : le naturalisme de l’esprit. Mes travaux tentent de proposer une réflexion sur l’œuvre d’art en relation avec la cognition à partir des dispositifs scientifiques, technologiques et conceptuels constitués dans le cadre de la Seconde Cybernétique, mais aussi à partir des dispositifs conceptuels issus de l’art lettré traditionnel chinois. Les deux paradigmes de pensées du réel, tout en étant à l'origine de deux cultures très éloignées et très différentes, révèlent par contre un même principe de l'appréhension du monde. À partir de ce principe, la réalité doit être analysée en tant que phénomène d’émergence en cours relevant d'un rapport d'interaction ; le monde se définirait comme réseau des relations dynamiques capables de s'auto-organiser pour l’émergence de nouvelles structures. Cette approche du réel nous conduit à reposer la question de l’œuvre d’art, à la fois en tant qu’objet de création et en tant qu’objet de réception esthétique, à partir des nouveaux paradigmes liés aux processus d’émergence comme processus biologiques ou processus numériques. Cette thèse peut être résumée par les quatre points suivants : 1. L’art relève d’une capacité cognitive créatrice qui résulte de la phylogenèse de l’espèce humaine et qui est individualisé par le développement ontologique de chaque personne. 2. L’art, comme culture, relève d’un système d’appréhensions cognitives du réel ; ce système s’organise dans le même principe que l’algorithme évolutionniste basé sur la variation, l’accumulation, la sélection darwinienne et l’hérédité. 3. L’œuvre d’art relève d’une extériorisation expressive de l’artiste, de ses états mentaux, de son imaginaire du réel se produisant dans son cerveau ; la création de l’œuvre d’art s’inscrit dans un processus d’émergence qui relève d’un rapport dialectique s’effectuant entre un schéma mental se produisant dans le cerveau de l’artiste et son extériorisation progressive en œuvre d’art par les actions. 4. Les systèmes numériques, à la fois en tant qu’outils technologiques autant que paradigme de représentations du monde, constituent une interface d’interaction entre les différentes cultures dans le cadre de la création artistique. / Since the end of 20th century, our world has been affected by a grand mutation of human activities. The cognitive science plays the central role without any doubt in this mutation. The development of the cognition science, especially since its second cybernetic phase, does emerge new paradigms and offers a new computer science generation, digitization, to the world. In parallel with the digital technologies that has profoundly transformed human senses to the world, the scientific and conceptual devices implemented in the second cybernetics have also caused a great impact in almost all scientific and occidental philosophic aspects. These devices made determinant concepts for all contemporary theories of evaluative system in the world. We propose to, based on this concept, revaluate all modelled knowledge in the context of modernity. The impact of the second cybernetics has a strong impact in the art’s field, as well as in the theoretical studies of the art in the creation of art’s works. On one hand, digital technology, especially the artificial intelligence systems and devices from the second cybernetics, provides the artistic creation of new techniques for modelling the artwork accompanied by the emergence of new arts, new look and new challenges for the performing arts. On the other hand, conceptual and scientific arrangements put in place by the second cybernetics, led the art theorists and designers to evaluate the artistic phenomena (the work of art, the artistic aesthetic perception, cultural evolution, art, etc.) in a totally new perspective in mind: naturalism of spirits. My work attempts to propose a reflection on the work of art related to cognition which based on scientific, technological and conceptual devices, set up within the framework of the second network device, but also from the ancient chinese concept from the mind, especially taoist and chinese lettered thoughts.The two paradigms of thinking, while the origin of the two cultures are very remote and different, but released from the same principle of the understanding of the world. Based on this principle, the reality must be analysed as a phenomenon of the emergence ; the world would be defined as a network of relationships and self organize to the emergence of new structures.This approach leads us to raise the question on the issue of work of art, at the same time as a subject of creation, as an object of esthetic reception and an artifact which is a network of intersubjective relations (culture), based on the new paradigms associated with processes of emergence like biological processes or digital processes. This thesis can be conclute by the four following points: 1. art is a creative cognitive ability, which is the result of the phylogeny of human beings and is tailored to the ontological development of each individual. 2. Art, like culture, releases a real concern cognitive system. this system is on the same principle as the evolutionary algorithm based on the change, the accumulation, darwinian selection and heredity. 3. the work of art is an representation of the artist's expression, of his mental states, of his imagination of the real occurring in his brain; the creation of a work of art is a part of the process of development which releases a dialectical relationship between a mental pattern produced in artist’s brain and his progressive expression of work of art. 4. the digital systems, at the same time as technological tools as well as the paradigm of representations of the world, build up an interface of interaction between different cultures in the context of artistic creation.

Depuis 2001, le Programme de formation de l’école québécoise impose l’enseignement de la compétence « apprécier » dans les quatre disciplines artistiques. Ce mémoire s’intéresse à l’influence que peuvent avoir des activités intégrant les arts plastiques à la musique sur l’expérience d’appréciation musicale d’élèves de sixième année du primaire. Plus spécifiquement, elle vise à rendre compte des différentes dimensions présentes dans la description que font les élèves de leur expérience d’appréciation ainsi qu’à comprendre de quelle façon les activités d’appréciation intégrant les arts plastiques à la musique affectent la verbalisation que font les élèves de cette expérience. La recherche prend la forme d’études de cas réalisées auprès de cinq élèves de sixième année du primaire. Ces élèves, ainsi que tous les élèves de leur classe, ont participé à une activité d’appréciation musicale intradisciplinaire ainsi qu’à deux activités d’appréciation interdisciplinaires. Après chacune des activités, ces cinq élèves ont été rencontrés individuellement. Au cours d’entrevues semi-dirigées, il leur était demandé de rendre compte de leur expérience d’appréciation. Quatre grandes tendances ont émergé de l’analyse des propos des élèves, soit le sentiment de mieux s’approprier l’œuvre entendue, une verbalisation plus précise des éléments perçus, une verbalisation plus précise des sentiments ressentis et enfin, une forme de distraction par rapport à l’œuvre entendue. Au terme de cette étude, il semble que l’utilisation d’activité d’appréciation intégrant les arts plastiques à la musique, sans faire l’objet d’un usage systématique, pourrait constituer une forme de différenciation pédagogique qui serait utile à certains types d’apprenants. / Since 2001, the Quebec school program states that an « appreciation » competency has to be taught within all four artistic school disciplines. This study describes the influence of activities integrating visual arts and music on the appreciation experience of 6th grade students. More specifically, this study aims to relate the different dimensions that can be found in the students’ verbal account of their appreciation experience and to show how the interdisciplinary activities affect their verbalization of these dimensions. Five case studies conducted with 6th grade elementary school students are presented. These five students, along with the other students in their class, have participated in one intradisciplinary activity and two interdisciplinary activities integrating visual arts and music. Following each activity, the students were met for semi-structured interviews in which they were asked to share their appreciation experience. Four tendencies have emerged from qualitative data analysis: a more insightful listening, a more accurate description of perceptual elements, a more accurate description of the student’s feelings and finally a form of distraction from the music. It appears that appreciation activities which integrate visual arts and music could be, if not a systematic approach, a way to differentiate teaching in a way that could be helpful to some types of learners.

Faute de droits d'auteurs pour les captures d'écrans, mon document ne contient pas d'images. Si vous voudriez consulter ma thèse avec les images, veuillez me contacter. / Cette thèse de doctorat propose une analyse des temporalités narratives dans les séries télévisées récentes Life on Mars (BBC, 2006-2007), Flashforward (ABC, 2009-2010) et Damages (FX/Audience Network, 2007-2012). L’argument général part de la supposition que les nouvelles technologies télévisuelles ont rendu possible de nouveaux standards esthétiques ainsi que des expériences temporelles originales. Il sera montré par la suite que ces nouvelles qualités esthétiques et expérientielles de la fiction télévisuelle relèvent d’une nouvelle pertinence politique et éthique du temps. Cet argument sera déployé en quatre étapes. La thèse se penche d’abord sur ce que j’appelle les technics de la télévision, c’est-à-dire le complexe de technologies et de techniques, afin d’élaborer comment cet ensemble a pu activer de nouveaux modes d’expérimenter la télévision. Suivant la philosophie de Gilles Deleuze et de Félix Guattari ainsi que les théories des médias de Matthew Fuller, Thomas Lamarre et Jussi Parikka, ce complexe sera conçu comme une machine abstraite que j’appelle la machine sérielle. Ensuite, l’argument puise dans des théories de la perception et des approches non figuratives de l’art afin de mieux cerner les nouvelles qualités d’expérience esthétique dans la fiction sérielle télévisée. Pour ce faire, je développe le concept de figure de temps définie comme la forme abstraite, immédiatement ressentie, du mouvement temporel effectué par un récit. Il sera montré, en troisième lieu, que ces mouvements figuraux mettent en jeu l’orientation vers l’avenir et la préemption. Tous les récits du corpus anticipent leur propre fin et prennent forme en fonction de cette fin prédite, ce pourquoi ils seront appelés récits préemptifs où l’avenir pose un problème affectif plutôt qu’épistémologique. Je montre que, dans ces séries, la boucle passant par l’avenir est immédiatement ontogénétique dans la mesure où elle crée la réalité dans le présent en suscitant l’incertitude et la peur. Enfin, la thèse soutien qu’une telle politique affective fait partie de ce que Gilles Deleuze appelle les « sociétés de contrôle » qui opèrent une modulation continue des conditions de vie de l’individu. En suivant les écrits de Deleuze sur les sociétés de contrôle et sur l’Éthique de Spinoza, je suggère que les exigences d’un tel environnement modulant sont éthiques (plutôt que morales). Seront ensuite décortiquées les complexes de techniques, appelés procédures suivant les artistes-philosophes Madeline Gins et Arakawa, qui soutiennent une éthique pour survivre la société de contrôle dans la série Damages. / This thesis examines complex narrative temporalities in the recent television series Life on Mars (BBC, 2006-2007), Flashforward (ABC, 2009-2010), and Damages (FX/Audience Network, 2007-2012). The general argument proposes that the renewed technics of television have enabled innovative aesthetic standards and temporal experiences in serial TV fiction. It is subsequently shown that these new aesthetic and experiential qualities of TV fiction are correlative to an increased political and ethical relevance of time. This overall argument is laid out in four major steps. The project first addresses the technics of recent television to show how new technologies have enabled new techniques of experiencing television. Drawing on the philosophy of Gilles Deleuze and Félix Guattari as well as the media theories of Matthew Fuller, Thomas Lamarre, and Jussi Parikka, the complex and productive linkages between technology and techniques will be theorized as an abstract machine which I call the serial machine. The argument then draws on theories of perception and nonrepresentational approaches to art in order to analyze the new qualities of aesthetic experience in serial TV fiction. For this purpose, I develop the central concept of the figure of time understood as the directly felt abstract shape effectuated by a narrative’s movement through time. It will be seen, in a third step, that the figural movements discussed in this thesis concern questions of future-orientation and preemption. All of the narratives in this project anticipate their own ending and take form with respect to this foretold future. They are therefore conceptualized as “preemptive narratives,” in which the future poses an affective rather than epistemological problem. I will show that, in the serial narratives under discussion, the preemptive loop through the future is immediately ontogenetic in that it creates a reality in the present by inducing uncertainty and fear of the future. Finally, the thesis proposes that such affective politics are an element of what Gilles Deleuze calls control societies, in which conditions of life are constantly modulated. Following his writings on control societies and Spinoza’s Ethics, it is argued that the requirements of such a modulatory environment are ethical in nature (rather than moral). Drawing on the work by artists-philosophers Madeline Gins and Arakawa, I elaborate the techniques of attention which sustain an ethics for surviving the control society in the TV series Damages.

Si les principes d’utilisabilité guident la conception de solutions de design interactif pour s’assurer que celles-ci soient « utilisables », quels principes guident la conception d’objets interactifs pour s’assurer que l’expérience subjective de l’usager (UX) soit adéquate et mémorable? Que manque-t-il au cadre de l‘UX pour expliquer, comprendre, et anticiper en tant que designer une expérience mémorable (‘an experience’; Dewey, 1934)? La question centrale est issue d’une double problématique : (1) le cadre théorique de l’UX est incomplet, et (2) les processus et capacités des designers ne sont pas considérés et utilisés à leur pleine capacité en conception UX. Pour répondre à cette question, nous proposons de compléter les modèles de l’UX avec la notion d’expérience autotélique qui appartient principalement à deux cadres théoriques ayant bien cerné l’expérience subjective, soit l’expérience optimale (ou Flow) de Csikszentmihalyi (1988) et l’expérience esthétique selon Schaeffer (2001). L’autotélie est une dimension interne du Flow alors qu’elle couvre toute l’expérience esthétique. L’autotélie est une expérience d’éveil au moment même de l’interaction. Cette prise de conscience est accompagnée d’une imperceptible tension de vouloir faire durer ce moment pour faire durer le plaisir qu’il génère. Trois études exploratoires ont été faites, s’appuyant sur une analyse faite à partir d’un cadre théorique en trois parties : le Flow, les signes d’activité non verbale (les gestes physiques) et verbale (le discours) ont été évalués pour voir comment ceux-ci s’associent. Nos résultats tendent à prouver que les processus spatiaux jouent un rôle de premier plan dans l’expérience autotélique et par conséquent dans une UX optimale. De plus, ils suggèrent que les expériences pragmatique et autotélique sont ancrées dans un seul et même contenu, et que leur différence tient au type d’attention que le participant porte sur l’interaction, l’attention ordinaire ou de type autotélique. Ces résultats nous ont menés à proposer un modèle pour la conception UX. L’élément nouveau, resté jusqu’alors inaperçu, consiste à s’assurer que l’interface (au sens large) appelle une attitude réceptive à l’inattendu, pour qu’une information puisse déclencher les processus spatiaux, offrant une opportunité de passer de l’attention ordinaire à l’attention autotélique. Le nouveau modèle ouvre la porte à une meilleure valorisation des habiletés et processus du designer au sein de l’équipe multidisciplinaire en conception UX. / If usability guides the formal organisation of interactive systems as it pertains to being usable, useful and efficient, what principle(s) guide(s) the formal organisation of interactive systems when it comes to give form to the subjective dimension of the user experience? This question came from two perceived gaps in our understanding of UX: (1) the UX theoretical framework appears incomplete to this day. Going beyond experiencing, what is at play during Dewey’s an experience? (2) The process and abilities of designers are underused in the current theoretical and practical UX framework; what would provide a more designerly approach? We propose that the autotelic experience could bridge these gaps and be the UX counterpart to usability. The autotelic experience is an internal dimension at the heart of the optimal experience—Flow—(Csikszentmihalyi, 1975) and covering the whole of the aesthetic experience (Schaeffer, 2000). The autotelic experience is a shift in awareness occurring during the interaction. This awareness is accompanied by an imperceptible tension of wanting to make this moment last in order to continue enjoying the pleasure it generates (a circular motivation to stay in the interaction for the sake of the interaction itself) (Schaeffer, 2000). Our results suggest the key to the autotelic experience sits with visuospatial reasoning or more specifically to right hemisphere (RH) activation. Three exploratory studies were conducted, using a three-part theoretical framework where Flow, signs of nonverbal / spatial activity (physical gestures) and of verbal activity (discourse) were assessed for their various associations. The main contribution of this research is a model of autotelic experience made of three interlocking elements (high positive pressure, low mental demand and an openness to unexpected events) contextualised by either an active or a receptive engagement on the part of the user. One of the findings is that the pragmatic experience and the autotelic experience (which we have associated to Dewey’s an experience, 1934), are based on one and the same content, the only difference is the shift in attention on the participant’s part. All the elements of the model are known, but one, to design the experience in a way to keep the user open to the unexpected. This one element supports the occurrence of the shift from ordinary to autotelic attention. The new model opens the door to a better appreciation of designers’ skills and processes within multidisciplinary team in UX design.

L’objectif de cette thèse est de réfléchir aux enjeux d’une histoire du jeu de stratégie en temps réel (STR). Il s’agit de mieux comprendre les contextes dans lesquels le genre prend sens pour historiciser son émergence et sa période classique. Cette thèse cherche à documenter, d’une part, la cristallisation du STR en tant qu’objet ayant une forme relativement stable et en tant que corpus précis et identifié et, d’autre part, l’émergence des formes de jouabilité classiques des STR. La première partie est consacrée à décrire l’objet de cette recherche, pour mieux comprendre la complexité du terme « stratégie » et de la catégorisation « jeu de stratégie ». La seconde partie met en place la réflexion épistémologique en montrant comment on peut tenir compte de la jouabilité dans un travail historien. Elle définit le concept de paradigme de jouabilité en tant que formation discursive pour regrouper différents énoncés actionnels en une unité logique qui n’est pas nécessairement l’équivalent du genre. La troisième partie cartographie l’émergence du genre entre les wargames des années 1970 et les jeux en multijoueur de la décennie suivante. Deux paradigmes de jouabilité se distinguent pour former le STR classique : le paradigme de décryptage et le paradigme de prévision. La quatrième partie explique et contextualise le STR classique en montrant qu’il comporte ces deux paradigmes de jouabilité dans deux modes de jeu qui offrent des expériences fondamentalement différentes l’une de l’autre. / This thesis is a reflection on the stakes of a history of the real-time strategy (RTS) genre. The goal is to understand contexts in which RTS makes sense to historicize its emergence and its classical period. It seeks to document, on the one hand, the crystallization of RTS as an object having a relatively stable form and as a precise and identified corpus and, on the other hand, the emergence of classical RTS gameplay figures. The first part of this thesis describes the object of this research in order to understand the complexity of the words “strategy” and “strategy games.” The second part puts in place the epistemological thinking by showing how gameplay can be taken into account in a history of video games. It defines the gameplay paradigm concept as a discursive formation to regroup actional statements as a logical unit that is not necessarily equivalent to a genre. The third part maps the emergence of the genre from wargames in the 1970s to multiplayer games of the following decade. Two gameplay paradigms are distinguished and will form the classical RTS: the paradigm of decryption and the paradigm of prediction. The last part explains the role of classical RTS by showing how these two paradigms coexist as two different game modes that offer fundamentally different gameplay experiences.

Qu’est-ce qu’un héros de bande dessinée ? Comment fonctionne-t-il ? Pourquoi est-il ainsi ? Ce sont là les trois questions principales que nous entendons traiter dans les pages de cette thèse. C’est principalement l’étude de la relation entre le lecteur et le héros qui va nous permettre de répondre. Cette relation, nous la nommons identification, elle est à la fois reconnaissance et projection. C’est dans ce double mouvement – du héros vers le lecteur, du lecteur vers le héros – que nous trouverons notre objet. Notre cheminement nous amènera à définir le héros tant de façon diachronique, en nous attardant sur son origine et son évolution historique (avec une attention particulière pour les productions et les réflexions de Rodolphe Töpffer), que de façon synchronique en le comparant aux héros d’autres médiums. Définissant le héros par son fonctionnement identificatoire, nous étudierons celui-ci en analysant les stratégies graphiques mises en œuvre par les auteurs de bandes dessinées pour que celui-ci se produise. Cela nous permettra enfin de tirer des conclusions esthétiques et éthiques de ce fonctionnement, et de préciser la nature de l’expérience de la bande dessinée. Ce travail de recherche fera donc appel, pour être mené à bien, à des outils provenant des domaines variés que sont l’analyse plastique, la sémiologie, l’esthétique, la philosophie, les études littéraires, etc. / What is a comic book hero? How does it work? Why is it so? These are the three main issues that we intend to cover in the pages of this thesis. This is mainly the study of the relationship between the reader and the hero that will allow us to respond. This relationship, we call identification, it is both recognition and projection. It is in this double movement - the hero to the reader, the reader to the hero - that we find our purpose. Our journey will take us to define the hero so diachronically, but to focus on its origin and historical development (with particular attention to the production and reflections Rodolphe Töpffer) as synchronically by comparing the heroes of other mediums. Defining the hero by identificatory function, we will study it by analyzing the graphic strategies implemented by the authors of comics for it to happen. This will allow us finally to draw aesthetic and ethical conclusions of this operation, and to specify the nature of the experience of the comic. This research will therefore appeal to be completed, tools from various fields such as plastic analysis, semiotics, aesthetics, philosophy, literary studies, etc.

Cette recherche doctorale a pour axe l’élaboration et la mise à l’épreuve d’un modèle évaluatif de l’éducation artistique centré sur les effets de l’art et les normes d’un atelier. Au cœur de ce modèle  : la « pédagogie » de l’artiste et sa relation avec l’élève, s’adressant à un sujet à part entière, visant à développer sa singularité et son autonomie au sein du collectif grâce à la création partagée. La thèse développe l'hypothèse d'une «  zone proximale de développement spécifique » (A. Kerlan, 2008) générée par le travail artistique et l'expérience esthétique dans une co-construction favorisant un processus de subjectivation pour le jeune, grâce à l’instauration d’un « espace de création » (D. W. Winnicott, 1975). Elle montre comment cette subjectivation passe nécessairement en atelier par un travail double de socialisation et d’individuation, dans les domaines cognitif, social et personnel. Sur le plan empirique, la recherche s’appuie sur les données recueillies dans le cadre d’un observatoire que l’on peut qualifier de microsociologique : il s’agit d’une classe artistique expérimentale, située dans un collège en zone d’éducation prioritaire, à Montpellier, ayant reçu des artistes professionnels en résidence durant quatre années, entre trois et six heures par semaine. Grâce à des méthodes qualitatives (observations directes d’un millier d’heures, films, photographies ainsi qu’une trentaine d’entretiens compréhensifs et semi-directifs) les résultats tendent à démontrer que la mise en place de résidences d’artistes sur la durée, à l’image de l’expérimentation longitudinale présentée dans la présente thèse, permet de proposer une éducation par l’art servant la formation de la personne dans son être global. / This doctoral research has for main line the development and testing of an evaluative model of arts education focused on the effects of art and the standards of a workshop. The central issue of this model: the "teaching skills" of the artist and his relationship with the student, addressing a subject in itself, to develop its uniqueness and autonomy within the group through the shared creation. The thesis develops the hypothesis of a "zone of proximal development specific" (A. Kerlan, 2008) generated by the artistic work and aesthetic experience in a co-construction encouraging a process of subjectivation for the young, thanks to establishment of a "creative space" (Winnicott, 1975). It shows how this subjectivity necessarily going in the studio with a double work of socialization and individuation, in the cognitive, social and personal. Empirically, the research is based on data collected as part of an observatory that can qualify for the micro: it is an experimental artistic class, located in a college education area priority in Montpellier, having received professional artists in residence for four years, between three and six hours per week. Through qualitative methods (direct observation of a thousand hours, films, photographs and a thirty understanding and semi-structured interviews) the results suggest that the development of artists in residences duration, like the longitudinal experiments presented in this thesis, allows us to offer an education in art for the formation of the whole person be global. / Esta investigación doctoral se centra en la elaboración y la puesta a prueba de un modelo evaluador de la educación artística centrada en los efectos del arte y las normas de un taller. En el centro de este modelo: la 'pedagogía' del artista y su relación con el estudiante, afín de dirigirse à un sujeto plenamente, para desarrollar su singularidad y su autonomía dentro del colectivo a través de la creación compartida. La tesis desarrolla la hipótesis de una "zona proximal de desarrollo específico" (A. Kerlan, 2008) generada por el trabajo artístico y la experiencia estética en una co-construcción que favorece un proceso de subjetivación de los jóvenes, mediante el establecimiento de un "espacio de creación" (D. W. Winnicott, 1975). Muestra cómo esta subjetivación en el taller pasa necesariamente por un doble trabajo de socialización y de individualización, en los ámbitos cognitivo, social y personal. En el marco empírico, la investigación se basa en los datos recogidos en el contexto de un observatorio que podría describirse como micro-sociológico: Se trata de una clase experimental artística situada en un colegio de una zona de educación prioritaria en Montpellier, que ha recibido a artistas profesionales en residencia durante cuatro años, entre tres y seis horas por semana. A través de métodos cualitativos (observaciones directas de mil horas, películas, fotografías, así como unas treinta entrevistas comprensivas y semiestructuradas), los resultados tienden a demostrar que el establecimiento de residencias de artistas en la duración, a la imagen de la experimentación longitudinal presentada en esta tesis, permite ofrecer una educación artística para la formación de la persona en su ser global.