La première section de ce mémoire consiste en un scénario de long métrage original axé sur la psychologie des personnages et la narration non fiable. Moi en joie raconte le quotidien d'un jeune homme désillusionné, Jean-François. Sa rencontre avec une demoiselle mystérieuse éprise de poésie le sort brièvement de la monotonie. La seconde section est consacrée à un essai sur la narration non fiable au cinéma. Ce court essai vise dans un premier temps à définir la narration cinématographique en explorant plusieurs théories. Dans un deuxième temps, l'essai se concentre sur la non-fiabilité au cinéma. Dans un troisième temps, il se penche sur l'analyse de trois longs métrages américains connus pour leur narration non fiable et du scénario de Moi en joie.

Je m’intéresse à la figure du spectateur prévue par le film, à partir des travaux de Francesco Casetti, Roger Odin, Umberto Eco et Martin Lefebvre. Mon objectif est de montrer que la figure du spectateur est plurielle. Dans cette perspective, nous verrons que tout film fait une offre à son spectateur, mais que celui-ci y répond de manières différentes selon le contexte dans lequel il voit le film et les positions éthiques qu’il fait siennes. Le film Pink Flamingos, de John Waters (1972), cherche, par tous les moyens, à provoquer la sensation d’un dégoût intéressant. Il s’inscrit en faux contre l’institution du film de fiction traditionnel, puisqu’il propose au spectateur d’« interagir » avec lui. Nous verrons toutefois que cette proposition implique une distinction entre, pour simplifier, un « bon » et un « mauvais » spectateur, selon qu’il soit ou non participatif.

Cette recherche-création s’intéresse à l’utilisation du projecteur vidéo, non comme d’un outil pour le cinéma, mais comme d’un outil d’éclairage pour le théâtre. Une partie de ce mémoire est consacrée à l’établissement des bases de l’éclairage théâtral d’après ses utilités, son langage et ses appareils actuels. L’établissement de ses bases, ou caractéristiques de l’éclairage, s’appuie sur les écrits du Professeur Stanley MacCandless ainsi que sur ceux des concepteurs François-Éric Valentin et Marx Keller. La seconde partie de cette recherche-création fait état des expérimentations menées avec des projecteurs vidéo, selon les caractéristiques de l’éclairage. Les laboratoires démontrent tout le potentiel et les avantages de l’éclairage-vidéo, c’est-à-dire l’utilisation du projecteur vidéo en tant que source de lumière. Un rapport entre les appareils d’éclairage traditionnels et le projecteur vidéo est également observé au fil des recherches.

Cette étude aborde la question de l’efficacité du théâtre d’intervention à Bangui, capitale de la Centrafrique. Il s’agit ici de trouver les modalités capables de renforcer les capacités d’intervention de cette forme théâtrale très consommée en Afrique. Notre thèse part de la problématique selon laquelle le théâtre d’intervention à Bangui apparaît inefficace socialement, politiquement et culturellement face aux crises que connait le pays depuis plusieurs décennies. Il n’arrive pas à mobiliser suffisamment le public banguissois autour des questions qui préoccupent son quotidien. Notre recherche s’est donc proposé d’initier un nouveau théâtre d’intervention adapté à la ville en partant des fonds spectaculaires traditionnels africains (conte, proverbes, danse, rituels, épopées, danses) et en convoquant, à travers un métissage interculturel, des principes et des techniques connues du théâtre occidental : le Théâtre politique d’Erwin Piscator, la distanciation brechtienne et le Théâtre de l’opprimé d’Augusto Boal. À l’issue d’une recherche théorique au Québec et expérimentale en terre africaine, cette thèse aboutit à des résultats probants. D’abord, le théâtre d’intervention mobilise plus efficacement les populations des milieux urbains lorsqu’il met à contribution les instruments traditionnels de musique, tels que les tam-tams et les tambours, ainsi que des danses folkloriques traditionnelles pour rythmer le spectacle. Ensuite, lorsqu’il implique les fonds spectaculaires traditionnels africains comme le conte, les proverbes, les rituels et l’épopée, ce théâtre touche particulièrement le public dans ses réalités quotidiennes tout en revalorisant la culture africaine. Enfin, le fait de convoquer les techniques occidentales à travers le métissage nous a permis d’explorer des moyens efficaces de toucher la conscience du public et de l’inciter à agir pour le changement et le développement de son quotidien. Mots clés : Théâtre d’intervention, théâtre traditionnel africain, mobilisation populaire, théâtre politique, théâtre social, Centrafrique, milieu urbain, conte, épopée, proverbe, rituel, danse, métissage artistique, métissage disciplinaire, métissage culturel. / This work deals with the efficiency of the intervention theatre in Bangui, capital city of Central Africa. It is about to find the methods to increase the intervention capacities of this kind of theatrical form, which is widely used in Africa. Our thesis derives from the key question of the intervention theater in Bangui, which seems socially, politically and culturally inefficient because of the different crises that are affecting the country for decades. It is not able to mobilize enough audience of Bangui around everyday life issues. The purpose of our work is therefore to initiate a new intervention theatre adapted to the city, based on spectacular traditional African background (tales, proverbs, rituals, epic poems, dances, etc.) and methods known in modern theatre through a mixing of western practical experience such as: Erwin Piscator’s Political Theatre, Bertolt Brecht’s Alienation Effect, and Augusto Boal’s Theatre of the Oppressed. After a theoretical research in Quebec and an experimental one in Africa, this thesis ended with convincing results. First, the intervention theatre mobilizes more efficiently the urban populations when it uses traditional music instruments, such as tom-toms and drums, as well as folk traditional dances to rhythm the performance. Then, when it implies spectacular traditional background such as tales, proverbs, rituals and epic poems, this theatre reaches particularly the audience in its African everyday life realities, while at the same time it enhances the strength of African culture. Finally, using the western practical experience through métissage allows our work to explore efficient means to truly reach the audience consciousness and encourage people to the change and the development that their daily life deserves. Keywords: Intervention Theatre, African Traditional Theatre, Popular Mobilisation, Social Theatre, Political Theatre, Central Africa, Urban Environment, Tale, Epic Poem, Proverb, Ritual, Dance, Artistic Métissage, Disciplinary Métissage, Cultural Métissage.

L’ambition de cette thèse n’est pas de poser objectivement les rapports qu’entretient À la recherche du temps perdu avec le cinéma(tographe), pour la simple et bonne raison que ceux-ci sont à peu près inexistants, du strict point de vue de l’objectivité. N’ayant jamais mis les pieds dans un lieu qui projette ce type bien particulier d’images en mouvement, Proust n’est pas un écrivain intéressé par ce qu’on nomme aujourd’hui « cinéma ». On ne trouve que peu souvent son nom dans les anthologies faisant état des écrivains du début du siècle dernier qui ont commenté le spectacle des vues animées. Si par hasard il y est, on cite généralement les passages du Temps retrouvé, où est assez sévèrement critiqué le « défilé cinématographique des choses ». Que la critique de Proust à l’endroit du cinéma(tographe) soit une critique essentiellement négative n’est pas en soi gênant et ne contredit pas nécessairement le besoin de faire le point sur cette question. Il nous faut seulement adopter une vision plus artiste du problème, ou du moins accepter que le cinéma n’est pas limité à un seul mode d’existence stable : « cinéma » est en fait un pot-pourri d’idées, de concepts et de pratiques qui est voué au changement, et c’est précisément ce changement qui est digne d’intérêt. Une telle relativisation de l’idée de « cinéma » nous permettra d’explorer les différentes séries d’images et les séries techniques qui parcourent le roman de Proust et ses adaptations écraniques, afin de voir si elles sont en mesure de recouper l’une ou l’autre des fonctions que l’on a pu attribuer au cinéma au cours de son histoire. La présente thèse est donc en quelque sorte le procès-verbal des définitions du cinéma qu’a pu nous offrir notre lecture de Proust. Elle est aussi celui des différentes lectures que le cinéma nous permet de faire de la Recherche, des lectures « cinématographiques ». / This thesis does not objectively study ongoing relations between In Search of Lost Time and the cinema medium for the simple reason that, from the strict point of view of objectivity, they are almost non-existent. Having never set foot in a place that shows this particular type of moving images, Proust is not interested in what is now called “cinema”. At best, his name infrequently appears in anthologies of the early 20th century’s writers who commented this kind of spectacle. If by chance he is, the excerpts generally selected are the ones of Time Regained where the “cinematic parade of things” is quite severely criticized. But Proust’s criticism of cinema, albeit an essentially negative one, is not that much inconvenient and does not particularly contradict the need to investigate the matter. We just have to think the problem in a more artistic way, or at least to accept that cinema is not limited to a stable, single mode of existence: “cinema” is – and should be – a potpourri of ideas, concepts and practices that is bound to change, and it is precisely that change that is worth investigating. Such a relativization of the idea of “cinema” will allow us to explore different series of images and series of techniques that run in Proust's novel and its screen adaptations, while letting us see if they are able to match some functions that have been attributed to cinema during its history. This thesis therefore intends to be a record of cinema’s definitions that our reading of Proust’s work could offer. It is also a record of the many readings of In Search of Lost Time that cinema allows us, “cinematographic” readings.

Adaptations cinématographiques d’Alice au pays des merveilles et De l’autre côté du miroir de Lewis Carroll: Analyse des transécritures de Walt Disney, Jan Švankmajer et Tim Burton observe comment trois versions cinématographiques différentes, provenant d’un même texte source, peuvent être singulières les unes par rapport aux autres. Le but de ce mémoire est d’analyser les transécritures de Walt Disney (1951), de Jan Švankmajer (1989) et de Tim Burton (2010) autant dans les changements narratifs que dans les ajouts faits par les réalisateurs qui personnalisent l’adaptation. Pour ce faire, nous nous appuierons sur la notion d’idée de Deleuze. Chacune des analyses est divisée selon: les idées de roman et de cinéma qui se « rencontrent », les ajouts et modifications des idées de roman, ainsi que les idées ayant été rejetés par l’adaptateur-cinéaste. / Adaptations cinématographiques d’Alice au pays des merveilles et De l’autre côté du miroir de Lewis Carroll: Analyse des transécritures de Walt Disney, Jan Švankmajer et Tim Burton observes how three different cinematographical versions, of the same source text, are singular from one another. The goal of this essay is to analyze the adaptations of Walt Disney (1951), Jan Švankmajer (1989) and Tim Burton (2010) from the narrative choices to what directors added in order to personalize the adaptation. To do so, we rely on Deleuze’s notion of ideas. Every analyze is being divided by: the meeting of the novel’s ideas and the film’s ideas, by ideas that have been added or modified, and by ideas that were eliminated by the adaptor-filmmaker.