This dissertation examines the linear sequence of segments in musical collages composed by John Zorn between 1988 and 1993. In addition to the use of processes and associations as unifying elements, these pieces present hierarchical organization and narrative structure. The presence of form and narrative in these works illustrates the capacity of postmodern music to be unified in novel and idiosyncratic ways. I examine Zorn's collage pieces using an adapted methodology of paradigmatic analysis and incorporate ideas of musical topics as signifiers of delineation in the works. The segmentation of these works, begun in chapter three, reveals a hierarchical organization where individual musical blocks are organized into larger structures that I call collage phrases. This reveals the presence of hierarchical form in the musical surface, showing that organization in the pieces is not limited to background processes. The collage pieces that utilize this structure are described as exhibiting episodic collage form. Collage phrases in such pieces may also be further grouped together into larger units. I examine narrative in the pieces through the idea of idiolects, which I conceive of as approaches and compositional philosophies that are identified through the careful examination of Zorn and his music. Chapter four examines how linear narrative in Zorn's string quartet Cat O'Nine Tails relates to an idea of visual organization that connects to his conception of cartoon music. Chapter five examines how Zorn's album Radio is organized through the idea of the "musical game," a concept in which borrowed materials and techniques are combined with Zorn's musical persona. Songs on Radio reflect this concept progressively over the course of the album. This study reveals several things about Zorn's music and about musical postmodernism. First, it illustrates the organization of the musical surface of these works. Second, it highlights linear musical narratives in the pieces. These elements of linear organization operate alongside other non-linear structures in Zorn's music. Finally, it demonstrates the capacity of postmodern music to contain innovative approaches towards musical organization.

<p>Vi vill med den här uppsatsen undersöka om brukskvaliteter kan vara ett stöd vid mjukvaruutveckling, med fokus på dess kommunikativa egenskaper och hur de kan bidra till skapandet av samförståelse. Empirin för studien är hämtat från UIQ Technology i Ronneby som utvecklar en plattform för ”smart phones” och har ett starkt fokus på användbarhet.</p><p>I denna uppsats beskriver vi deras arbete som två nivåer. Först ut är Vision vilket representerar dem som tar in kundens krav och skapar, eller formulerar, en vision utefter dessa. Därefter förs denna formulering ner till Utförande som står för dem som skapar den faktiska produkten. För att kunna ta reda på om brukskvaliteter kan fungera som ett stöd i deras verksamhet har vi först undersökt vilket synsätt de har på kommunikation i respektive område med hjälp av paradigmatisk analys. Därefter tar vi reda på vilka olika kommunikationskanaler de använder sig av idag samt vilka typer av kommunikationsverktyg som förekommer. Vi upplever att en tydlig designmetodik är nödvändig vid den här typen av arbete, och att brukskvaliteter skulle kunna fungera som ett stöd i detta fall.</p><p>I vårt resultat ser vi hur det öppna synsättet på kommunikation inom organisationen hjälper till att skapa en god bas för att kunna skapa samförståelse och vi ser även att man försökt strukturera sin kommunikation på ett sätt som utnyttjar kommunikationskanalerna på ett så bra sätt som möjligt. Man inför begrepp som har samma innebörd för båda sidor och genom dessa kan man förstå varandra på ett snabbare och enklare sätt. Vi tror att ett införande av begrepp även för design skulle kunna hjälpa att förmedla tankar och visioner kring dessa. Genom att göra detta kan man även bidra till samförståelse inom organisationen.</p>

Vi vill med den här uppsatsen undersöka om brukskvaliteter kan vara ett stöd vid mjukvaruutveckling, med fokus på dess kommunikativa egenskaper och hur de kan bidra till skapandet av samförståelse. Empirin för studien är hämtat från UIQ Technology i Ronneby som utvecklar en plattform för ”smart phones” och har ett starkt fokus på användbarhet. I denna uppsats beskriver vi deras arbete som två nivåer. Först ut är Vision vilket representerar dem som tar in kundens krav och skapar, eller formulerar, en vision utefter dessa. Därefter förs denna formulering ner till Utförande som står för dem som skapar den faktiska produkten. För att kunna ta reda på om brukskvaliteter kan fungera som ett stöd i deras verksamhet har vi först undersökt vilket synsätt de har på kommunikation i respektive område med hjälp av paradigmatisk analys. Därefter tar vi reda på vilka olika kommunikationskanaler de använder sig av idag samt vilka typer av kommunikationsverktyg som förekommer. Vi upplever att en tydlig designmetodik är nödvändig vid den här typen av arbete, och att brukskvaliteter skulle kunna fungera som ett stöd i detta fall. I vårt resultat ser vi hur det öppna synsättet på kommunikation inom organisationen hjälper till att skapa en god bas för att kunna skapa samförståelse och vi ser även att man försökt strukturera sin kommunikation på ett sätt som utnyttjar kommunikationskanalerna på ett så bra sätt som möjligt. Man inför begrepp som har samma innebörd för båda sidor och genom dessa kan man förstå varandra på ett snabbare och enklare sätt. Vi tror att ett införande av begrepp även för design skulle kunna hjälpa att förmedla tankar och visioner kring dessa. Genom att göra detta kan man även bidra till samförståelse inom organisationen.

La version intégrale de ce mémoire est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (www.bib.umontreal.ca/MU). / Un auditoire constitué d'une variété de différentes cultures et traditions nationales peut-il arriver à une compréhension commune d'une seule chanson populaire? Utilisant une analyse musématique, une méthodologie développée par Tagg (Tagg & Clarida, 2003), nous avons croisé des structures musicales non seulement avec d'autres pièces de musique de styles variés, mais aussi avec des résultats de simples tests d'écoute. La pièce de l'artiste taiwanais Jay Chou a été jouée à des sondés provenant de différents milieux culturels. Les résultats sont surprenants: comment est-il possible que les réponses des sondés, issus de milieux culturels multiples, mènent à des directions semblables? La mondialisation joue-t-elle un rôle en incitant de telles réactions similaires? Néanmoins, quelles sont les différences interprétatives entre les auditeurs provenant de différents milieux culturels? La base empirique pour mon étude est double: 1) des données au niveau de la réception, basées sur des tests d'écoute et des sondages en ligne; 2) une analyse structurelle détaillée, incluant des transcriptions complètes. Les relations entre les deux catégories d'information seront examinées en utilisant le technique d'analyse musématique de Tagg. Évidemment, il sera nécessaire de mettre les aspects sémiotiques, ci haut mentionnés, dans leur contexte socioculturel particulier, spécifiquement par rapport à la diaspora chinoise. Tout particulièrement, je devrai concentrer cette partie de l'étude sur les membres de la communauté chinoise à Montréal. / Can an audience consisting of a variety of different national cultures and traditions come to a common understanding of a single pop song? Using musematic analysis, a methodology devised by Tagg (in Tagg & Clarida 2003), we cross-referenced musical structures not only with other pieces of music in varying musical styles but also with the results from simple reception tests. A piece by Taiwanese artist Jay Chou was played to respondents from various cultural backgrounds. The results were surprising, how was it that respondents from quite disparate cultural backgrounds associated in similar directions? Does globalization play a role in prompting such similar reactions? What differences in interpretation, nevertheless exist between listeners from different cultural backgrounds? The empirical basis for my study is twofold: 1) reception data based on listening tests and online surveys; 2) detailed structural analysis, including full transcriptions. Relationships between these two information categories will be examined using Tagg’s musematic analysis techniques. It is obvious that it will be necessary to put the above-mentioned semiotic aspects in their particular socio-cultural context, specifically that relating to the Chinese diaspora; more specifically, I shall concentrate this part of the study on members of the Chinese community in Montreal.

La musique arabo-andalouse a fait l’objet d’une littérature abondante dès la seconde moitié du XIXe siècle : dans un premier temps, à travers un regard orientaliste nourri par un esprit de curiosité en quête d’exotisme, puis à travers des essais de transcription et des travaux musicologiques axés sur l’étude et la classification des corpus. Fruit d’une longue gestation commune, les répertoires arabo-andalous sont soumis à des fluctuations d’origine aussi bien exogène qu’endogène. Malheureusement, l’approche comparative des variantes maghrébines et l’analyse approfondie des échelles musicales restent peu explorées. Cette thèse propose une étude analytique et comparative de trois ţubūˁ maghrébins à échelles homologues : l’Asbaˁayn tunisien, le Zidāne algérien et le Hijāz al-Kabīr marocain. L’identification des comportements mélodiques inhérents aux trois corpus est réalisée par la combinaison de plusieurs démarches analytiques. Le traitement statistique des mélodies (occurrences et durées des hauteurs, finales internes, degrés fondamentaux…) sera suivi par une analyse paradigmatique basée sur le repérage des schémas conclusifs. Une étude empirique, s’appuyant sur l’interprétation de mesures fréquentielles, permettra la comparaison des rapports d’intervalles et des amplitudes de fluctuation des différentes hauteurs de notes. Notre première partie sera fondée sur une approche diachronique démontrant d’un côté le caractère dynamique des répertoires étudiés et justifiant d’autre part certaines divergences et convergences déduites des différentes analyses. / The Arab-Andalusian music has been the object of an abundant literature from the second half of the 19th century: at first, through an Orientalist perspective fed by a spirit of curiosity in search of exoticism, then through transcription attempts and musicological research focused on the study and the classification of the corpuses. Fruit of a long common gestation, the Arab-Andalusian repertoires are influenced by exogenous and endogenous fluctuations. Unfortunately, the comparative approach of the variants from the Maghreb and the thorough analysis of musical scales remain little explored. This thesis proposes an analytical and comparative study of three North African ţubū, with equivalent scales: Tunisian Aşbaˁayn, Algerian Zīdāne and the Moroccan Hijāz al-Kabīr. The identification of melodic behaviors inherent to the three corpuses is reached by the combination of several analytical approaches. The statistical processing of melodies (occurrences, notes duration, internal finales, and fundamental degrees) will be followed by a paradigmatic analysis based on conclusive patterns. An empirical study, based on the interpretation of frequency measurements, will allow us to compare intervals ratios and the variation margin of note pitches. The first part deals with a diachronic approach demonstrating, on the one hand, the dynamic character of the studied directories and on the other side, justifying certain differences and convergences deduced from the various analysis.

Résumé : Musicienne et traductrice de formation et de métier, je présente ici des traductions de poèmes contemporains qui s’annoncent, par leur titre ou leur forme, comme des fugues. Comme hypothèse de départ, je pose la possibilité du transfert des éléments de fugue musicale à ceux de la fugue littéraire. Ma démarche se décline en deux parties. Dans un premier temps, j’analyse les poèmes en suivant pas à pas la méthode de critique des traductions littéraires d’Antoine Berman. La méthode est adaptée à la traduction intersémiotique et rend compte des éléments de fugue contenus dans chacun des poèmes à l’étude. Dans un second temps, une fois le « projet de traduction » bien établi, je propose une traduction française des fugues-poèmes. Dans l’esprit de ce que Barbara Folkart nomme des « traductions d’auteur », dans le rendu proposé, je m’éloigne des approches dénotatives, tentant de réactualiser en français la démarche compositionnelle des poètes. Que retiendront les poètes pour leur projet de fugue-poème? Une confusion est-elle possible avec d’autres formes répétitives, comme le canon, le thème et variations, le ground, la chaconne, la passacaille, voire des formes de musique minimaliste? Malgré les appréhensions d’un certain nombre de critiques, qui taxent de « vaines » toute expérience intersémiotique ou toute tentative pour en démontrer les correspondances, on trouve quelques exemples probants de fugues littéraires. Bien entendu, la musique ne peut se traduire directement en mots. En s’attardant aux phénomènes perceptuels et créatifs, on accède à un degré correct de pertinence. Je me suis donné pour méthodologie le modèle de critique des traductions littéraires d’Antoine Berman, dont j’ai fait l’ossature des chapitres et auquel j’ai greffé des grilles d’analyse paradigmatique et rythmique. J’ai aussi eu recours à un pense-bête des principaux éléments fugaux (constituants de la fugue musicale, définitions de « fugue » dans la langue courante et critères psychiatriques de la « fugue dissociative »). Un questionnaire maison a été le point de départ de mon travail de collaboration avec les poètes. Dans le cas de Paul Celan (1920-1970), j’ai utilisé le même questionnaire, que j’ai rempli au gré de l’analyse et du dépouillement d’autres recherches. J’explore dans les six premiers chapitres les poèmes « Todesfuge » (1945) de Paul Celan, « Night Thoughts on Clauzewitz’s On War » (1986) d’E. D. Blodgett, « Lives of the Great Composers » (1983) de Dana Gioia, « Domestic Fugues » (2009) de Richard Newman, « Art of Fugue » (2011) de Jan Zwicky » et « Arugula fugues » (2001) d’Adeena Karasick. Dans la conclusion, je discute les résultats de recherche, les choix méthodologiques et le processus de traduction. Un tableau-synthèse des correspondances fugales est aussi présenté et commenté. Le chapitre intitulé « Stretto » vient élargir le corpus des fugues-poèmes analysées et traduites. J’y présente les fugues-poèmes suivantes : « Fugue » et « Round » de Weldon Kees, « Fugue in Cold and Rain » et « Little Fugue of Love and Death » de Richard Newman, « The Praying Mantis » d’Annie Charlotte Dalton Armitage, « The Ballad of the Pink-Brown Fence » de Milton Acorn, « The Children are Laughing » de Gwendolyn MacEwen, « And the Season Advances » d’Herménégilde Chiasson (dans une traduction de Jo-Anne Elder et de Fred Cogswell), « Fugue » de Robyn Sarah, « Fugue » du Kaddish d’Allen Ginsberg, « Fugue » de Neville Dawes, « Seaside Canon » de Julia Galef et « Stretto » de Don MacKay. // Abstract : As a professional musician and translator, I am presenting my translations of contemporary poems that are, either through their titles or their forms, fugue-poems. It is my hypothesis that elements present in a musical fugue can be transferred to a literary fugue. There are two parts to my research. First, I analyze the poems in strict accordance with Antoine Berman’s critical method for literary translation. I adapted the method in order to work with inter-semiotic translation, as well as the fugal elements contained in each of the poems studied. Next, with the “translation project” well established, I propose a French translation of the fugue-poems. Based on Barbara Folkart’s notion of “writerly translations,” I will attempt to capture the essence of the poems and recreate true works of literary art in French, rather than using purely denotative translation methods. Which elements do poets employ in their fugue-poems? Is there a possibility of confusing fugal elements with other repetitive forms, such as a canon, a theme and variations, a ground bass, a chaconne, a passacaglia or even certain forms of minimalist music? Despite the apprehension of some critics, who believe that inter-semiotic work or even the attempt to reveal any form of relationship is in vain, there are a number of clear examples of literary fugues. Naturally, music cannot translate directly into words. However, a study of the perceptual and creative phenomena allows us to make the connection. My research methodology is based on Antoine Berman’s model meant for critics of literary translations, which provides the backbone for the chapters in this presentation, and to which I have added a paradigmatic and rhythmic analysis grid. I also used a memory aid of the principal fugal elements (components of a musical fugue, definitions of a “fugue” in common usage, and the characteristics of the psychiatric disorder referred to as “dissociative fugue”). I designed a questionnaire, which I used as the basis for my collaboration with the poets. In the case of Paul Celan (1920-1970), I used the same questionnaire, which I filled out based on my analysis of his work, as well as analyses put forth by other researchers. In the first six chapters, I explore the following poems: “Todesfuge” (1945) by Paul Celan, “Night Thoughts on Clauzewitz’s On War” (1986) by E. D. Blodgett, “Lives of the Great Composers” (1983) by Dana Gioia, “Domestic Fugues” (2009) by Richard Newman, “Art of Fugue” (2011) by Jan Zwicky and “Arugula fugues” (2001) by Adeena Karasick. In the conclusion, I discuss the research results, the methodological choices and the translation process. I have also included a summary table (with comments) of the corresponding fugal elements. The chapter entitled “Stretto” concludes the corpus of analyzed and translated fugue-poems. It includes: “Fugue ” and “Round” by Weldon Kees, “Fugue in Cold and Rain” and “Little Fugue of Love and Death” by Richard Newman, “The Praying Mantis” by Annie Charlotte Dalton Armitage, “The Ballad of the Pink- Brown Fence” by Milton Acorn, “The Children are Laughing” by Gwendolyn MacEwen, “And the Season Advances” by Herménégilde Chiasson (translation by Jo-Anne Elder and Fred Cogswell), “Fugue” by Robyn Sarah, “Fugue” from Kaddish by Allen Ginsberg, “Fugue” by Neville Dawes, “Seaside Canon” by Julia Galef and “Stretto” by Don MacKay.

La version intégrale de cette thèse est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (www.bib.umontreal.ca/MU) / Cette recherche propose la description panoramique du style mélodique du compositeur québécois Claude Vivier (1948-1983) d’un point de vue qualifié d’endogénétique. L’entreprise repose sur l’analyse de seize (16) œuvres, composées entre 1973 et 1982 et allant de Chants à Samarkand. Il s’agit, en les considérant dans l'ordre chronologique de leur composition, de déterminer quels traits stylistiques mélodiques sont propres à chacune des œuvres, comment ils sont transformés d’une œuvre à l’autre, et quels traits stylistiques nouveaux apparaissent. Dans certains cas, une de ces caractéristiques est utilisée comme moteur unique d'une œuvre : un élément utilisé parmi d'autres dans certaines œuvres – la mélodie principale, la construction mélodique par ajouts de hauteurs, les accords-couleurs – apparaît comme l’élément principal d'une œuvre spécifique, pour ensuite être réintégré dans une autre, mais en étant ramené à un rôle secondaire au profit d'un autre élément. L’ensemble donne lieu à une description dynamique du style de Vivier comme évoluant de façon hélicoïdale plutôt que de façon linéaire. La thèse est constituée de trois chapitres précédés d'une introduction, consacrée au parcours biographique du compositeur, à la revue critique de la littérature analytique qui lui a été consacrée et à la notion de style. Le premier chapitre présente le choix des œuvres analysées et la méthodologie suivie, en particulier les principes de l'analyse paradigmatique, utilisée systématiquement pour chacune des seize œuvres analysées. Les parcours analytiques des œuvres forment le chapitre central de la thèse et permettent la constitution de fiches stylistiques dont les résultats sont compilés dans un tableau synthèse servant de base à un chapitre final où l’évolution endogénétique du style mélodique de Vivier est synthétisée. La seconde partie de la thèse présente en annexe les analyses paradigmatiques des seize œuvres, auxquelles renvoient les parcours analytiques du deuxième chapitre. Cette recherche a notamment démontré des similitudes d'axes paradigmatiques entre les œuvres, ce qui a donné lieu à une dénomination uniforme des axes d'une œuvre à l'autre ; ils sont décrits avec précision au début du second chapitre. Bien que la méthodologie utilisée donne une importance première au paramètre mélodique, les autres paramètres musicaux sont également mis en lumière dans les parcours analytiques. / This research proposes the panoramic description of the musical melodic style of Quebec composer Claude Vivier (1948-1983) from a perspective identified as endogenetic. The endeavour is based on the analysis of sixteen (16) works composed between 1973 and 1982, from Chants to Samarkand. This entails considering them in their chronological order of composition, so as to determine which stylistic traits are present in each work, how these are transformed from one work to the next, and what new stylistic melodic traits appear. In some cases, a single trait is used to propel an entire work: thus, an element that is one among many in certain works–the mélodie principale (principal melody), additive melodic construction based on pitch, accords-couleurs (colour-chords)–appears as the principal element of a particular work, to then be reintegrated into a subsequent work, this time in a subordinate role to some other element. Taken as a whole, these analyses lead to a dynamic description of Vivier’s style as having evolved in spirals rather than in a linear fashion. This dissertation is comprised of three chapters preceded by an introduction that is dedicated to the biographical elements of Vivier’s life, to a review of analytical literature devoted to the composer, and to a discussion of style as a concept. Chapter One presents the selection process of the works chosen for analysis and the methodology applied, in particular the fundamentals of paradigmatic analysis, used systematically for each of the sixteen works analyzed. The analytical overview for each of the works forms the core of the central chapter of the dissertation, facilitating the production of style index cards whose results are compiled in a summary chart that provides the foundation for the final chapter, where a synthesis of the endogenetic evolution of Vivier’s melodic style is presented. In the second part of the dissertation, an annex contains the paradigmatic analyses of all sixteen works, as referred to in Chapter Two during discussion of the analytical overview. In particular, this research has demonstrated the presence of similar paradigmatic axes between works, which has resulted in a standardization of the naming structure of these axes from one work to another; these are explained in detail at the beginning of the second chapter. Although the chosen methodology allots particular importance to the melodic parameter, the other musical parameters are also brought to light during the analytical overviews.

Ce travail de recherche propose une description du style mélodique et harmonique du groupe britannique Portishead et s’appuie sur l’analyse du répertoire complet, soit 33 chansons réparties sur trois albums (11 chansons par albums). Étant donné que le corpus étudié est restreint, il est possible de procéder à une analyse statistique qui permet de dégager une grammaire mélodico-harmonique. L’hypothèse de ce travail de recherche repose sur l’idée que l’évolution du langage musical de Portishead s’articule autour de procédés mélodiques et harmoniques favorisant un élargissement d’un cadre tonal équivoque. Pour ce faire, Portishead a recours à plusieurs procédés mélodiques et harmoniques qui entretiennent l’équivoque tonale. Or, ces procédés sont similaires, sans toutefois être identiques, aux six procédés répertoriés par Sylvain Caron (Caron 2002) au sujet de la grammaire de Gabriel Fauré. Par la mise en œuvre de plusieurs outils d’analyses, nous procédons à une étude comparée et contextualisée de certains mécanismes mélodique et harmonique qui font émerger l’équivoque, tant chez Fauré que chez Portishead. Ces outils d’analyse, comme l’analyse des vecteurs de ruptures mélodico-harmoniques, l’analyse paradigmatique ou l’analyse néo-riemannienne, ont été bonifiés afin de rendre compte de certaines particularités liées au corpus étudié. Ce travail de recherche est divisé en deux parties précédés d’une introduction, d’une notice biographique et d’une revue de littérature analytique. La première partie se divise en trois chapitres et s’intéresse spécifiquement au traitement mélodique équivoque. La deuxième partie, constituée des deux derniers chapitres, abordent les procédés d’équivoque harmonique. Ce travail de recherche a démontré que même si un siècle sépare les compositions de Gabriel Fauré et Portishead, l’équivoque se manifeste par une grammaire musicale commune. Nous constatons aussi que l’équivoque articule le discours formel et conditionne les rapports structurants de tension – détente de l’œuvre. / This research provides a description of the melodic and harmonic style of the British band Portishead. It is based on analysis of the full repertoire or 33 songs over three albums (11 songs per album). Since the entire corpus is analyzed, one may be able to detect chronologically trends and perform statistical analysis of the evolution of the melodic- harmonic grammar and aesthetics of the group. The hypothesis of this research work is based on the idea that the evolution of the musical language of Portishead revolves around melodic and harmonic processes favoring an expansion of tonal ambiguity frame. To do this, Portishead uses several melodic and harmonic processes that maintain tonal ambiguity. However, these processes are similar, but not identical, to the six processes listed by Sylvain Caron (Caron 2002) about the grammar of Gabriel Fauré. For the implementation of various analysis tools, we perform a comparative and contextualized study of certain melodic and harmonic mechanisms that brings out the ambiguity, both in Fauré than Portishead. These analysis tools, such as analysis of melodic-harmonic vectors of ruptures, paradigmatic analysis or neo-Riemannian analysis were enhanced to reflect certain particularities of the studied corpus. This research consists of two parts preceded by an introduction, a manual and a review of literature analystique. The first part is divided into three chapters and focuses specifically on clear melodic treatment. The second part, consisting of the last two chapters address the ambiguity of harmonic processes. This research has shown that even if a century separates the compositions of Gabriel Fauré and Portishead, ambiguity is manifested by a common grammar. We also notice that ambiguity revolves formal speeches and determines the structuring of tension – release relationships.