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Ce mémoire porte sur les différentes relations qu'entretiennent musique et texte, et plus spécifiquement sur l'influence réciproque entre texte et musique dans la composition de trois de mes oeuvres avec voix. L'influence des choix compositionnels sur le réaménagement du texte est d'abord démontrée dans chacune des trois oeuvres : L'Horloge pour choeur mixte et ensemble de cuivres d'après le poème éponyme de Charles Baudelaire ; Ne pas (deux pièces : Le Négateur et Entendez-moi) pour voix soliste (mezzo-soprano), percussions et piano d'après deux poèmes de Yanik Dupuis ; Nohow on pour récitant et orchestre d'après des extraits du roman Worstward Ho de Samuel Beckett. Chacune de ces oeuvres est ensuite analysée en fonction d'une influence unique et précise du texte sur les choix compositionnels : l'influence du texte sur la forme de l'oeuvre (L'Horloge) ; l'influence du texte sur le traitement de la voix (Ne pas) ; l'influence du texte sur le traitement des instruments (Nohow on).

Titre de l'écran-titre (visionné le 13 février 2023) / Cette recherche est une thèse auto-ethnographique encadrée dans les canons méthodologiques de la recherche axée sur la pratique, orientée vers l'interprétation historiciste de cantates et motets du XVIIIe siècle, conservés dans des archives hispano-américaines. Notre objectif est de valider l'application de procédures rhétoriques musicales dans le développement d'une interprétation historiquement vraisemblable. Cette étude est basée sur des principes idéo-esthétiques de l'interprétation historiciste, principalement associés au concept de vraisemblance proposé en 1988 par Richard Taruskin (1945) ; ainsi que sur des préceptes en interaction de la rhétorique musicale et les théories des passions, particulièrement ceux théorisés en 1739 par Johann Mattheson (1681 - 1764). On se focalise notamment sur la relation intersémiotique entre le texte littéraire et les figures rhétoriques qui affectent la mélodie, sur la base de la catégorisation proposée en 2000 par Rubén López-Cano (1966). En ce sens, l'analyse de l'elocutio (style rhétorique, élocution, éloquence) est au centre de cette recherche, dans le but de rendre notre interprétation cohérente avec le discours rhétorique implicite dans les compositions. De même, les préceptes rhétoriques conçus par les compositeurs et appliqués délibérément par nous tout au long de la création de notre propre discours s'expriment lors de notre représentation publique ou pronuntiatio. Comme référence de cette phase rhétorique, nous estimons certaines considérations exposées en 2012 par Rafael Palacios Quiroz (1962), les théorisations publiées en 1752 par Johann Joachim Quantz (1697 - 1773), et des informations iconographiques et documentaires (traités) des XVIIe et XVIIIe siècles. Les procédures herméneutiques liées à ce type de recherche sont développées à partir de l'analyse critique et la triangulation des renseignements contenus dans des sources littéraires et visuelles historiques et contemporaines, ainsi que sur la prise de décisions interprétatives issues du processus dialogique de recherche, de pratique et de réflexion. / This research is an auto-ethnographic thesis framed within the methodological canons of practice-led research, oriented towards an historicist interpretation of 18th-century cantatas and motets preserved in Hispano-American archives. Our goal is to validate the application of musical rhetorical procedures in the development of a historically verisimilar interpretation. This study is based on ideo-aesthetic principles of historicist interpretation, mainly associated with the concept of verisimilitude proposed in 1988 by Richard Taruskin (1945); as well as on interacting precepts of musical rhetoric and theories of the passions, particularly those theorized in 1739 by Johann Mattheson (1681 - 1764). We focus on the intersemiotic relationship between the literary text and the rhetorical figures that affect the melody, based on the categorization proposed in 2000 by Rubén López-Cano (1966). In this sense, the analysis of elocutio (rhetorical style, elocution, eloquence) is at the center of this research, with the aim of making our interpretation consistent with the rhetorical discourse implicit in the compositions. Likewise, the rhetorical precepts devised by composers and deliberately applied by us throughout the creation of our own discourse find expression in our public performance or pronuntiatio. As a reference of this rhetorical phase, we review some considerations exposed in 2012 by Rafael Palacios Quiroz (1962), the theorizations published in 1752 by Johann Joachim Quantz (1697 - 1773), and iconographic and documentary information (treaties) of the XVII and XVIII centuries. The hermeneutical procedures related to this type of research are developed from the critical analysis and triangulation of information contained in historical and contemporary literary and visual sources, as well as from the interpretative decision-making resulting from the process of research, practice, and reflection.

Le style artistique parisien et la langue française ont tous deux attiré des artistes du monde entier à travers l'histoire. Suivant cette tendance, de nombreux compositeurs brésiliens du début du XXe siècle se sont inspirés de cette culture pour créer des oeuvres pour voix et piano à partir de poèmes en français. Cette thèse nous permet de découvrir une large collection de pièces de ce type de répertoire. Cela nous aide également à localiser l'emplacement de chaque composition. Ce document révèle aussi l'influence du sens musical parisien sur les compositeurs brésiliens tels que Villa-Lobos, Mignone, Nepomuceno et plusieurs autres. L'auteur décrit la relation entre le texte et la musique et explique le défi que représente la mise en musique de la langue française. Il appuie ses données sur des discussions de musiciens et d'experts. Son expérimentation personnelle sur des sujets tels que la prononciation et les subtilités de la langue française à travers son exploration de cette musique fournit une preuve significative des résultats de ses recherches. Cette recherche vise principalement les chanteurs brésiliens qui ressentent un intérêt particulier pour les collections musicales de ce type. / The Parisian art style and the French language have both attracted artists around the world through history. In that tendency, many Brazilian composers of the turn of the 20th century were inspired by that culture to create works for voice and piano using poems in French. This dissertation enables us to discover a large collection of pieces of that kind of repertoire. It also helps us to track down the location of each composition. This document also discloses the influence of the Parisian musical savvy on Brazilian composers such as Villa-Lobos, Mignone, Nepomuceno and many others. The author describes the relationship between text and music and explains the challenge that setting the French language to music represents. He supports his information on discussions of musicians and experts. His personal experimentation on matters such as pronunciation and the French language subtleties through his exploration of this music provides significant evidence of the results of his research. The main target of this research is Brazilian singers who feel a particular interest for music collections of this kind.

Le style artistique parisien et la langue française ont tous deux attiré des artistes du monde entier à travers l'histoire. Suivant cette tendance, de nombreux compositeurs brésiliens du début du XXe siècle se sont inspirés de cette culture pour créer des œuvres pour voix et piano à partir de poèmes en français. Cette thèse nous permet de découvrir une large collection de pièces de ce type de répertoire. Cela nous aide également à localiser l'emplacement de chaque composition. Ce document révèle aussi l'influence du sens musical parisien sur les compositeurs brésiliens tels que Villa-Lobos, Mignone, Nepomuceno et plusieurs autres. L'auteur décrit la relation entre le texte et la musique et explique le défi que représente la mise en musique de la langue française. Il appuie ses données sur des discussions de musiciens et d'experts. Son expérimentation personnelle sur des sujets tels que la prononciation et les subtilités de la langue française à travers son exploration de cette musique fournit une preuve significative des résultats de ses recherches. Cette recherche vise principalement les chanteurs brésiliens qui ressentent un intérêt particulier pour les collections musicales de ce type. / The Parisian art style and the French language have both attracted artists around the world through history. In that tendency, many Brazilian composers of the turn of the 20th century were inspired by that culture to create works for voice and piano using poems in French. This dissertation enables us to discover a large collection of pieces of that kind of repertoire. It also helps us to track down the location of each composition. This document also discloses the influence of the Parisian musical savvy on Brazilian composers such as Villa-Lobos, Mignone, Nepomuceno and many others. The author describes the relationship between text and music and explains the challenge that setting the French language to music represents. He supports his information on discussions of musicians and experts. His personal experimentation on matters such as pronunciation and the French language subtleties through his exploration of this music provides significant evidence of the results of his research. The main target of this research is Brazilian singers who feel a particular interest for music collections of this kind.

Globalement, ce mémoire de maîtrise cherche à redéfinir le style du chansonnier québécois Félix Leclerc (1914-1988). Plus concrètement, la recherche vise à mettre en évidence une trajectoire commune qui serait suivie autant par les textes que par les accompagnements de guitare des enregistrements sonores de chansons. Pour ce faire, le travail s'articule en trois grandes étapes. La première partie est entièrement consacrée à l'étude des textes de chansons de Leclerc. On y trouve la description des caractéristiques du thème du pays à chaque moment de la carrière du chansonnier. Inspiré par les travaux sur le nationalisme de Louis Balthazar (1986) et par des synthèses sociohistoriques de l'évolution des idéologies au Québec de Denis Monière (1977), de Fernand Dumont (1996), d'Yvan Lamonde (2004) et d'autres chercheurs, le premier chapitre commence par retracer les origines du nationalisme au Québec. 11 est par la suite question d'effectuer des liens entre des extraits de textes de chansons de Leclerc et les idées de quelques-uns des principaux penseurs nationalistes canadiens-français et québécois des XIXe et XXe siècles. La deuxième partie du mémoire s'intéresse uniquement à l'analyse musicale des chansons enregistrées de Leclerc. Plus spécifiquement, le corps du texte s'attarde aux relations entre les influences musicales connues du chansonnier et les techniques de guitares observées dans le corpus. Guidé par la méthode d'apprentissage des musiciens populaires telle qu'étudiée par Lucy Green (2001), le deuxième chapitre recueille d'abord tout ce que les sources biographiques consacrées à Leclerc dévoilent au sujet de ses influences musicales. Une fois cette étape réalisée, la recherche recourt ensuite au concept de Song familles (« Familles de chansons ») de Hatch et Millward (1987) ainsi qu'à un outil de la méthode d'analyse des musiques populaires de grande consommation de Philip Tagg ([1979] 2000; 1982). Au moyen d'enregistrements sonores et de documents audiovisuels où le chansonnier se livre à des prestations, l'analyse permet une description détaillée de l'ensemble des particularités du style d'accompagnement à la guitare. Puis, grâce à des comparaisons avec des extraits sonores variés, elle tente de montrer en quoi chacune des techniques d'accompagnement de guitare employées relève des différentes influences musicales identifiées. Dans le troisième et dernier chapitre du mémoire, la recherche reprend les conclusions des analyses textuelle et musicale. En étudiant conjointement le traitement du thème du pays et la technique de guitare, elle parvient à isoler des changements clés qui interviennent à des moments précis. Elle fonde cette dernière démonstration sur l'étude des relations texte-guitare qui, tant pour l'ensemble du corpus que dans des exemples très concrets de chansons, tend à justifier l'existence d'au moins trois périodes dans la carrière de Leclerc. Ce faisant, le mémoire explique pour quelles raisons il est souhaitable de nuancer la croyance répandue qui veut que le style du chansonnier se divise uniquement en deux périodes : avant et après la crise d'Octobre 1970. / Ail in ail, this master's thesis aims at redefïning style in the songs of Québec singers-ongwriter Félix Leclerc (1914-1988). More specifically, the research points out at a trajectory followed both by text and guitar accompaniment. The work articulates in three parts. The first part is fully dedicated to Leclerc's lyrics. Ail along the chansonnier's career, the research intends to describe the characteristics of nationalism involved with the use of the word "pays" ("country" or "region", depending on context). The textual analysis is based on a study of nationalism by Louis Balthazar (1986) as well as on socio-historical researches about Québec such as those by Denis Monière (1977), Fernand Dumont (1996) and Yvan Lamonde (2004). After providing an overview of Québec nationalism in history, the work makes connections between Leclerc's lyrics and ideas by French Canadian as well as Québécois nationalist thinkers of the twentieth century. The second part focuses on a musical analysis of Leclerc's recorded chansons. In short, the work relates the musical influences as documented in biographical sources and the peculiarity of the guitar technique as observed on recordings and audiovisual documents. To do so, the analysis borrows from the learning process of popular music musicians as studied by Lucy Green (2001), from the Song families concept developed by Hatch and Millward (1987) and from the semiotics of mass media music, studied by Philip Tagg ([1979] 2000; 1982). The third part uses the conclusions of textual and musical analyses to show that key changes occur at very specific moments of Leclerc's career. The demonstration is founded on text-guitar relationships at two levels : in a few isolated chansons and on the global scale of the whole repertoire. In the end, the analysis tends toward the identification of three different periods in Leclerc's style and the conclusions allow to nuance the widespread idea that the chansonnier's style is only divided in two periods : before and after the Québec political crisis of October 1970.

L'analyse de la musique rock pose certains problèmes au plan méthodologique, particulièrement à l'égard des paramètres musicaux qui doivent être pris en compte. Ce travail vise à rendre compte de la chanson «Digging in the Dirt» de Peter Gabriel, d'abord à travers une analyse systématique du texte, des paramètres musicaux traditionnels et des paramètres musicaux technologiques. Plusieurs rapports texte-musique sont ensuite relevés, de façon à montrer comment les différents éléments musicaux (traditionnels et technologiques) interagissent pour soutenir le texte. Les interprétations issues de 1'analyse de ces rapports sont corroborées par des données externes à l'oeuvre (poïétiques et esthésiques). Le travail propose donc une méthode systématique d'analyse d'une oeuvre rock, méthode qui parvient à rendre compte des particularités de ce style musical, tout en confirmant l'intérêt que la musique populaire peut présenter du point de vue musicologique. / Québec Université Laval, Bibliothèque 2014

De nombreux préjugés entourant les sonates pour piano de Mozart, notamment leur trop grande simplicité, font en sorte qu’elles ne font pas partie du répertoire de prédilection (Newman 1983). De manière générale, les problèmes d’interprétation reliés à la musique de Mozart ont souvent été relevés (Badura-Skoda 1980; Levin 1992; Ogata 2012) et sa musique instrumentale a fait l’objet d’analyses comparatives avec sa musique vocale (Chantavoine 1948; Keefe 2001; Klorman, 2013). Plus précisément, Jones (1985) compare les sonates pour piano de Mozart avec ses opéras, mais ne suggère pas un renouvellement concret du jeu pianistique –et donc une revalorisation de ce répertoire. De plus, Irving soutient que la sonate K.457 emprunte le langage de l’opéra (1997: 100): «The material is of narrative, even dramatic kind. This is evident from the beginning, which presents a dialogue suggestive of two radically conflicting characters, [...]» (Irving 2010 : 99). Nous aborderons donc la sonate K.457 en tant que «récit» au sens de Grabócz (2009b), c’est-à-dire: des productions sonores qui se déroulent comme une «intrigue». Ainsi, suivant une démarche narratologique, en quoi un examen des stratégies d’écriture opératiques de Mozart permettrait-il de mieux comprendre celles présentes dans la sonate K.457 ? Comment cette approche pourrait-elle influencer notre jeu pianistique ? Nous associerons d’abord les paramètres musicaux caractérisant quelques personnages de certains des opéras de Mozart (Idomeneo 1781, Die Entführung aus dem Serail 1782, Le Nozze di Figaro 1786, Don Giovanni 1789, Die Zauberflöte 1791) aux éléments musicaux propres au 1er mouvement de la sonate K / Mozart’s piano sonatas suffer from prejudices, such as unnecessary difficulties, which lead pianists to set this music aside(Newman 1983). Mozart’s performance practice is often discussed (Badura-Skoda 1980; Levin 1992; Ogata 2012) and his instrumental music is the purpose of many comparative analysiswith his vocal music (Chantavoine 1948; Keefe 2001; Klorman, 2013). More precisely, Jones’ (1985) compares Mozart’s piano sonatas with his operas, but he does not propose new interpretation tools. Moreover, Irving suggests that Mozart’s piano sonata K.457 shows an operatic language (1997 : 100): «The material is of narrative, even dramatic kind. This is evident from the beginning, which presents a dialogue suggestive of two radically conflicting characters, [...]» (Irving 2010: 99).Thus, this work will be regarded as a “story” following Grabócz’s definition (2009), whic his, sounds’continuity taking the form of a plot . How could narratology give a new understanding of the writing strategies specific to the first movement of this sonata? How could it influence our influence our own piano playing? We will first compare writing strategies related to the opera’s characters appearing at the same time in some of Mozart’soperas(Idomeneo 1781, Die Entführung aus demSerail 1782, Le Nozze di Figaro 1786, Don Giovanni 1789, Die Zauberflöte 1791) and in this movement. These similarities will then be associated with Grabócz’s “figures dynamiques de la mise en intrigue”, which are “suspense” and “curiosity”. Finally, we will take a look at how these analyses influencedour interpretation of this work, and how our creative process impacted our researches.

La thèse ici présentée ambitionne d’étudier l’impact de l’imaginaire musical sur l’écriture de trois poètes majeurs du XXe siècle : Federico García Lorca (1898-1936), Pierre Jean Jouve (1887-1976) et Giorgio Caproni (1912-1990). Elle part d’un constat simple : ces trois poètes ont pour élément fédérateur non seulement une connaissance intime de la musique, mais, risquons le terme, une véritable obsession de celle-ci, qui prend bien souvent les aspects d’une fascination irrationnelle et enchanteresse face à ce que Jouve, dans une expression lourde de sens, appelle la « matière ensorcelée » – entendons par là le pouvoir désarmant du charme musical.Tous trois permettent ainsi l’élaboration, par la comparaison, d’une réflexion sur les positionnements esthétiques et idéologiques possibles de la poésie face à la musique en Europe, dans une période à la fois post-wagnérienne et post-mallarméenne. Ils sont l’occasion d’une méditation sur le rêve énoncé par Vladimir Jankélévitch dans Quelque part dans l’inachevé, appelant à « écrire non pas sur la musique, mais avec la musique », pour « demeurer complice de son mystère ».Pour répondre à ce questionnement, la thèse envisage d’abord la dimension identitaire de l’imprégnation musicale chez les auteurs, puis les modalités de son inscription dans leurs poétiques respectives, avant d’observer les évolutions à l’œuvre dans leur perception du référent musical au fil du temps. Ainsi sera mise en valeur la dimension imaginaire et fantasmatique de cet art qui n’aura cessé de les requérir leur vie durant. / This thesis aims at studying the impact of musical imagination on the writing of three major poets of the XXth century : Federico García Lorca (1898-1936), Pierre Jean Jouve (1887-1976) and Giorgio Caproni (1912-1990). It starts from a simple observation : not only do these poets have an intimate knowledge of music, but, let us risk the term, a real obsession for it, that often verges on an irrational and enchanting fascination for what Jouve, in a thoughtful expression, calls “the bewitched matter” – ie the disarming power of the musical charm.All three of them thus enable the elaboration, through comparison, of a reflection on the esthetical and ideological positionings of poetry in front of music in Europe, in a time both post-wagnerian and post-mallarmean. They make possible a meditation on the dream once stated by Vladimir Jankélévitch in Somewhere in the unfinished, calling for “writing not on music, but with music”, to “remain accomplice of its mystery”.To answer this questioning, the thesis first tackles the search for identity enabled by the authors’ musical impregnation; it then explores the way music comes within the scope of their respective poetics; it finally observes the evolutions in their perception of the musical referent as time goes by. Thus will be underlined the imaginary and fantastical dimension of this art which kept calling for them all their lives.