Cette analyse chronologique permet de revoir la séquence des événements qui façonnent les programmes de formation et qui décrivent les tensions constantes entre la pratique artistique, la technique et la communication qui sont au coeur de la formation et de la pratique du design graphique. Dans un premier temps, cette recherche propose d'évaluer les caractéristiques de la formation en art publicitaire dans les écoles des Beaux-Arts et les écoles techniques du Québec depuis le début du xxe siècle. Ensuite, l'étude des rapports Parent et Rioux démontre que les bouleversements amenés par la Révolution tranquille transforment littéralement l'éducation artistique et technique par la création de nouvelles institutions. Enfin, à la lumière du développement des études collégiales et universitaires qui débutent a partir de 1969, comment évolue la profession et la formation en design graphique dans ce contexte?Cette contribution constitue une première analyse systématique sur l'historique de la formation en design graphique au Québec. Elle offre une vue d'ensemble sur les programmes et les discours d'institutions et de professionnels qui ont marqué l'histoire du design graphique au Québec.

L'intégration de l'éducation artistique à la formation de l'artiste de cirque soulève des interrogations quant aux moyens utilisés par les formateurs issus de milieux artistiques divers pour développer les compétences à créer et à interpréter inhérentes au projet d'éducation artistique en cirque. Or, le peu de documentation portant sur le sujet nous amène à considérer les pratiques d'éducation artistique comme un terrain d'investigation privilégié pour étudier les réalités pédagogiques liées à cette discipline. Le but de cette étude est d'explorer les pratiques d'éducation artistique de trois formateurs intervenant auprès d'artistes de cirque afin d'en décrire la démarche et de faire l'inventaire des stratégies pédagogiques que ces derniers mobilisent. Cette étude de pratique s'inscrit dans le paradigme de recherche qualitative de type ethnographique. L'observation participante et l'entrevue semi-dirigée pré et post observation sont les outils de cueillette de données utilisés pour répondre à nos questions de recherche. La question générale de recherche est la suivante: Quelles sont les stratégies pédagogiques utilisées par les formateurs dans leur démarche d'éducation artistique auprès d'artistes de cirque? Cette recherche s'articule autour de cinq grands thèmes: l'éducation artistique, les stratégies pédagogiques, la démarche pédagogique, les styles d'enseignement et l'approche pédagogique. Nous nous réfèrerons au champ de la pédagogie pour expliquer les démarches d'éducation artistique des formateurs à l'étude. Ainsi, le cadre d'analyse s'articule autour des quatre composantes de la stratégie pédagogique: les visées, les objectifs pédagogiques, les activités d'apprentissage et les stratégies d'enseignement. Dans un premier temps, le déploiement des stratégies pédagogiques est présenté puis synthétisé sous forme de tableaux. Dans un deuxième temps, une lecture transversale permet de faire ressortir l'intention d'éducation artistique des formateurs. Par la suite, la discussion des résultats met en lumière les styles d'enseignement caractérisant les formateurs à l'étude ainsi que l'approche pédagogique englobant l'ensemble des choix pédagogiques. La présente étude permet de faire ressortir différentes démarches et approches utilisées en éducation artistique en cirque. Elle contribue à faire un lien entre les concepts pédagogiques et les connaissances issues des pratiques d'éducation artistique telles qu'elles se manifestent dans le milieu du cirque. Elle propose une description de ces pratiques et des pistes de réflexion permettant de questionner et d'élaborer une démarche pédagogique. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Cirque, Éducation artistique, Formateur, Formation, Artiste, Stratégie pédagogique, Style d'enseignement, Démarche et approche pédagogique.

La présente recherche porte sur l'enseignement des arts visuels auprès des aînés en milieu communautaire. Le but de la recherche vise à favoriser une pratique des arts visuels différente de celle habituellement proposée dans ce milieu. L'objectif général est d'enrichir l'enseignement des arts aux aînés. La méthodologie de recherche qualitative nous a aidée à mieux comprendre la façon dont nous pouvons engager davantage les aînés dans un projet de création qui leur est propre. Grâce à la recherche-action, nous avons pu faire des changements concrets dans notre pratique d'enseignante et résoudre certains problèmes qui y sont reliés. Le développement d'objet nous a servi à schématiser et mettre à l'essai une proposition de création destinée aux aînés, en nous inspirant de différentes théories de l'éducation et de démarches d'artistes contemporains tout en les adaptant à nos besoins spécifiques. Notre proposition est basée notamment sur la pratique du récit autobiographique en arts visuels et cherche à encourager des attitudes d'ouverture à l'art et un engagement plus personnel dans l'activité d'arts visuels. Ce qui suppose pour les aînés un choix et une réflexion sur des sujets qui les préoccupent et qui peuvent susciter des réalisations plus personnelles. Enfin, les résultats de recherche mettent en lumière la capacité des aînés à avoir une autre vision des arts visuels lorsque l'enseignant se préoccupe particulièrement de leurs expériences de vie. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : éducation, arts visuels, aînés, récit autobiographique, processus de création, communauté.

Dans les années d’après-guerre entrent en ligne de compte des données démographiques et économiques nouvelles qui font évoluer la société française et lui imposent d’adapter son système éducatif, de décloisonner les disciplines et de favoriser l’interdisciplinarité. Seule l’école peut vaincre le déterminisme social lié à la naissance. C’est le colloque d’Amiens (1968) qui pose les bases d’une réflexion qui a nourri toutes les avancées sur l’éducation artistique depuis. Les années 70 sont celles de la réforme pour l’Education nationale et celles de la réflexion et des premières expérimentations pour la Culture. Les années 80 marquent une réelle ouverture de l’école, que ce soit vers les établissements culturels, à l’intervention de partenaires extérieurs au milieu scolaire ou à de nouvelles matières. Ouverture, mais aussi compromis entre les acteurs. Le protocole d’accord d’avril 1983 signé entre le ministère de la Culture et celui de l’Education nationale et la loi sur les enseignements artistiques de 1988 ont cédé aux compromis. Dans les années 90, penser l’éducation artistique de manière globale et à l’échelle d’un territoire apparaît comme le meilleur moyen de faire travailler ensemble les écoles et les équipements culturels à l’échelle d’une ville, d’un département ou d’une région, de garantir un maillage parfait du territoire et donc d’atteindre à la démocratisation culturelle. Mais finalement s’impose surtout le constat d’un empilement quelque peu désordonné des dispositifs. Le plan Lang/Tasca qui doit se réaliser sur cinq ans à partir du 14 décembre 2000 ouvre un nouveau chapitre. Mais l’exécution de ce nouveau plan n’est pas garantie par sa décision. / After the 2nd world war, the french society has to deal with new demographic and economic datas. It has to be taken into account by the french education system which should adapt, break down barriers between disciplines and promote intedisciplinary because just school can overcoming social determinism linked at birth. The Amiens’ symposium (1968) lays the foundation for reflection which fed all the thoughts about artistic education. The seventies see the amendment for School and first thinking and experimentations for Culture. Eighties tag an actual opening of school for cultural institutions, the mediation of external partners and new topics. Opening, but also agreement between all the characters. The protocole d’accord signed in April 1983 between ministry of culture and ministry of education and the law about arts education (1988) are the results of an agreement. In the nineties, thinking globally about arts education and on a territory scale seem to be the best way to make work together schools, cultural facilities and to ensure a perfect network coverage, and so to reach cultural democratisation. But actually, we observe a stack of messy contracts. The plan Lang/Tasca which should come true till december 14, 2000, opens a new chapter. But the achievement of that brand new plan is not insured by its decision.

Cette thèse interroge le rôle de l'école dans la construction identitaire des adolescents. La langue est au cœur de cette construction identitaire. Cependant, dans le paysage scolaire français, les frontières entre la langue de scolarisation, les langues des familles, le FLE et les LVE sont quasi hermétiques et contribuent au morcellement identitaire. Les didactiques compartimentées induisent de nombreuses dissociations (langue et culture, corps et esprit) qui sont un frein à l'élaboration de liens entre l'élève et son environnement. Les élèves rendus vulnérables finissent par accumuler des difficultés et l'école devient un lieu d'exclusion sociale.Face à la nécessité de penser une pédagogie permettant aux élèves de vivre l'altérité linguistique et culturelle en termes de reliance, cette thèse propose l'analyse de l'impact de scénarios artistiques en classe d'anglais. Ces scénarios qui ont été conçus avec des élèves de troisième dans un collège de Bobigny s'appuient sur leurs expériences interculturelles et transculturelles, plurilingues ainsi que leurs interprétations du monde. Ils sont fondés sur la co-réflexion, la co-écriture, la co-création et le co-sentir à travers la danse et le théâtre et ouvrent sur un espace qui offre la possibilité de verbaliser ses émotions.L'analyse des scénarios pédagogico-didactiques qui font l'objet de ce travail s'appuie sur un triple ancrage : ethnopsychanalytique (clinique transculturelle, MR. Moro) psychologique (création d'une niche sécurisante à l'école (B. Cyrulnik) au travers d'un apprentissage coopératif, (D. Johnson et R. Johnson) et didactique, au travers d'une médiation artistique (apprentissage incorporé au travers des arts, J. Aden). Ces trois champs disciplinaires sont complémentaires et les scénarios visent à rétablir un lien entre les processus cognitifs et émotionnels.Une pédagogie transculturelle permet de repenser la classe en communauté « expérientielle » (communauté interprétative, coopérative et une communauté de pratique) tout en respectant et valorisant la singularité de chacun. Au cœur de cette pédagogie, la notion d'expérience et de parole partagée est centrale. Le dispositif analysé est à l'interface d'expériences esthétiques collectives et singulières et permet d'opérer un glissement de perspective sur : la représentation de soi, la représentation de l'autre, la relation entre soi et l'autre, la relation entre soi et son environnement, la relation entre l'autre et son environnement et, in fine, la prise de conscience de soi au sein de la matrice sociale.Cette thèse à visée exploratoire repose sur une méthodologie mixte à l'interface de la clinique transculturelle, de la psychologie et de la didactique des langues-cultures ; elle analyse les effets d'une pédagogie transculturelle au travers de la parole des élèves recueillie pendant le projet et à plus long terme, trois années après l'expérimentation. Le corpus est composé d'interactions de classe en anglais et en français, de pièces en anglais écrites et jouées par les élèves à la fin de l'année d'expérimentation ainsi que des entretiens qualitatifs réalisés a postériori visant à mesurer les impacts à moyen terme de cette expérience d'acteurs au sein d'une communauté expérientielle à un moment précis de l'adolescence. / This thesis questions the contribution of the school system to adolescent identity formation. Language is at the heart of this construction. However, in the French school landscape, the boundaries between the language of schooling, language families, the ELF and LVE are near hermetic and contribute to the fragmentation of identity. Compartmentalized teaching induces many dissociations (language and culture, body and mind) that hinder the development of ties between students and their environment. Vulnerable pupils accumulate difficulties and school becomes a place of social exclusion.Faced with the necessity of thinking pedagogy for pupils to experiencelinguistic and cultural otherness in terms of interrelatedness, this thesis proposes an analysis of the impact of artistic scenarios in English class. These scenarios were designed for students in a secondary school in Bobigny and they are based on their intercultural, transcultural and multilingual experiences and their interpretations of the world. They are built on co-reflection, co-writing, co- creation and co-feeling through dance and drama and open onto a space that offers the opportunity to verbalize their emotions. The analysis of pedagogical-artistic scenarios that are the subject of this work is based on a triple settings: ethnopsychological (transcultural psychotherapy, MR. Moro) psychological (creating a reassuring atmosphere which makes adolescents feel secure, B. Cyrulnik and cooperative learning, D. Johnson and R. Johnson) and pedagogical (incorporated learning, J. Aden). This triple setting offers a transcultural mediation as a method, to use the potential of artistic expression and creativity of adolescents. These three disciplines are complementary and the scenarios are designed among other things to restore a link between cognitive and emotional processes.A transcultural pedagogy allows us to rethink the class into an experiential community (interpretative and cooperative community, and a community of practice) while respecting and valuing the uniqueness of each pupil. At the heart of this pedagogy, the notion of shared experience and speech is central. The device is analyzed at the interface of collective and singular aesthetic experience and allows a shift in perspective on: self-representation, the representation of the other, the relationship between self and other, the relationship between oneself and his or her environment, the relationship between the others and their environment and in fine the awareness of self within the social matrix.This thesis is based on a mixed methodology and is at the interface of transcultural clinic, psychology and teaching of languages and cultures. It analyzes the impact of cross-cultural education through the voices of students collected during the project and in the longer term, three years after the experiment. The corpus is composed of class interactions in English and French, plays in English written and performed by students at the end of the year of the experimentation and qualitative interviews conducted afterwards.

La recherche s’est intéressée à la place des arts à l’école primaire à travers un état des lieux des pratiques pédagogiques, suite à la mise en place de l’enseignement de l’histoire des arts en 2008, et a également considéré la question de la demande sociale. L’objectif de la recherche était, à la fois d’identifier les pratiques des enseignants dans le domaine de l’éducation artistique, et de comprendre en quoi cet enseignement participe à la transmission du patrimoine culturel en milieu scolaire. La recherche s’appuie à la fois sur une enquête réalisée sur une académie, auprès des enseignants et des parents d’élèves, et sur des observations de séances pédagogiques. Cette thèse propose, dans une première partie, d’observer la structuration de l’éducation artistique à travers l’évolution législative et les influences qui ont permis d’aboutir à sa définition aujourd’hui. Les textes officiels attestent d’une certaine volonté de démocratisation de l’art via l’institution scolaire par les pratiques des enseignants. À partir de la définition de l’éducation artistique qui repose aujourd’hui sur l’enseignement de l’histoire des arts, les pratiques culturelles de classe et les ateliers de pratique artistique, la recherche s’est également intéressée aux liens entre cet enseignement et la notion de patrimoine culturel. La seconde partie s’est focalisée sur les pratiques culturelles des familles, à partir d’un échantillon de parents, et sur la demande sociale, c'est-à-dire les attentes des parents d’élèves vis-à-vis de l’école et a tenté de répondre à la question du rôle de l’institution scolaire quant à la transmission du patrimoine culturel et à ses enjeux dans le cadre d’une société multiculturelle. Ainsi, la place de l’éducation artistique semble faire aujourd’hui l’unanimité auprès des acteurs mais le combat s’est déplacé sur le terrain de la question de l’égalité. C’est ce que l’analyse cartographique (ArcGIS) a permis de mettre en lumière. Enfin, nous avons rendu compte des pratiques pédagogiques observées dans le cadre des observations de terrain. Si cette recherche a permis d’une part d’identifier les pratiques des enseignants, les moyens et usages qu’ils mobilisent au sein de leur classe, les facteurs minorant ou majorant les pratiques ; elle a d’autre part favorisé l’identification des acteurs qui interagissent dans le cadre de l’objet observé et pour lequel nous avons développé, à des fins d’analyse et de lecture, le théorie des parties prenantes éducatives pour développer une approche globale de l’objet. / Research has focused on the role of the arts in an inventory of educational practices through primary school, following the introduction of the teaching of Art History in 2008, and also considered the issue of social demand. The objective of the research was in first to identify teachers' practices in the field of arts education, and also to understand how this course contributes to the transmission of cultural heritage in schools. The research builds on both a survey of an academy, with teachers and parents, and on observations of teaching. In a first part, we observe how arts education was structured through legislative changes and influences that have led to its definition today. The official texts attest to a willingness to democratize art through the school system by teachers' practices. From the definition of arts education which is now based on the teaching of art history, cultural practices of class and artistic workshops, research has also examined the relationship between the teaching and the notion of cultural heritage. The second part focused on the cultural practices of families from a sample of parents, and social demand, that is to say, the expectations of parents toward school and tried to answer the question of the role of the educational institution in the transmission of cultural heritage and its implications in the context of a multicultural society. Thus, instead of arts education today seems to be unanimous among players, but the fight has moved to the grounds of the issue of equality. That's what mapping analysis (ArcGIS) helped bring to light. Finally, we reported on the teaching practices observed in the field observations. If this research has allowed one hand to identify the practices of teachers, resources and practices that they mobilize in their class, the lower bound or upper bound factors practices, on the other hand it will help identify actors interacting in the context of the observed object and for which we have developed for the purpose of analysis and reading the theory of educational stakeholders to develop a comprehensive approach to the object.

Cette thèse témoigne d’une recherche sur les arts et la culture à l’École, étudiant les dispositifs d’éducation artistique et culturelle et les divers effets qui en résultent dans les écoles primaires. Elle porte sur sept classes à Projet Artistique et Culturel implantées dans le département du Rhône.Interrogeant l’art et la culture dans le primaire, plusieurs questions se posent : en quoi ces pratiques servent-elles l’école ? Qu’est-ce que l’enseignant cherche à faire, à produire ? Formulées en ces termes, les questions ainsi posées trouvent une partie de leurs réponses au sein du discours et de la pratique enseignante, et peuvent être analysées dans le cadre de la sociologie de la justification de Luc Boltanski et Laurent Thévenot. Pour analyser la manière dont l’enseignant met en œuvre un dispositif artistique, nous avons besoin de comprendre comment il délègue une partie du travail aux objets. Notre cadre de recherche fait donc référence à la théorie de la délégation aux objets et à la construction de situations, cela dans l’optique de pouvoir décrire des projets artistiques tout en les inscrivant dans une dynamique, dans un processus. Il s’agit d’étudier d’une part, la façon dont les enseignants font tenir des situations en éducation artistique et d’autre part, comment les situations artistiques servent à faire tenir la classe, à faire tenir l’école. Cette enquête prend notamment en considération les éléments et les procédures d’investigation sous la forme d’entretiens avec l’enseignant engagé dans un projet artistique et culturel, et d’observations de séances en présence de l’artiste intervenant en classe. / This PhD thesis is a research about arts and culture at school, studying artistic projects and many effects on primary school. Seven french projects were analyzed.What effect can appear in artistic activities at school ? What happens when artists come to a primary school ? What would the teacher like to do with an artistic project ?Sociology of justification and objects delegation can help us to explain many interview points and to better analyse observation in the classroom.Through the examples of artistic and cultural (music, dance, puppet theatre, painting) projects carried out in seven classes of children, we realized, contrary to all expectations, that the setting up of many projects had a tendency to reinforce rules of behaviour. In fact, the discourse reveals that some teachers use art at school rather as a means of discipline in their class, instead of using it to develop expression, creation and the development of children.

Cette recherche doctorale a pour axe l’élaboration et la mise à l’épreuve d’un modèle évaluatif de l’éducation artistique centré sur les effets de l’art et les normes d’un atelier. Au cœur de ce modèle  : la « pédagogie » de l’artiste et sa relation avec l’élève, s’adressant à un sujet à part entière, visant à développer sa singularité et son autonomie au sein du collectif grâce à la création partagée. La thèse développe l'hypothèse d'une «  zone proximale de développement spécifique » (A. Kerlan, 2008) générée par le travail artistique et l'expérience esthétique dans une co-construction favorisant un processus de subjectivation pour le jeune, grâce à l’instauration d’un « espace de création » (D. W. Winnicott, 1975). Elle montre comment cette subjectivation passe nécessairement en atelier par un travail double de socialisation et d’individuation, dans les domaines cognitif, social et personnel. Sur le plan empirique, la recherche s’appuie sur les données recueillies dans le cadre d’un observatoire que l’on peut qualifier de microsociologique : il s’agit d’une classe artistique expérimentale, située dans un collège en zone d’éducation prioritaire, à Montpellier, ayant reçu des artistes professionnels en résidence durant quatre années, entre trois et six heures par semaine. Grâce à des méthodes qualitatives (observations directes d’un millier d’heures, films, photographies ainsi qu’une trentaine d’entretiens compréhensifs et semi-directifs) les résultats tendent à démontrer que la mise en place de résidences d’artistes sur la durée, à l’image de l’expérimentation longitudinale présentée dans la présente thèse, permet de proposer une éducation par l’art servant la formation de la personne dans son être global. / This doctoral research has for main line the development and testing of an evaluative model of arts education focused on the effects of art and the standards of a workshop. The central issue of this model: the "teaching skills" of the artist and his relationship with the student, addressing a subject in itself, to develop its uniqueness and autonomy within the group through the shared creation. The thesis develops the hypothesis of a "zone of proximal development specific" (A. Kerlan, 2008) generated by the artistic work and aesthetic experience in a co-construction encouraging a process of subjectivation for the young, thanks to establishment of a "creative space" (Winnicott, 1975). It shows how this subjectivity necessarily going in the studio with a double work of socialization and individuation, in the cognitive, social and personal. Empirically, the research is based on data collected as part of an observatory that can qualify for the micro: it is an experimental artistic class, located in a college education area priority in Montpellier, having received professional artists in residence for four years, between three and six hours per week. Through qualitative methods (direct observation of a thousand hours, films, photographs and a thirty understanding and semi-structured interviews) the results suggest that the development of artists in residences duration, like the longitudinal experiments presented in this thesis, allows us to offer an education in art for the formation of the whole person be global. / Esta investigación doctoral se centra en la elaboración y la puesta a prueba de un modelo evaluador de la educación artística centrada en los efectos del arte y las normas de un taller. En el centro de este modelo: la 'pedagogía' del artista y su relación con el estudiante, afín de dirigirse à un sujeto plenamente, para desarrollar su singularidad y su autonomía dentro del colectivo a través de la creación compartida. La tesis desarrolla la hipótesis de una "zona proximal de desarrollo específico" (A. Kerlan, 2008) generada por el trabajo artístico y la experiencia estética en una co-construcción que favorece un proceso de subjetivación de los jóvenes, mediante el establecimiento de un "espacio de creación" (D. W. Winnicott, 1975). Muestra cómo esta subjetivación en el taller pasa necesariamente por un doble trabajo de socialización y de individualización, en los ámbitos cognitivo, social y personal. En el marco empírico, la investigación se basa en los datos recogidos en el contexto de un observatorio que podría describirse como micro-sociológico: Se trata de una clase experimental artística situada en un colegio de una zona de educación prioritaria en Montpellier, que ha recibido a artistas profesionales en residencia durante cuatro años, entre tres y seis horas por semana. A través de métodos cualitativos (observaciones directas de mil horas, películas, fotografías, así como unas treinta entrevistas comprensivas y semiestructuradas), los resultados tienden a demostrar que el establecimiento de residencias de artistas en la duración, a la imagen de la experimentación longitudinal presentada en esta tesis, permite ofrecer una educación artística para la formación de la persona en su ser global.

Dans une situation d’important développement économique porté par les efforts de plusieurs générations au cours des années qui ont suivi la politique de la réforme et de l’ouverture en Chine, l’éducation esthétique s’inscrit à nouveau dans la politique éducative chinoise, après avoir été supprimée par Mao en 1958. De ce fait, l’éducation artistique, que la conception chinoise distingue de l’éducation artistique proprement dite, a connu également un développement d’ampleur. De nos jours, l’éducation artistique retient de plus en plus l’attention du gouvernement chinois, en raison de ses effets dans le processus de l’édificationet de la modernisation socialiste, ainsi que dans le renforcement de l’influence de la Chine dans le monde. A travers les analyses des politiques éducatives et des textes officiels, notre recherche consiste à dégager les rôles et les fonctions de l’éducation artistique dans la Chine contemporaine et à chercher à comprendre les raisons pour lesquelles le gouvernementchinois met l’accent sur ce type d’éducation. Ce travail nous conduit à dégager et à analyser les principaux facteurs qui influencent et expliquent son développement en Chine. / In a situation of important economic development carried by the efforts of several generations during the years which followed the reform policy and the opening in China, the esthetic education joins again in the Chinese education policy, having been eliminated by Mao in 1958. Therefore, the arts education, which the Chinese conception distinguishes from the esthetic education itself, also knew a development of scale. Nowadays, the arts education holds more and more the attention of the Chinese government, because of its effects in the process of the construction and the socialist modernization, as well as in the strengthening of the influence of China in the world. Through the analyses of education policies and official texts, our search consists in clearing the roles and the functions of the arts education in contemporary China and in trying to understand reasons why the Chinese government puts the accent on this educational type. This work leads us to clear and to analyze the main factors which influence and explain its development in China.

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