Le présent mémoire se veut une exploration des œuvres les plus connues d’Henri Rousseau. Par l’étude des rapports entre ce peintre et le « moment symboliste », nous croyons être en mesure d’établir divers liens tangibles entre Rousseau et ses contemporains. Nous avons classé la production de l’artiste en fonction d’une répartition entre ce que nous entrevoyons comme des manières distinctes d’adhérer au primitivisme. Symboliste, exotique et moderne, le primitivisme d’Henri Rousseau démontre qu’il n’est pas à l’écart de son époque, mais qu’il en fait bien partie. Nous proposons un regard nouveau sur Henri Rousseau et ses créations. Certes, il est aujourd’hui considéré comme un peintre moderne et ses tableaux font partie des plus grandes collections d’art moderne du monde. Néanmoins, nous croyons qu’il est toujours, d’une certaine façon, vu comme un « personnage naïf », avant d’être un peintre. Nous pensons qu’Henri Rousseau est un « primitif moderne » et que ce cadre conceptuel, à établir entre lui et l’époque symboliste, est plus propice et approprié, aujourd’hui, à l’étude et l’analyse de son travail.

Cette recherche s’intéresse aux diverses méthodes de représentation utilisées par le sculpteur Alfred Laliberté, né en 1878 à Sainte-Elisabeth-de-Warwick. Ce mémoire tente, plus particulièrement, de cerner les différentes facettes de la projection identitaire chez Laliberté par l’étude des relations entre la vie et l’œuvre de l’artiste. Pour ce faire, la présente contribution propose une réflexion méthodologique sur la place de l’autoportrait dans la production du sculpteur et la singularité du langage plastique qu'il développe à cette même époque. Leur mise en rapport avec ses écrits permet de faire ressortir sa vision subjective des choses et de discerner l’interaction qui sous-tend tout l’œuvre de Laliberté, entre l’être et la représentation. À travers le contexte d’effervescence du milieu des arts du début du XXe siècle, nos recherches dressent un portrait à la fois nouveau et complexe de ce sculpteur, tout en soulignant son apport indéniable dans la pratique artistique au Québec.

Ce mémoire a pour objet d’étude Laissez les enfants venir à moi d’Antoine van Dyck, peint entre 1618 et 1620. Cette œuvre est un ajout singulier au canon existant puisqu’elle se présente sous la forme d’un portrait historié; de là sa qualification d’invention dans ce mémoire. Comme il s’agit de la première fois que le terme « invention » est utilisé pour décrire cette œuvre d’art en particulier, l’objectif implicite de l’étude est de montrer la vraisemblance de cette affirmation. Dans une optique d’abord historique, l’œuvre sera analysée dans le contexte de sa réalisation, soit la jeunesse de l’artiste et son apprentissage dans le milieu anversois du début du XVIIe siècle. L’iconographie du thème du Christ bénissant les enfants sera également considérée afin de mettre en lumière l’invention du portrait historié, avant de conclure avec l’aspect performatif de l’image créée par Van Dyck et son incidence sur le spectateur.

Par l’analyse de la scénographie de l’exposition Louis-Philippe Hébert (1850-1917), sculpteur national, présentée au Musée du Québec (actuellement Musée national des beaux-arts du Québec) en 2001, ce mémoire vise à démontrer comment la mise en espace des œuvres parvient à créer un discours indépendant de celui contenu dans le catalogue accompagnant la rétrospective. Afin de mettre en relation le contenu scientifique du catalogue et l’expérience du spectateur au musée, la scénographie d’exposition a été utilisée comme cadre théorique. C’est en définissant cette pratique dans ses composantes fondamentales et actuelles qu’il a été possible de revoir le cas à l’étude pour en extraire un discours essentiellement sensoriel.

Cette étude prend pour objet la pratique sculpturale de l’artiste française Hélène Bertaux (1825-1909). Le caractère exceptionnel de la carrière de cette dernière repose sur sa capacité à produire des œuvres s’intégrant parfaitement dans le canon du grand art, tel que promu par la tradition académique et encouragé par le système des Beaux-Arts, à une époque où les femmes sont exclues de l’École des Beaux-Arts et de l’accès aux concours. Hélène Bertaux est l’une des rares femmes sculpteurs de cette période à exercer en France dans le champ de l’art monumental. La connaissance à propos de son œuvre demeure toutefois très limitée. L’enjeu de cette recherche est de mettre en lumière son rapport à la tradition académique sur la longue durée grâce à l’analyse de trois nus, genre le plus noble selon la hiérarchie des genres : Jeune Gaulois prisonnier (1864), Jeune fille au bain (1873) et Psyché sous l’empire du mystère (avant 1889). Au terme de cette recherche, nous serons ainsi en mesure de mieux situer sa production au sein de l’histoire de la sculpture française du XIXe siècle.

"Thèse en cotutelle Doctorat interuniversitaire en histoire de l’art Université Laval Québec, Canada, Philosophiae doctor (Ph.D.) et Université Sorbonne Nouvelle Paris 3, Paris, France, Docteure" / Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2015-2016 / Entre les décennies 1960 et 1980 émergent les courants de l’« art de la performance », du « happening », du « body art », de l’« art corporel » ou encore de l’« art de l’action », qui désignent les démarches des nombreux plasticiens qui font directement intervenir le corps, souvent leur propre corps, dans leurs travaux. À travers les productions des acteurs qui soutiennent ces courants le corps est fabriqué comme un sujet légitime d’attention et de valeur. La thèse décrit l’émergence de ces courants artistiques pendant la décennie 1970 en soutenant qu’ils peuvent et doivent être interrogés comme des phénomènes sociaux. En effet, jamais auparavant autant d’acteurs des mondes de l’art visuel n’avaient décidé simultanément de se tourner vers le corps lui-même, et de le mettre à l’œuvre, à l’ouvrage, à l’épreuve. Interroger leurs productions du point de vue du corps peut permettre de dérouler de comprendre en profondeur la présence incisive et percutante du phénomène. Ces courants viennent poser des questions cruciales à l’anatomie du travail créateur : rapports sociaux de sexe, interactions avec les spectateurs, engagements politiques, marchandisation. L’étude, sociohistorique, focalise autour de trois scènes (France, côtes est et ouest des États-Unis) à partir d’un corpus d’archives documentaires (entretiens, critiques, essais, manifestes, notations, photographies). La thèse comprend un volet d’enquête qui mesure la reconnaissance de ces pratiques, un second volet d’histoire institutionnelle et intellectuelle qui décrit les savoir-faire et les modalités d’énonciation liés aux actions et aux événements et enfin, une topographie qui résume les modèles du corps produits par les gestes les raisonnements des artistes et de leurs commentateurs. Mots-clés : Histoire des corps, art de la performance, critique d’art, féminismes, documentation, sociologie historique. / « Performance art », « body art » and « happenings » appeared on the art scene between the 1960s and the 1980s. The human body was at the heart of these artistic movements, to the extent that many artists embodied their own works. Within such creative processes and productions, the body undeniably became a legitimate subject of attention and value. This dissertation describes the initial stages of the art movements aforementioned, and argues that they must be analyzed as sociological phenomena. Never before had such a larger of artists within the same time period decided to focus on the entity of the body itself, to use and misuse it so intensely. Observing their approaches through the lens of the body allows us to voice critical questions about the anatomy of a creative work - gender relations, interactions with the viewers, political commitments, and marketing. This sociohistorical research studies three landmark art scenes of the time (France, the east coast, and the west coast of the USA), by delving into a documentary material of archives (interviews, reviews, essays, manifestos, notations and photographs). The thesis begins with a sociological inquiry which measures the visibility of these artistic movements; it is followed by a history of the institutional and critical apparatus which described the atistic skills and statements at work within body actions and happenings; lastly, the dissertation presents a topography of the workings of the body, drawn from the artists’ performances and theoretical stances, as well as art critics’ viewpoints and analyses. Key Words : body art, avant-gardes, history of the body, feminisms, documentation, historical sociology.