Ce mémoire propose un commentaire linéaire de la section de la Critique de la faculté de juger consacrée à l’esthétique allant des paragraphes 1 à 60. En guise d’introduction, il s’agira de décrire l’environnement philosophique dans lequel s’insère l’ouvrage, et de cerner la nécessité systémique pour le corpus kantien de poser la question de l’esthétique. Ensuite, une conception du sujet transcendantal sera présentée dont il faut comprendre le fonctionnement pour mesurer la portée des thèses soutenues dans le cadre de la troisième Critique. Ceci étant fait, un commentaire mettra en relation différentes interprétations de l’Analytique du beau et du sublime au terme de quoi sera brièvement présenté le contexte artistique au sein duquel Kant évolua pour finalement étudier les paragraphes ayant trait aux beaux-arts et au génie. Au cours de l’étude de l’Analytique du beau et du sublime, nous nous sommes demandé, qui satisfait véritablement les exigences kantiennes du goût. Le goût est-il véritablement l’affaire de tous ? À michemin entre un anti-sensualisme et un anti rationalisme, le sentiment réfléchissant ou réflexif suppose un sujet conscient de ce qui l’affecte, et capable de se maintenir dans cet état satisfaisant de liberté que nous pouvons qualifier de facultaire ou spirituelle. Mais à l’aune de quoi au juste le sujet de goût évalue-t-il la satisfaction éprouvée ? À l’issue de cette analyse, seront présentées en conclusion quelques pistes interprétatives pouvant orienter la lecture des développements sur les Idées esthétiques.

L'étude examine les rapports entre théorie de l'architecture et réflexions sur l'art à la fin de l'âge classique. À travers l'analyse du discours sur l'architecture, en considérant l'architecte comme un auteur, la recherche envisage la question de l'expressivité de l'objet architectural. Elle porte sur l'esthétique des architectes, en tant que théorie de la sensation du beau. Deux mots sont ainsi étudiés dans leur discours : caractère et type. Deux concepts qui résument à eux seuls deux théories de l'art antagonistes, car ils renvoient à deux visions du monde distinctes : celui de Blondel, Boullée et Ledoux, qui se tient au plus près de la nature, et celui de Quatremère de Quincy, qui est déjà rentré dans l'Histoire. L'enquête s'arrête sur son rôle déterminant dans le paysage artistique de la France du 19ème siècle, et sur son application à y introduire une théorie de l'art idéaliste empruntée à la critique d'art allemande et écossaise. En forgeant le concept de type, Quatremère de Quincy a contribué à renverser durablement les valeurs des architectes, jusqu'au 20ème siècle, en imposant une conception universaliste et abstraite contre une appréhension empirique de la réalité, une représentation de l'imagination contre une réflexion par l'entendement discursif, une imitation idéale contre l'antique principe d'imitation de la nature. Le concept de type idéal a été forgé à l'appui des écrits des philosophes, des naturalistes et des philologues, qui eurent de tout temps une forte influence sur les théories artistiques. Aussi, l'étude se propose d'inscrire le discours de l'architecte dans un champ épistémologique plus général pour confronter sa parole à celles de ces savants et penseurs. À travers l'analyse comparée des notions d'imitation, de jugement de goût et de style, thèmes centraux des théories sur l'architecture, l'étude questionne la place de l'histoire dans le processus conceptuel, ainsi que le rôle de la mémoire et de l'habitude au moment de la réception de l'œuvre

L'étude examine les rapports entre théorie de l'architecture et réflexions sur l'art à la fin de l'âge classique. À travers l'analyse du discours sur l'architecture, en considérant l'architecte comme un auteur, la recherche envisage la question de l'expressivité de l'objet architectural. Elle porte sur l'esthétique des architectes, en tant que théorie de la sensation du beau. Deux mots sont ainsi étudiés dans leur discours : caractère et type. Deux concepts qui résument à eux seuls deux théories de l'art antagonistes, car ils renvoient à deux visions du monde distinctes : celui de Blondel, Boullée et Ledoux, qui se tient au plus près de la nature, et celui de Quatremère de Quincy, qui est déjà rentré dans l'Histoire. L'enquête s'arrête sur son rôle déterminant dans le paysage artistique de la France du 19ème siècle, et sur son application à y introduire une théorie de l'art idéaliste empruntée à la critique d'art allemande et écossaise. En forgeant le concept de type, Quatremère de Quincy a contribué à renverser durablement les valeurs des architectes, jusqu'au 20ème siècle, en imposant une conception universaliste et abstraite contre une appréhension empirique de la réalité, une représentation de l'imagination contre une réflexion par l'entendement discursif, une imitation idéale contre l'antique principe d'imitation de la nature. Le concept de type idéal a été forgé à l'appui des écrits des philosophes, des naturalistes et des philologues, qui eurent de tout temps une forte influence sur les théories artistiques. Aussi, l'étude se propose d'inscrire le discours de l'architecte dans un champ épistémologique plus général pour confronter sa parole à celles de ces savants et penseurs. À travers l'analyse comparée des notions d'imitation, de jugement de goût et de style, thèmes centraux des théories sur l'architecture, l'étude questionne la place de l'histoire dans le processus conceptuel, ainsi que le rôle de la mémoire et de l'habitude au moment de la réception de l'œuvre / The study examines the relationships between theory of architecture and reflections on art at the end of the classic age. Through the analysis of the discourse on architecture, by considering the architect as an author, the research treats the question of expressiveness of the architectural object. It focuses on the aesthetic of architects, as a theory of sensation of beauty. Two words are studied in their discourse: character and type. Two concepts that summarize two theories of art antagonists, because they refer to two different visions of the world: that of Blondel, Boullée and Ledoux, which is closer to nature, and that of Quatremère de Quincy, which is already go into history. The survey stops on his determining role in the artistic landscape of 19th century in France, and its application to introduce a theory of idealistic art borrowed from German and Scottish art critic. By forging the concept of type, Quatremère de Quincy contributed to revaluate durably the values of architects, until the 20th century, by imposing a universalist and abstract design against an empirical understanding of reality, a representation of the imagination against a reflection based on discursive understanding, an ideal imitation against the classic art principle of imitation of nature. The concept of ideal type was forged on contact with the writings of philosophers, naturalists and philologists, who always had a strong influence on the artistic theories. Also, the study proposes to include the discourse of the architect in a more general epistemological field to confront his voice to those of these scientists and thinkers. Through the comparative analysis of the concepts of imitation, judgment of taste and style, central themes of theories on architecture, the study questions the place of history in the design process, as well as the role of memory and habit at the time of reception of the work by the public

La présente thèse a pour point de départ une exposition florentine organisée en 1990 et intitulée « Pittura di luce ». Ses organisateurs entendaient désigner ainsi un courant de la peinture florentine du milieu du XVe siècle fondé sur la lumière et la couleur claire. Comme l’avait bien compris l’exposition, cette « peinture de lumière » est d’abord identifiable dans la « manière colorée » portée par Fra Angelico et Domenico Veneziano, mais elle doit aussi être élargie à une manière plus « blanche », qui va de Masaccio aux premières œuvres d’Andrea del Verrocchio, au début des années 1470. Les implications techniques et symboliques d’un tel style méritent également d’être étudiées car elles renforcent le sens et la cohérence d’un mouvement publiquement soutenu par les Médicis et dont l’ambition majeure fut de « faire surgir » les peintures religieuses de la pénombre des églises (I). L’étude du développement géographique vaste mais discontinu de la pittura di luce approfondit les hypothèses proposées dans le cas florentin : tout autant qu’une façon moderne et proprement « renaissante » de peindre, la « manière claire » est aussi fondée sur une lumière théologique, associée en partie à la religiosité franciscaine. Piero della Francesca est assurément le grand protagoniste de ce double rayonnement, dans les cours et dans les campagnes (II). C’est également Piero qui sera au cœur de la redécouverte d’une peinture que les XIXe et XXe siècles ont réappris à voir grâce aux historiens de l’art et aux artistes, mais également en raison du changement des conditions de vision des œuvres d’art. En ce sens, la pittura di luce constitue un chapitre important de l’histoire du regard, que l’on propose de rapprocher d’autres redécouvertes picturales elles aussi fondées sur la notion d’apparition (III). / This thesis starts from an 1990 Florentine exhibition called “Pittura di luce” which intended to identify a trend in the mid-15th-century Florentine painting. This “painting of light” is not only, as was said at the time, a “coloured style” led by Fra Angelico and Domenico Veneziano, but it should be extended to a more “white manner”, from Masaccio to the first works of Andrea del Verrocchio, in the early 1470s. The technical and symbolical meanings of this style are to be studied as they reinforce the sense and the coherence of a trend publicly sustained by the Medici. The major aim of the “pittura di luce” is to make “emerge” religious paintings from the darkness of the churches (I). The study of the vast but also discontinuous geographical development of this “bright style” amplifies the hypotheses of the Florentine case: as much as a modern way of painting, it has very often a more archaic connotation of divine light. Piero della Francesca is surely the major figure of this ambivalent development (II). He is also one of the most significant examples of the way in which the “pittura di luce” was forgotten, and then rediscovered during the 19th and 20th centuries, thanks to art historians and artists, but also to the changes of the conditions of vision of the works of art. In this sense, the “pittura di luce” is an important chapter of the history of look, that we propose to compare with other rediscoveries of similar “paintings of apparition” (III).