Le présent mémoire de maîtrise présente une recherche-création réalisée dans le cadre du programme Littérature et arts de la scène et de l’écran de l’Université Laval et qui s’intéresse à la problématique du potentiel théâtral et dramaturgique de la musique prise comme « texte » en vue de la création de séquences de danse théâtralisée. L’auteur y présente d’abord le cadre théorique et conceptuel lié aux trois relations interartistiques impliquées dans son sujet : musique et théâtre, théâtre et danse et danse et musique. Elle prend alors appui notamment sur les écrits d’Adolphe Appia, Michèle Febvre et Jean-Jacques Nattiez et sur l’expérience de praticiens tels qu’Anne Teresa de Keersmaeker et Pina Bausch. De cette base réflexive, elle tire des outils permettant de dégager le potentiel recherché et de l’appliquer à la mise en mouvement de la musique. Elle expérimente également avec ces outils dans la mise en marche d’un processus de création dont les différentes étapes, qui s’étendent de la recherche de musique à la présentation publique des séquences réalisées, sont exposées dans ce mémoire. Les deux séquences de danse théâtralisée De fil en fils et Fuis-moi je te suis…, dont la captation vidéo se trouve en annexe, font l’objet d’une analyse visant à découvrir les divers éléments musicaux ayant participé à induire une forme de théâtralité. / This master’s thesis presents a research-creation completed in Laval University’s Littérature et arts de la scène program and focuses on the question of music’s theatrical and dramaturgical potential when used as « text » in the creation of theatrical dance sequences. The author first presents a theoretical and conceptual framework linked to the three inter-artistic relationships implied in her subject: music and theater, theater and dance and dance and music. She supports her ideas with the works of Adolphe Appia, Michèle Febvre and Jean-Jacques Nattiez as well as with the practical experience of Anne Teresa de Keersmaeker and Pina Bausch choreographies. From this reflexive framework she finds the tools needed to release the music’s potential and to set it in motion. She also experiments with these tools to implement a creative process from the search for music to the public presentation of the constructed sequences, which are exposed in this thesis. Both theatrical dance sequences De fil en fils and Fuis-moi je te suis…, the video recording of which can be found in the annex, are analyzed in order to discover the different musical elements that encouraged their theatrical form.

Cette thèse porte sur la mise en scène des répertoires traditionnels ouïghours, dans sa forme musicale, chorégraphique et théâtrale. Depuis plusieurs décennies, les grands spectacles pluridisciplinaires mettent en scène l’héritage culturel ouïghour. Ces spectacles, créés par les artistes de la communauté eux-mêmes, visent cette même communauté. Ils passent par des processus de réarrangement, de canonisation et surtout de théâtralisation (à l’occidentale) pour rendre l’art traditionnel brut présentable sur une scène. Ces constats mènent à s’interroger sur la manière dont la société ouïghour contemporaine écoute ses musiques et regarde ses danses. Les questions du rôle de l’art et de la culture dans la vie quotidienne et de leur impact sur le sentiment d’appartenance nationale sont au cœur de ces réflexions. Ce travail s’intéresse à l’origine de la professionnalisation issue des mouvements réformistes dans les années 1920-30. La création de troupes artistiques a joué à la fois un rôle éducatif et divertissant, mais aussi de symbole de résistance. Au cours du siècle, ce mouvement artistique a traversé plusieurs périodes, parfois même douloureuses. Mais aujourd’hui, la scène artistique est productive et de plus en plus active. Cette thèse s'appuyant sur l’étude de sources, sur des enquêtes de terrain, l’analyse des discours et des spectacles, essaye de dégager les mécanismes de représentation de soi des artistes ouïghours, en tant que peuple et nation, aux yeux du monde extérieur. En affirmant l'identité ethnique, ces mises en scènes participent efficacement à la construction nationale, un combat qui touche toute la communauté ouïghour, et tente de dresser une image reconnue tant par ses membres qu’aux yeux du monde. / This thesis focuses on the staging of Uyghur traditional art in its musical, chorographical and theatrical forms. For decades, large multidisciplinary performances depicted the Uyghur cultural heritages. Distended to share with their own, these performances are created by the artists of the community. Rearrangement, canonization, dramatizing (in Western style) are used to transform traditional art, to be more attractive on stage. This created an outstanding “bricolage” of all aspect of one culture, to be put in one space and in a limited time. These findings lead to questioning the ways of listening to music and watching dance in contemporary Uighur society. Equally, this phenomenon questions the role of art and culture in their everyday life. Furthermore, the impact of all these transformation on the sense of national identity is at the heart of our reflections. This thesis is interested in the origin of artistic professionalization established by the reform movements in the 1920s-30s, which played a role of educating and at the same time entertaining the population/poeple, and became a symbole of resistence in the region. Today, the stage represents an important aspect of uyghur society. After many years of fieldwork, analysing the discourse and different kinds of professional performances this thesis identifies the self- representation mechanisms of Uyghurs, as one nation, one ethnic group, to the outside world. It relies on historical sources, years of fieldwork in different regions of Xinjiang, includes different kinds of professional or amateur performances, and interviews of the actors and experts's discourse.

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Titre de l'écran-titre (visionné le 13 décembre 2023) / Pour les interprètes de musique ancienne, les danses baroques sont comme une famille et des voisins ; où que vous alliez, vous trouverez l'une d'entre elles, dans des suites, des sonates, des ballets, des opéras, et même des cantates et des oratorios, sous des noms et des formes variés. Comprendre des aspects essentiels comme le tempo, l'articulation et le phrasé dans la musique de danse baroque nécessite des informations d'interprétation. Grâce aux efforts des chorégraphes contemporains pour faire revivre les danses des XVIIe et XVIIIe siècles, des informations relativement détaillées sur les pratiques d'interprétation de ces danses ont été obtenues. Ce projet vise à générer de nouvelles idées pour l'interprétation du répertoire de clavecin par le biais d'une étude artistique qui intègre de multiples méthodologies. Celles-ci comprennent l'étude des traités baroques, l'analyse de la notation des danses baroques, la pratique de ces danses et l'étude comparative de la notation de danse et la notation musicale. La validité des résultats de la recherche a été estimée par la pratique, à la fois en tant que danseur et en tant que musicien accompagnant des danseurs, utilisant ainsi la pratique comme outil de recherche. En outre, de nombreuses nouvelles idées d'interprétation ont été découvertes au cours du processus de pratique. / For the early music performers, baroque dances are like family and neighbours; wherever you go, one of them will be found, in suites, sonatas, ballets, operas, and even cantatas and oratorios, with various names and forms. Understanding essential aspects like tempo, articulation, and phrasing in baroque dance music requires interpretive information. Thanks to the efforts of contemporary choreographers to revive the 17th and 18th-century dances, relatively detailed information on the performance practice of these dances has been obtained. This project aims to generate new ideas for interpreting the harpsichord repertoire through an artistic study incorporating multiple methodologies. These include the study of baroque treatises, the analysis of baroque dance notation, the practice of baroque dances, and the comparative study of baroque dance notation and music. The validity of the research findings has been judged through practical application, both as a dancer and as a musician accompanying dancers, effectively using practice as a research tool. Furthermore, numerous new interpretive ideas have been discovered during the practice process.