Se résumant pour l'essentiel à un théâtre de paroles, l'oeuvre de Valère Novarina a des balises claires. L'action de ses textes -utopiques ou concrètement scéniques -se déroule sur un plateau épuré et presque libre de tout décor, où les personnages entrent et sortent gratuitement, sans que leur va-et-vient réponde d'une causalité (comme celle d'une mise-en-intrigue). L'intérêt de cette présence théâtrale sans queue ni tête réside dans ses répliques surgissant de nulle part et dans leur étrangeté tantôt mystique, tantôt bouffonne. C'est la parole en elle-même qui, ici, étonne donc par sa seule teneur. Mais pour en arriver à ce résultat, tous les actants de sa représentation doivent rester interdits et hébétés devant le texte dialogué : auteur, acteurs et spectateurs y compris. Il y va, pour ce faire, d'un nécessaire travail de sape de la raison et de son autorité, d'une opération sacrificielle qui a, comme fonction, d'éviter qu'un corps -celui de l'acteur, du metteur en scène ou du dramaturge, par exemple s'approprie la paternité du Verbe et occupe le lieu troué de son origine. Par sa forme générique, bien sûr, le théâtre -au contraire de la narration qui adopte toujours une focalisation et crée donc un espace-temps d'où son savoir peut s'actualiser -favorise l'absence de détermination de la Voix narrative. Ainsi disséminée au travers des acteurs et perdue dans l'action théâtrale, la Voix apparaît sur scène en se libérant continuellement des corps et de la matière. Par conséquent, elle annule, au fur et à mesure de la représentation, toute inscription de son origine. Inspirée pour une bonne part des travaux de Dominique Rabaté, cette thèse parle, à ce sujet et de concert avec le poéticien, d'épuisement. De son côté, Agamben explique ce geste sacrificiel en tant que véritable origine: la Voix est toujours supprimée, affirme-t-il. L'énonciation littéraire s'élabore en effet à partir de cet écart, comme le prétend, depuis Benveniste, la linguistique. Corps et Voix ne sont jamais réunis dans une présence pleine. Le théâtre novarinien, quant à lui obsédé par le Verbe et son avènement, provoque constamment leur séparation, dans un excès jubilatoire qui tient de la fête primitive. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Littérature française, Théâtre, Novarina, Origine, Poétique et écriture.

Isidore Lucien Ducasse (1846-1870), poète français né en Uruguay, à Montevideo, est l'auteur de deux textes parmi les plus intrigants, provocateurs et mystérieux des lettres françaises : Les Chants de Maldoror, qu'il tentera de faire publier en 1869 sous un pseudonyme désormais célèbre, « Le Comte de Lautréamont » ; et Poésies, étrange double fascicule publié en deux temps l'année suivante, quelques mois avant sa mort, et qu'il signera de son nom véritable. Découvert par les symbolistes et les décadents, puis encensé par les surréalistes, Isidore Ducasse est devenu un véritable mythe. Aujourd'hui encore, on le considère, au même titre que Rimbaud, comme l'un des pionniers de la modernité poétique et du poème en prose. Ce travail se propose d'aborder l'oeuvre ducassienne en associant les approches littéraires et stylistiques à celles qui s'intéressent à l'imaginaire subjectif des auteurs. Il s'agira tout particulièrement d'articuler l'étude des Chants de Maldoror à celle de Poésies afin de saisir le caractère doublement réflexif d'une écriture qui, d'une part, fait un constant retour sur elle-même, et de l'autre, mène une profonde réflexion sur la création littéraire. En somme, l'enjeu de cette démarche sera de mettre en lumière les déterminations à la fois poétiques, esthétiques et intimes qui, chez Isidore Ducasse, président à l'acte créateur. / Unavailable

Par un déplacement de l’action tragique dans la familia qu’il psychologise, Sénèque intériorise la théorie des passions et affirme les bienfaits libérateurs de l’intellection autant sur un plan politique que social et ontologique. Celle-ci, par le respect de la pietas et de la fides, garantit l’équité sociale et préserve la cité du tyran. Par le juste assentiment et une bonne maîtrise du temps, elle préserve le héros du furor et du sentiment tragique de sa condition douloureuse. Le cantonnant dans les bornes du pudor, elle le détourne de la transgression par laquelle le furieux croit se libérer des contingences et le porte à trouver sa joie dans une morale de l’effort et l’adhésion volontaire à son destin. Ces valeurs stoïciennes sont portées par une esthétique du sublime et de l’émotion. Reposant sur l’image et une écriture fluctuante, entre discours suggestif et réalisme épique, elle suscite « l’horreur délicieuse », portant le spectateur vers une analogie cathartique. La théâtralisation du mythe, allégorie des conflits terrifiants de l’homme avec lui-même comme avec le cosmos, se fait parole universelle. / By a displacement of tragic action in familia he psychologises, Seneque internalizes theory of passions end maintains liberating benefits of the intellection as much on a political point of view as on social and ontological ones. Through the respect of pietas and fides, the intellection guarantees social equity and protects the city from the tyrant. By the right assent and time control, it protects the hero from the furor and the tragic feeling of his painful condition. It confines the hero inside furor borders and so diverts him from infringement by which the furious believes to be free from events and leads him to find happiness through a morality of efforts and deliberate support of his destiny. These stoicienne values are brought by an aesthetic pleasing of the sublime and emotion. Based on pictures and texts, between evocative speech and epic realism, it creates “the delicious horror”, bringing the spectator towards an cathartical analogy. The theatricalisation of myth, allegory of terrifying conflicts of mankind against himself or cosmos, is universal speech.

Cette thèse porte sur la conception du bonheur de Voltaire telle qu’elle se dégage de ses œuvres en vers. Bien qu’elle soit la moins étudiée dans la recherche, la partie poétique de l’œuvre voltairienne est de grande valeur pour la compréhension de l’esthétique voltairienne, parce que c’est là sans doute que le grand écrivain français a le plus directement livré ses idées et ses sentiments.L’analyse des relations avec les poésies des modèles épicuriens latins met en évidence une pratique philosophique de la création littéraire que Voltaire a apprise chez eux. C’est notamment Horace qui joue un rôle principal dans l’inspiration et la pratique voltairiennes et dont Voltaire appréhende entre autre la notion du poeta doctus et de la création poétique qui est étroitement liée au sentiment de bonheur.Les principes critiques sur lesquels repose l’ensemble de cette thèse est la distinction entre la poétique et la « poétologie » de Voltaire (la dernière étant un concept tout à fait courant dans d’autres langues que j’ai adapté pour analyser l’attitude poétique de Voltaire). Cette distinction permet de mettre en évidence la nature exacte de la filiation entre les anciens poètes épicuriens (notamment Horace) et Voltaire et explique le lien étroit et complexe entre poésie, bonheur et les topiques épicuriennes que j’évoque dans cette thèse : les notions du paysage, de l’âge, de l’amitié et de la mythologie traitées dans les poésies du grand poète des Lumières. / The present doctoral thesis addresses the concept of happiness in Voltaire’s lyric poems. To date, Voltaire’s poetry has not been the subject of significant research, despite the fact that it is of great significance in terms of gaining an understanding of the aesthetic of the French author, as he expresses his thoughts and feelings directly in his poetry.Research into the topics, which Voltaire associated with the Latin Epicurean poets, shows how he adopted their philosophical and literary practice. A particular inspiration for Voltaire was Horace, from whom he took on, among other things, the idea of the poeta doctus and the nature of poetic creativity, which are very closely associated with a feeling of happiness.In this thesis, a distinction is made between ‘poetics’ and ‘poetology’ which does not exist in French. This distinction enables us to shed some light on the legacy of the ancient Epicurean poets (particularly Horace), and highlights the close and complex relationship between poetry, happiness and the Epicurean topics which are reflected in Voltaire’s poetry and which this thesis addresses: the themes of landscape, age, friendship and mythology.

The abstract and lay abstract are equally written in English in the preliminary pages of this thesis. / Notre travail se propose d’interroger la notion du manque telle qu’inscrite dans le roman francophone d’Afrique subsaharienne. Un parcours exhaustif du discours critique sur cette problématique a révélé des lacunes importantes que notre travail se donne pour tâche de combler. La problématique du manque est liée à la situation perturbante des enfants abandonnés des sociétés de l’Afrique subsaharienne. L’objectif principal de cette étude est de proposer une catégorie de lecture du roman francophone africain mettant en relief le manque comme une conséquence de la violence envers l’enfant. Cette violence dont les origines résident dans le social, le familial, le culturel et même le politique, exerce un effet « déracinant » sur l’enfant qui se retrouve sans plus de repère. Ce travail s’attachera à montrer que ce manque de repère génère un vide qui va définir l’enfant. Mais l’analyse montrera aussi que le manque qui structure le personnage structure en même temps l’écriture. Revendiquant de la considération pour ces enfants, une minorité qui devrait être inconditionnellement protégée, les ouvrages de notre corpus s’inscrivent dans une quête de justice sociale en face des traumatismes causés par le manque. Ce travail montrera comment chaque texte délimite le manque par un ensemble de thèmes et de valeurs qui deviennent des motifs de questionnement de la société référentielle. Les textes sur le manque deviennent ainsi à la fois « subversifs », car ils dénoncent vivement la violation des droits humains de l’enfant, et « cathartiques », car dépeindre la souffrance de l’enfant est pour l’écrivain une manière de le libérer de ses peines. / Thesis / Doctor of Philosophy (PhD) / Cette étude vise à montrer que l’univers de l’enfance tel que dépeint par les romanciers du champ littéraire africain de la période postindépendance est un univers qui s’est subverti pour devenir un univers de douleur, contrairement à l’imaginaire de l’enfance joyeuse d’antan. Les personnages enfants qui figurent dans ces romans sont perpétuellement en quête de repères psycho-socio-affectifs, identitaires et moraux, du fait du manque qui les définit; un manque dont l’expérience est semblable à une expérience de violence avec ses effets déstabilisants sur l’enfant. Ce travail a donc pour but de montrer la souffrance de l’enfant afin d’éveiller une forme de conscience sociale en ce qui concerne la prise en charge adéquate de celui-ci.

Ce mémoire propose une lecture du recueil Art poétique d’Eugène Guillevic. Art poétique parait non seulement comme un livre où se développe la recherche patiente d’un principe directeur, mais aussi comme « l’autoportrait d’un poète qui continue de s’interroger et d’interroger le monde » . Le poète a résumé cette double interrogation dans l’expression suivante : « Écrire, c’est bien s’inscrire dans le monde » . Cette formule inspire notre réflexion sur le recueil et nous amène à avancer l’hypothèse suivante : la reprise du genre de l’art poétique par Guillevic s’accorde paradoxalement avec sa recherche d’une expression subjective et singulière. Au cours de ce mémoire, nous allons examiner les relations que le sujet guillevicien entretient avec l’espace et le temps. Nous allons chercher notre appui dans la théorie du discours, telle que la décrit Émile Benveniste. / This dissertation will develop an interpretation of Art poétique by Eugène Guillevic. This anthology in not only a treatise on poetry, but also a “self-portrait of a poet who continues to interrogate himself, and interrogates the world” . This issue is expressed by Guillevic himself: “Writing means making ourselves part of the world” . This sentence leads to the following hypothesis: the genre of “ars poetica” is a means that paradoxically leads Guillevic to write in an intimate manner. This dissertation is an outline of the relations that the poetical subject attempts to maintain with space and time. The theory of discourse of Emile Benveniste will constitute the primary theoretical background for this analysis.

Ce mémoire propose une lecture du recueil Art poétique d’Eugène Guillevic. Art poétique parait non seulement comme un livre où se développe la recherche patiente d’un principe directeur, mais aussi comme « l’autoportrait d’un poète qui continue de s’interroger et d’interroger le monde » . Le poète a résumé cette double interrogation dans l’expression suivante : « Écrire, c’est bien s’inscrire dans le monde » . Cette formule inspire notre réflexion sur le recueil et nous amène à avancer l’hypothèse suivante : la reprise du genre de l’art poétique par Guillevic s’accorde paradoxalement avec sa recherche d’une expression subjective et singulière. Au cours de ce mémoire, nous allons examiner les relations que le sujet guillevicien entretient avec l’espace et le temps. Nous allons chercher notre appui dans la théorie du discours, telle que la décrit Émile Benveniste. / This dissertation will develop an interpretation of Art poétique by Eugène Guillevic. This anthology in not only a treatise on poetry, but also a “self-portrait of a poet who continues to interrogate himself, and interrogates the world” . This issue is expressed by Guillevic himself: “Writing means making ourselves part of the world” . This sentence leads to the following hypothesis: the genre of “ars poetica” is a means that paradoxically leads Guillevic to write in an intimate manner. This dissertation is an outline of the relations that the poetical subject attempts to maintain with space and time. The theory of discourse of Emile Benveniste will constitute the primary theoretical background for this analysis.

Orientador: Guacira Marcondes Machado Leite / Banca: Maria Célia de Moraes Leonel / Banca: Glória Carneiro do Amaral / Resumo: Este trabalho propõe a estudar a poesia nos contos de Tumatéia de Guimarães Rosa, mostrando as características que o texto apresenta e como se utiliza de elementos poéticos para criar um mundo amplo e particular, tomando pelo perigo e pelo mistério, onde vaga um homem incompleto, que busca a verdade e a unidade, e que deseja compreender o mundo que o rodeia. Essa realidade é criada a partir de um trabalho é criada a partir de um trabalho cuidadoso com a linguagem, que é renovada e reinventada, para renascer plena de significação. Os contos de Rosa transcendem os limites da prosa poética e invadem as fronteiras da narrativa poética, para criar um conto poético que ultrapassa a barreira do tempo e chega à atemporalidade do instante primordial. Assim, os contos de Tutaméia têm o objetivo de iniciar uma revolução no ser e encaminhá-lo rumo à sabedoria, transformando sua visão de mundo e saciando sua fome de poesia. / Résumé: Ce travail se propose d'étudier la poésie dans les contes de Tutaméia de Guimarães Rosa, montrant les caractéristiques que le texte présente et la façon dont il utilise des élements poétiques pour créer un monde ample et particulier, plein de périls et de mystères, où vague un homme incomplet, qui cherche sa vérité et son unité, et que désire comprendre le monde qui l'entoure. Cette réalité est crééa à partir d'un travail attentif avec le langage, qui est renouvelé et reincenté pour renaître plein de significations. Les contes de Rosa surpassent les limites de la prose poétique et envahisssent les frontières du récit poétique, pour créer un conte poétique qui dépasse les barrières du temps et arrive à a durée de l'instant primordial. De cete façon, les contes de Guimarães Rosa on l'objectif de commencer une révolution dans l'être pour le conduire à la sagesse, transformant sa vision du monde et rassiant sa faim de poésie. / Mestre

C’est à l’écart de tous et de tout que s’est toujours tenu Marcel Moreau, écrivain aux chairs habitées d’un corps verbal. Son œuvre en témoigne par sa monstrueuse densité: plus d’une soixantaine de livres en cinquante années. L’objet de cette thèse sera de définir sa poétique du corps tout en prenant en compte ses refus du classifiable et la mise en place d’une mythologie intime le dépassant. Engageant directement le lecteur, son écriture l’insère dans une relation tragique au dehors et au-dedans de lui-même, rendu à un réel libéré de toute passivité. Une approche biographique s’impose donc en ce qu’elle implique étymologiquement le vivant dans l’écriture. Aussi, si son utilisation de la langue française s’ancre profondément dans son organisme, elle forme une voix de l’Étrangeté disloquant toute idée de frontière – littéraire, géographique, générique, ou physique. Le langage devient réappropriation du pulsionnel, réhabilitation de ce qui est perçu comme irrationnel. Rendre leur force aux mots invite à inverser les perspectives et à réaliser que c’est la perception de l’étrange, le concevoir autre, qui ouvre à ce que l’on est, à la complexité panique du monde. Les instincts éclairés, c’est-à-dire acceptés en tant qu’origine des tremblements de la chair et de la pensée, relèvent plus d’une cruelle lucidité face aux chaos de la nature et de soi, que d’un simple amas incontrôlable et mauvais. Lorsque la parole renoue avec sa violence, qui est puissance fondatrice, elle nous renvoie aux structures mythiques engendrant nos littératures, mais aussi à la place de l’écrivain, de la parole poétique faisant lien et liane avec nos représentations du vivant au sein de la communauté. / Marcel Moreau has always stood aside from the dominant thought of his age. He is incarnated and possessed by words, what he calls his “verbal body”. His work indeed shows a monstrous density: more than sixty books in fifty years. This thesis will attempt to define the poetics of the body while taking into consideration the building up of an intimate mythology that goes beyond himself, and beyond his rejection of any label. His writing directly engages the reader and integrates him in a tragic relation with his inner and outer self, sending him back into a reanimated passivity reality. A biographical approach is necessary because the Living is etymologically implied in the act of Writing. Thus, if the way he uses French is deeply embedded in his own organism, it creates a “voice of Strangeness” that dislocates the mere idea of frontiers – in literature, geography, genres, or even biology. Impulses finally express themselves through this poetical language, along with what is considered irrational. Words are living things whose strength can utterly change our cognitive structures. In Marcel Moreau’s mind, one is able to open up to what he is and to the panicked complexity of the world surrounding him thanks to his perception of strangeness and otherness. The writer aims at enlightening his instincts, as they are the origin of trembling flesh and trembling thought, even though they carry a charge of cruel lucidity within them. When speech bonds with its original violence, it brings us back to the mythical structures that created our literatures, but also to the condition of the writer and to the poetical language that binds our community together with its multiplicities.

Notre thèse se penche sur les tragédies créées entre la retraite professionnelle de Racine (1677) et l’amorce d’un renouvellement de la poétique tragique vers les années 1730, marquées par une interruption des carrières de Crébillon et de La Motte, la publication, notamment, des Discours de ce dernier et du Théâtre des Grecs du Père Brumoy, et le retour d’Angleterre du jeune Voltaire. Nous y interrogeons dans un premier temps la sclérose qui gagne la scène et la poétique tragiques en rapport avec les premiers essais de définition de l’élégie, qui mettent en évidence la porosité des deux genres, et un retour en force de l’esthétique de l’horreur occasionnée par la concurrence directe entre la Comédie-Française et le succès des tragédies lyriques du Palais-Royal. Nous étendons ensuite nos conclusions à l’étude des composantes poétiques et dramaturgiques des tragédies de l’époque, où nous analysons les inflexions élégiaques et horrifiques qui se dégagent des effets de structure dus à des interprétations opposées de la notion de simplicité ; dans la même perspective, nous examinons les inflexions qui gagnent la typologie des personnages et les rapports entre les intrigues amoureuse et politique. Enfin, nous abordons le rôle des motifs élégiaques et horrifiques dans la recherche de l’effet tragique, plus particulièrement en ce qui concerne les larmes et l’effroi, ainsi que la transposition sur la scène française du modèle antique des Héroïdes, où ces deux tendances sont réunies. / This thesis investigates tragedies written between Racine’s retirement (1677) and the beginnings of a renewal of the poetics of tragedy in the 1730s, a period marked by the interruption of the careers of Crébillon and La Motte, the publication of La Motte’s Discours and Père Brumoy’s Le Théâtre des Grecs as well as young Voltaire’s return from England. First, it examines the ossification of the theatre and the poetics of tragedy in connection with early attempts to define the genre of elegy that highlight the porosity of the two genres, along with a revival of the aesthetics of horror arising from direct competition between the Comédie-Française and the successful lyrical tragedies of the Palais-Royal. Conclusions are subsequently applied to a study of the poetic and dramaturgical components of the era’s tragedies, based on an analysis of the modulations of elegy and horror that emerge from structural effects created by conflicting interpretations of the concept of simplicity. The modulations that permeate the character typology and the relationships between political plots and love plots are then analyzed from the same angle. Lastly, the thesis concludes with an exploration of the role of the motifs of horror and elegy in the pursuit of tragic effect, more specifically with regard to tears and fright, and the adaptation of the ancient model of the Heroïdes for French theatre, in which these two trends are combined.