Tesis no autorizada por su autor para ser publicada a texto completo en repositorio. / Doctor en filosofía con mención en estética y teoría del arte / La presente tesis indaga en cómo se revoluciona el proceso musical a partir del advenimiento de la tecnología de la grabación y la ejemplaridad que, al respecto, tiene el caso del pianista y teórico canadiense Glenn Gould. En la primera parte de la tesis, se profundizan los dos polos de esta propuesta general, mostrando en primer lugar la reflexividad entre el artista y el pensador de la grabación que sitúan a Glenn Gould como paradigma de esta revolución contemporánea, y en segundo lugar, dando cuenta del modo en que la grabación reorganiza la estructura jerárquica del proceso musical incidiendo directamente en una nueva forma de experiencia que el compositor, el intérprete y el auditor, establecen con la obra. Tras ello, las dos partes siguientes se concentran por turnos en las condiciones de posibilidad y en los efectos de esta revolución. Así, en la segunda parte de la tesis, se indagan las transformaciones estéticas, tanto de la tecnología como del lenguaje musical, que permitieron la revolución de la grabación y más específicamente el modo en que Glenn Gould las asume como artista. De una parte, se revisa la promoción de un universalismo de la experiencia musical a partir de las nuevas tecnologías, donde destaca el advenimiento de la afinación temperada y la invención de un nuevo instrumento de registro como el pianoforte. De otra, se examina la promoción del azar en el momento compositivo y la liberación del auditor en el momento receptivo, tal como se verifica en la vanguardia musical que constituye el horizonte inmediato de la práctica de Gould. Para ello, veremos lo que, a partir de su obra, propone el artista y músico norteamericano John Cage. En la tercera parte, a su vez, bajo la rúbrica de “Aura e historicidad de la obra”, se examinan los efectos de la revolución contemporánea del proceso musical en la grabación con un énfasis tanto sincrónico como diacrónico. De una parte, se examina el quiebre con la noción tradicional de aura asociada al concierto público, para lo cual se recurre a las reflexiones de Walter Benjamin, dando cuenta de un nuevo vínculo que se establece con la obra a partir de la reproducción grabada de la música. De otra, se examina una nueva historicidad musical como irrupción creativa del pasado en el presente, tal como aparece de manera pionera en la grabación de Glenn Gould y que ha sido llevado a sus posibilidades extremos en los encargos contemporáneos del sello alemán Deutsche Grammophon. A modo de epílogo, se propone una experiencia de creación propia que consiste en la recomposición de la obra Prélude à l´après – midi d´un faune de Claude Debussy a partir del uso y la manipulación del archivo sonoro de ella. De esta manera se busca, de una parte, completar la estructura completa de la obra que Debussy dejó pendiente (preludio, interludio y paráfrasis), bajo una derivación estilística casi imperceptible que va desde el impresionista de finales del siglo XIX hasta el Ambient Music de las últimas décadas del siglo XX. De otra, llevar a cabo una nueva forma de historicidad musical productiva, a través del uso y las posibilidades que permite el estudio de grabación y la manipulación de un archivo sonoro concreto.

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Sistematiza el proceso de producción y difusión de la realización discográfica de música andina Clamor de niño, de la intérprete María Conislla, que se publicó en diciembre de 2010. Identifica las mejores prácticas de comunicación que se utilizaron para la difusión del material discográfico producido el 2010. Describe la experiencia profesional en un contexto muy ajustado a la realidad de los artistas y comunicadores emprendedores peruanos. Visibiliza los retos de la comunicación social en los entornos de la producción musical en el Perú. Analiza la música andina de contenido social, a través de la historia, entendiéndola como un instrumento de reflexión crítica frente a la realidad político social del país. Revalora el proceso de desarrollo histórico de la música andina en el Perú y sus formas de vigencia en el contexto actual.

Una gran cantidad de colecciones de registros sonoros se encuentran depositadas en distintas instituciones culturales de nuestro país y por la importancia que revisten se hace necesario adoptar medidas que aseguren su conservación en condiciones adecuadas. Esto, en muchos casos significa aplicar tratamientos de costos significativos y/o realizar cambios o modernizaciones tecnológicas. Pero, la escasez de los recursos destinados a la preservación de estas colecciones implica que no todas ellas puedan recibir tratamiento inmediato y se hace entonces necesario evaluar las colecciones para generar un ranking que determine cuáles de ellas tienen mayor prioridad y deben ser tratadas con los recursos disponibles y cuáles pueden esperar. Sin embargo, evaluar colecciones y determinar prioridades no es todavía una práctica institucional común y además, de ser necesario, el cambio de paradigma tecnológico (del dominio análogo al dominio digital-informático) en el ámbito de los archivos audiovisuales de nuestro país impone la necesidad de contar con profesionales del Sonido que sean capaces de enfrentar esta tarea. En particular, en el Departamento de Extensión Cultural de la Biblioteca Nacional existe una colección que registra actividades artísticas y culturales realizadas entre los años 1986 y 2008 y que merece preservarse como testimonio para generaciones futuras. En este contexto, la presente Memoria de Título se preocupa de recopilar información relevante y evaluar, en base a ella, dicha colección, para luego proponer acciones para su preservación

El presente proyecto sobre el estudio de grabación, nos muestra la viabilidad de la ejecución, basándonos en una investigación y validación de mercado que se realizó en la ciudad de Lima Metropolitana a personas del NSE B, C y D, que nos permitió identificar una demanda insatisfecha debido a la falta de oportunidades de poder demostrar su talento musical, en un estudio de música implementado con un nivel profesional, con instrumentos y equipos profesionales y que, además, les ofrezcan oportunidades de presentaciones en eventos. Actualmente, las personas interesadas en el arte de la música buscan estudios en donde puedan mejorar o perfeccionar su talento, y se preocupan por encontrar un lugar que les ofrezcan todas las alternativas posibles, y considerando que hoy en día hay una gran tendencia, vemos que hay una oportunidad de negocio para poder atender esta necesidad. Para la puesta en marcha de este estudio de música, se requerirá una inversión inicial de S/231,815 soles, financiado en un 40% con la aportación de un inversionista y un 60% con los aportes de los accionistas. La inversión que realizarán los accionistas (60%) se estima recuperar en 5.77 años de la operación. El proyecto resulta viable porque cumple las expectativas de los inversionistas y accionistas al tener una TIRE (61.31%) superior al WACC (15.84%), y para el accionista de un COK de 17% obteniendo un TIRF de 56.00%. anual. / This project on the recording studio shows us the feasibility of the execution, based on a market research and validation that was carried out in the city of Lima Metropolitana to people of NSE B, C and D, which allowed us to identify a demand dissatisfied due to the lack of opportunities to demonstrate their musical talent, in a music studio implemented with a professional level, with professional instruments and teams and that also offer them opportunities for presentations at events. Today, people interested in the art of music look for studies where they can improve or perfect their talent, and they worry about finding a place that offers them all the possible alternatives, and considering that today there is a great trend, we see that there is a business opportunity to meet this need. For the start-up of this music studio, an initial investment of S/231,815 soles will be required, financed by 40% with the contribution of an investor and 60% with the contributions of the shareholders. The investment that shareholders will make (60%) it is estimated to recover within 5.77 years of the operation. The project is viable because it meets the expectations of investors and shareholders by having a TIRE (61.31%) WACC (15.84%), and for the shareholder of a COK of 17% obtaining a TIRF of 56.00%. per year. / Trabajo de investigación

La invención de nuevas tecnologías a partir del siglo XX ha llevado a la creación de un nuevo profesional musical: el productor musical. Este, en el contexto de las producciones musicales modernas, es el principal árbitro del fonograma final y ha adquirido una agencia creativa que puede encontrarse en conflicto con la de los músicos ejecutantes profesionales. Este conflicto se potencia en el marco del uso de herramientas de edición y postproducción que directamente afectan la expresión capturada del músico, modificando la naturaleza en sí de su profesión. Es así como surgen cuestiones éticas como la noción de la autenticidad y la despersonalización de la performance que serán discutidas a lo largo de este texto, teniendo como caso específico de estudio la relación entre el rol del productor musical y los bateristas profesionales. Para esto se contrastará las ideas de distintos autores que abordan el tema principalmente desde la estética y la ética musical. Se buscará a partir de esta discusión responder la pregunta: ¿Cuál es la responsabilidad ética de los productores musicales al utilizar las herramientas de postproducción en las grabaciones de bateristas profesionales? Se concluye que esta responsabilidad ética se basa en respetar la individualidad del baterista profesional en su expresión y de trabajar conjuntamente con éste para que incorpore la mediación tecnológica como parte de su arte. Asimismo, su responsabilidad también recae en reducir en la medida de lo posible la despersonalización de la performance musical mediante el uso de la grabación directa de bateristas profesionales y, a su vez, no usar las tecnologías para construir performances artificiales a partir de grabaciones que no se encuentren al nivel deseado de un músico profesional. / The invention of new technologies since the 20th Century has led to the creation of a new musical profession: the musical producer. He is, in the context of modern musical productions, the main arbiter of the final phonogram and has acquired a creative agency that may be in conflict with those of music performers. This conflict is boosted in the context of the use of editing and postproduction tools that have a direct effect on the captured expression of the musician, modifying the underlying nature of his profession. Certain ethical notions arise as a product, like the notion of authenticity and the depersonalization of the performance, and will be therefore discussed in the following pages, taking the relationship between the musical producer and professional drummers as our specific case study. The discussion will consist on contrasting the ideas of different authors that discuss this topic mainly from an aesthetic and ethical perspective. The objective of this discussion will be to answer the following question: What is the ethical responsibility of the musical producer that utilizes the recordings of professional drummers? The conclusion that is reached with the discussion confirms that the ethical responsibility of the musical producer relies on the respect that he or she owes to the professional drummer’s individuality in his musical expression and that he or she needs to work along with the performer to further incorporate the technological mediation as part of the drummer’s art. Additionally, his responsibility also consist in actively reducing as much as possible the depersonalization of the performance with the use of live recordings of professional drummers and, at the same time, not using musical technology to construct an artificial performance from a recording that does not reach the required level of a professional musician.