O ponto de partida para este trabalho sobre a \"janela\" e a \"moldura\" advém da consideração de que estes dispositivos são simultaneamente objeto e pensamento. Ocupam um espaço teórico fundamental na cultura ocidental enquanto lugares de enunciação, de apresentação e de representação. Ao mesmo tempo que a janela é um elemento estruturante da gramática construtiva da arquitetura, ela pode ser entendida como metáfora para a moldura na pintura e, nesse sentido, este par conceitual encontra-se na base da formulação da visualidade e da espacialidade na cultura ocidental. Propomo-nos com o presente trabalho compreender a existência de uma correlação entre dois universos comparados (Pintura e Arquitetura), especulando sobre novas possibilidades de entendimento da \"janela\" na Arquitectura e da \"moldura\" nas Artes Visuais. Para tal, sugerimos o estudo de caso da obra dos artistas visuais Pedro Calapez e Rodrigo Andrade (desde os anos 80), tentando entender se a problemática da moldura (limite do plano pictórico) e da janela (enquadramento de paisagem/dispositivo arquitetônico) se pode constituir como paradigma no entendimento da prática destes dois artistas e daí especular sobre a sua possível correlação com a produção arquitetônica contemporânea. O estudo recairá incisivamente sobre a emancipação da obra de arte em relação aos seus dispositivos de apresentação tradicionais (moldura e pedestal), questão que marcou profundamente a espacialidade da arte ao longo do séc. XX, com o advento do modernismo. Partindo do texto \"De pictura\" de Alberti constrói-se um percurso histórico até à atualidade, onde se procura identificar e caracterizar os diversos momentos paradigmáticos dos conceitos de moldura e de janela. Esta análise encontra fundamento em textos de crítica, teoria de arte e de arquitetura, ao mesmo tempo que propõe o estudo atento de obras de diversos artistas visuais, com incidência especial sobre os estudos de caso referidos. Em suma, busca-se aprofundar discussões possíveis em torno das questões de profundidade, planaridade, transparência, opacidade, limites do plano, espaço pictórico, bem como da própria natureza do trabalho da pintura, para daí tentar encontrar pares correlativos na arquitetura. / The starting point for this brief study about the \"window\" and the \"frame\", comes from the consideration that these devices are simultaniously object and thinking. They ocuppy a fundamental theoretical place in Western culture as places of enunciation, presentation and representation. While the window is a structural element of the design of architecture grammar, it can be understood as a metaphor for the frame in painting, and in that sense, this conceptual pair stands in the base of the visual and spatial formulation, in Western culture. We try to understand the existence of a correlation between two compared universes (Painting and Architecture), speculating about new possibilities of understanding the \"window\" in architecture and the \"frame\" in the Visual Arts. To this end, we suggest the case study of the work of visual artists Pedro Calapez and Rodrigo Andrade (since the 80s), trying to understand if the problem of the frame (limit of the picture plane) and of the window (landscape framing / architectural device) can be taken as a paradigm for understanding the practice of these two artists, and then speculate on its possible correlation with contemporary architectural production. The study will adress incisively the emancipation of the artwork in relation to its traditional presentation devices (frame and pedestal), an issue that deeply marked the spatiality of art throughout the 20th century, with the advent of modernism. From Alberti\'s text, \"De pictura\", we build up a historical journey, up to our days, where we seek to identify and characterize the various paradigmatic moments of the frame and the window, as concepts. This discourse is based on critical art and architecture theory, proposing, at the same time, the careful study of works by various visual artists, with particular focus on the case studies mentioned above. In short, we seek to deepen the discussion about the concepts of depth, flatness, transparency, opacity, plan limits, pictorial space as well as the very nature of painting work, to then try to find correlative situations in architecture.

O ponto de partida para este trabalho sobre a \"janela\" e a \"moldura\" advém da consideração de que estes dispositivos são simultaneamente objeto e pensamento. Ocupam um espaço teórico fundamental na cultura ocidental enquanto lugares de enunciação, de apresentação e de representação. Ao mesmo tempo que a janela é um elemento estruturante da gramática construtiva da arquitetura, ela pode ser entendida como metáfora para a moldura na pintura e, nesse sentido, este par conceitual encontra-se na base da formulação da visualidade e da espacialidade na cultura ocidental. Propomo-nos com o presente trabalho compreender a existência de uma correlação entre dois universos comparados (Pintura e Arquitetura), especulando sobre novas possibilidades de entendimento da \"janela\" na Arquitectura e da \"moldura\" nas Artes Visuais. Para tal, sugerimos o estudo de caso da obra dos artistas visuais Pedro Calapez e Rodrigo Andrade (desde os anos 80), tentando entender se a problemática da moldura (limite do plano pictórico) e da janela (enquadramento de paisagem/dispositivo arquitetônico) se pode constituir como paradigma no entendimento da prática destes dois artistas e daí especular sobre a sua possível correlação com a produção arquitetônica contemporânea. O estudo recairá incisivamente sobre a emancipação da obra de arte em relação aos seus dispositivos de apresentação tradicionais (moldura e pedestal), questão que marcou profundamente a espacialidade da arte ao longo do séc. XX, com o advento do modernismo. Partindo do texto \"De pictura\" de Alberti constrói-se um percurso histórico até à atualidade, onde se procura identificar e caracterizar os diversos momentos paradigmáticos dos conceitos de moldura e de janela. Esta análise encontra fundamento em textos de crítica, teoria de arte e de arquitetura, ao mesmo tempo que propõe o estudo atento de obras de diversos artistas visuais, com incidência especial sobre os estudos de caso referidos. Em suma, busca-se aprofundar discussões possíveis em torno das questões de profundidade, planaridade, transparência, opacidade, limites do plano, espaço pictórico, bem como da própria natureza do trabalho da pintura, para daí tentar encontrar pares correlativos na arquitetura. / The starting point for this brief study about the \"window\" and the \"frame\", comes from the consideration that these devices are simultaniously object and thinking. They ocuppy a fundamental theoretical place in Western culture as places of enunciation, presentation and representation. While the window is a structural element of the design of architecture grammar, it can be understood as a metaphor for the frame in painting, and in that sense, this conceptual pair stands in the base of the visual and spatial formulation, in Western culture. We try to understand the existence of a correlation between two compared universes (Painting and Architecture), speculating about new possibilities of understanding the \"window\" in architecture and the \"frame\" in the Visual Arts. To this end, we suggest the case study of the work of visual artists Pedro Calapez and Rodrigo Andrade (since the 80s), trying to understand if the problem of the frame (limit of the picture plane) and of the window (landscape framing / architectural device) can be taken as a paradigm for understanding the practice of these two artists, and then speculate on its possible correlation with contemporary architectural production. The study will adress incisively the emancipation of the artwork in relation to its traditional presentation devices (frame and pedestal), an issue that deeply marked the spatiality of art throughout the 20th century, with the advent of modernism. From Alberti\'s text, \"De pictura\", we build up a historical journey, up to our days, where we seek to identify and characterize the various paradigmatic moments of the frame and the window, as concepts. This discourse is based on critical art and architecture theory, proposing, at the same time, the careful study of works by various visual artists, with particular focus on the case studies mentioned above. In short, we seek to deepen the discussion about the concepts of depth, flatness, transparency, opacity, plan limits, pictorial space as well as the very nature of painting work, to then try to find correlative situations in architecture.

L’objectif de ce travail est l’étude de la démarche artistique du mouvement surréaliste et de la peinture métaphysique en Grèce pendant la période des années 1930. En particulier la thèse étudie le cas des peintres Nikos Engonopoulos, Gerassimos Steris et Georges Gounaro. Tout en examinant « l’idiome pictural » des artistes, ce travail vise également à élucider les influences reçues des artistes Grecs tant par le mouvement surréaliste en France que par les aspirations métaphysiques de la peinture de Giorgio de Chirico. Ainsi orientée, la mise en relation s’effectue sur deux axes, premièrement thématique et deuxièmement stylistique. Dans la première partie, la thèse considère la réception du surréalisme et de la peinture métaphysique en Grèce, effectuée dans des conditions hostiles. Il s`agit donc d`étudier le concept de la « Grécité » et le contexte historique et sociopolitique qui a marqué l’implantation retardée et l’expression affaiblie de cette peinture qui, affranchie des contraintes de l’académisme, a provoqué un scandale sans précédent, combinant Modernisme et Tradition. Dans les parties suivantes, ce travail aborde des thèmes communs dans l`œuvre des artistes du corpus, à savoir l`espace pictural surréel, méta empirique, et onirique, les visions métaphysiques, le rôle du Mythe Orphique, et finalement la représentation et le symbolisme de la figure humaine, historique et mythique, dans son inquiétante étrangeté. De surcroît, la thèse révèle l’originalité de cette création artistique subversive (thèmes choisis, techniques, dessin, et couleurs utilisées) qui a oscillé entre les influences occidentales et la revendication d`une spécificité nationale et culturelle. / The objective of this work is the study of the artistic process of the surrealist movement and the metaphysical painting in Greece, during the 1930s. In particular, the thesis examines the case of painters Nikos Engonopoulos, Gerassimos Steris, and Georges Gounaro. While examining the artists’ « pictorial idiom », it also seeks to elucidate the influences received from Greek artists by the surrealist movement in France and by the metaphysical aspirations of Giorgio de Chirico’s painting. The method of approach is based on the parallel, performed on two axes, firstly thematic and secondly stylistic. In the first part this work considers the reception of surrealism and the metaphysical painting in Greece, at the time of the inter-war period, which was carried out in adverse conditions. The reasons for the weak expression of Surrealism and its delayed implantation in Greece are attributed to the socio-political context and the imperatives of the time. This surreal and metaphysical creation, freed from the constraints of academic painting, caused a scandal as she approached Greek tradition in an innovative way. In the following sections the research deals with common topics in the pictorial work of Greek artists’, namely the surreal, meta-empirical, and dreamlike pictorial space, as well as painters’ metaphysical visions, the role of the Orphic myth, and finally the presence and the symbolism of historical and mythical human figures which often follow the principle of metamorphosis. In addition this work reveals the originality of this art (topics, drawing and colours used) mainly due to its Greek character. It’s a particular case study of that thoroughly subversive artistic creation, oscillated between Western influences and claims of national and cultural specificity.