O objetivo dessa dissertação é compreender de que maneira se relacionam três elementos presentes na narrativa de Kansas City (1996), do cineasta Robert Altman. Em primeiro lugar o jazz, cuja utilização vai além da concepção tradicional de música como trilha sonora em filmes; em segundo lugar, a imitação de modelos da indústria cultural, que aparece configurada nas personagens Blondie e Johnny O\'Hara; e em terceiro lugar, o cenário político, tanto da narrativa como da produção da obra respectivamente, as décadas de 1930 e 1990 do contexto norte-americano. / This research aims at understanding how three elements of Robert Altman\'s Kansas City (1996) are related to each other. In the first place the jazz, which is not used as mere soundtrack in this film; in the second place the imitation of culture industry models, personified in the characters Blondie and Johnny O\'Hara; and in the third place the political scenario, concerning both the narrative and the production of the film respectively the 1930s and the 1990s in the north-american context.

O objetivo dessa dissertação é compreender de que maneira se relacionam três elementos presentes na narrativa de Kansas City (1996), do cineasta Robert Altman. Em primeiro lugar o jazz, cuja utilização vai além da concepção tradicional de música como trilha sonora em filmes; em segundo lugar, a imitação de modelos da indústria cultural, que aparece configurada nas personagens Blondie e Johnny O\'Hara; e em terceiro lugar, o cenário político, tanto da narrativa como da produção da obra respectivamente, as décadas de 1930 e 1990 do contexto norte-americano. / This research aims at understanding how three elements of Robert Altman\'s Kansas City (1996) are related to each other. In the first place the jazz, which is not used as mere soundtrack in this film; in the second place the imitation of culture industry models, personified in the characters Blondie and Johnny O\'Hara; and in the third place the political scenario, concerning both the narrative and the production of the film respectively the 1930s and the 1990s in the north-american context.

O filme Short Cuts - Cenas da Vida (1993), do diretor norte-americano Robert Altman (1925-2006), foi baseado numa coletânea de contos do escritor Raymond Carver (1938- 1988). Nosso trabalho tem por objetivo o estudo dos modos pelos quais são figurados, no filme de Altman, os processos de virtualização da realidade e de fragmentação sóciohistórica (bem como suas possíveis causas) reinantes na sociedade contemporânea norteamericana e facilmente reconhecíveis em outras sociedades do mundo globalizado, inclusive na brasileira. Short Cuts se passa nos subúrbios da cidade de Los Angeles, metrópole socialmente fragmentada, caracterizada pela invasão da mídia em todos os domínios e assolada pela violência. Procuramos fazer um levantamento da fortuna crítica escrita sobre o filme e percebemos que os críticos se mostraram parcialmente equivocados em suas interpretações pela utilização de categorias inapropriadas para interpretá-lo, posto que ele está estruturado com base em preceitos épicos, ao invés de dramáticos, como a maioria da crítica pressupôs. Em seguida, tentamos analisar, a partir da tradição seguida por teóricos como Walter Benjamin, Fredric Jameson, Raymond Williams, Peter Szondi e Susan Willis, dentre outros, determinados aspectos do filme que demonstram não apenas a ideologia dominante e as crises cíclicas enfrentadas pelo sistema capitalista de produção, como também o desejo pela coletividade. Altman, valendo-se de técnicas como a rima visual e a filmagem através de superfícies, procura mostrar as conexões inevitáveis entre personagens que acreditam estar isoladas umas das outras, demonstrando, assim, o caráter ideológico da virtualização e da fragmentação. / Directed by Robert Altman (1925-2006), the film Short Cuts (1993) was based on a compilation of short stories written by Raymond Carver (1938-1988). Our work\'s objective is to study the means through which the processes of reality\'s virtualization and sociohistorical fragmentation, largely diffused in contemporary societies, are figured in Altman\'s film. Short Cuts is set on the suburbs of Los Angeles, a socially fragmented metropolis, characterized by the media invasion in all domains and fraught with violence. We have attempted to gather some thoughts that the critics have expressed toward the film, and we have noticed that their interpretations have proven to be partially mistaken, due to the use of improper categories to interpret it, considering that Altman\'s film is structured upon epic categories rather than dramatic ones, unlike most critics presupposed. We have also tried to analyze, based on the tradition followed by theoreticians such as Walter Benjamin, Fredric Jameson, Raymond Williams, Peter Szondi and Susan Willis, to name a few, certain aspects of the film that not only demonstrate the dominating ideology and the cyclic crises faced by the capitalist mode of production, but also the desire for collectivity. Through techniques such as the visual rhyme and the filming through surfaces, Altman attempts to show the inevitable connections between characters who believe to be isolated from each other, thus demonstrating the ideological essence of both virtualization and fragmentation.

Lançado em 1975, Nashville é uma das últimas produções de um período da cinematografia norte-americana conhecido como Nova Hollywood ou Renascença Hollywoodiana. Tomando a capital da música country nos EUA como objeto de crítica e pano de fundo espacial da narrativa, o filme reflete sobre problemas políticos e sociais de seu tempo. A tese que orienta o presente trabalho é a de que a imagem da História evocada em sua narração só foi possível porque o diretor e seus colaboradores fizeram um esforço consciente para apropriar-se do repertório fílmico industrial de técnicas, formas e até mesmo clichês, refuncionalizando-o de modo a torná-lo adequado à expressão de sua visão crítica. O resultado é, ao mesmo tempo, um retrato dialético dos EUA no início dos anos 1970, uma prova da possibilidade da encenação épica no contexto industrial e um exemplo de resistência cultural a partir da organização produtiva dos trabalhadores do cinema. / Launched in 1975, Nashville is one of the last productions of a period in American cinema known as the New Hollywood or Hollywood Renaissance. Taking the capital of country music in the USA as the object of criticism and spatial backdrop of its narrative, the film reflects upon social and political problems of its time. The thesis that guides the present study is that the image of history evoked by its narration was possible only because the director and his collaborators made a conscious effort to apropriate the repertoire of industrial filmic techniques, forms and even clichés, refunctioning it to make it suitable to the expression of their critical point of view. The result is, all at the same time, a dialectical picture of the USA at the beginning of the 1970s, concrete evidence of the possibility of epic mise-en-scène in the industrial context and an example of cultural resistance built upon the productive organization of cinema workers.

Lançado em 1975, Nashville é uma das últimas produções de um período da cinematografia norte-americana conhecido como Nova Hollywood ou Renascença Hollywoodiana. Tomando a capital da música country nos EUA como objeto de crítica e pano de fundo espacial da narrativa, o filme reflete sobre problemas políticos e sociais de seu tempo. A tese que orienta o presente trabalho é a de que a imagem da História evocada em sua narração só foi possível porque o diretor e seus colaboradores fizeram um esforço consciente para apropriar-se do repertório fílmico industrial de técnicas, formas e até mesmo clichês, refuncionalizando-o de modo a torná-lo adequado à expressão de sua visão crítica. O resultado é, ao mesmo tempo, um retrato dialético dos EUA no início dos anos 1970, uma prova da possibilidade da encenação épica no contexto industrial e um exemplo de resistência cultural a partir da organização produtiva dos trabalhadores do cinema. / Launched in 1975, Nashville is one of the last productions of a period in American cinema known as the New Hollywood or Hollywood Renaissance. Taking the capital of country music in the USA as the object of criticism and spatial backdrop of its narrative, the film reflects upon social and political problems of its time. The thesis that guides the present study is that the image of history evoked by its narration was possible only because the director and his collaborators made a conscious effort to apropriate the repertoire of industrial filmic techniques, forms and even clichés, refunctioning it to make it suitable to the expression of their critical point of view. The result is, all at the same time, a dialectical picture of the USA at the beginning of the 1970s, concrete evidence of the possibility of epic mise-en-scène in the industrial context and an example of cultural resistance built upon the productive organization of cinema workers.

O filme Short Cuts - Cenas da Vida (1993), do diretor norte-americano Robert Altman (1925-2006), foi baseado numa coletânea de contos do escritor Raymond Carver (1938- 1988). Nosso trabalho tem por objetivo o estudo dos modos pelos quais são figurados, no filme de Altman, os processos de virtualização da realidade e de fragmentação sóciohistórica (bem como suas possíveis causas) reinantes na sociedade contemporânea norteamericana e facilmente reconhecíveis em outras sociedades do mundo globalizado, inclusive na brasileira. Short Cuts se passa nos subúrbios da cidade de Los Angeles, metrópole socialmente fragmentada, caracterizada pela invasão da mídia em todos os domínios e assolada pela violência. Procuramos fazer um levantamento da fortuna crítica escrita sobre o filme e percebemos que os críticos se mostraram parcialmente equivocados em suas interpretações pela utilização de categorias inapropriadas para interpretá-lo, posto que ele está estruturado com base em preceitos épicos, ao invés de dramáticos, como a maioria da crítica pressupôs. Em seguida, tentamos analisar, a partir da tradição seguida por teóricos como Walter Benjamin, Fredric Jameson, Raymond Williams, Peter Szondi e Susan Willis, dentre outros, determinados aspectos do filme que demonstram não apenas a ideologia dominante e as crises cíclicas enfrentadas pelo sistema capitalista de produção, como também o desejo pela coletividade. Altman, valendo-se de técnicas como a rima visual e a filmagem através de superfícies, procura mostrar as conexões inevitáveis entre personagens que acreditam estar isoladas umas das outras, demonstrando, assim, o caráter ideológico da virtualização e da fragmentação. / Directed by Robert Altman (1925-2006), the film Short Cuts (1993) was based on a compilation of short stories written by Raymond Carver (1938-1988). Our work\'s objective is to study the means through which the processes of reality\'s virtualization and sociohistorical fragmentation, largely diffused in contemporary societies, are figured in Altman\'s film. Short Cuts is set on the suburbs of Los Angeles, a socially fragmented metropolis, characterized by the media invasion in all domains and fraught with violence. We have attempted to gather some thoughts that the critics have expressed toward the film, and we have noticed that their interpretations have proven to be partially mistaken, due to the use of improper categories to interpret it, considering that Altman\'s film is structured upon epic categories rather than dramatic ones, unlike most critics presupposed. We have also tried to analyze, based on the tradition followed by theoreticians such as Walter Benjamin, Fredric Jameson, Raymond Williams, Peter Szondi and Susan Willis, to name a few, certain aspects of the film that not only demonstrate the dominating ideology and the cyclic crises faced by the capitalist mode of production, but also the desire for collectivity. Through techniques such as the visual rhyme and the filming through surfaces, Altman attempts to show the inevitable connections between characters who believe to be isolated from each other, thus demonstrating the ideological essence of both virtualization and fragmentation.

The Western has been an important and iconic part of American culture since the opening of the frontier. However, very few scholars have looked closely at the way the genre constructs the past through public and private spaces like frontier towns and settlements. The 1971 films, The Hired Hand and McCabe & Mrs. Miller are two texts that revitalized, and in the process revised, the Western genre in the early 1970s. My paper examines the ways in which conflicts between public and private spaces in the films reflect the social and cultural conflicts in America at the time. Both films feature lead male characters that strive to, but ultimately fail to resurrect an older idea of public space as they attempt to reclaim their place in it. The men attempt to navigate changing ideas of public space by retreating in to domestic or feminine space and resisting the corporatization of public space. This paper uses the works of Nancy Fraser and Richard Sennett to explore the different approaches to the nature of public space in post World War II America and sheds new light on the ways in which men adapted or, in some cases, refused to adapt to the changing social conditions of the second half of the 20th century.

This thesis focuses on three fashion industry themed female friendship films: Pret-a-Porter/Ready to Wear (1994) by Robert Altman, The Devil Wears Prada (2006) by David Frankel, and The September Issue (2009) by R.J. Cutler. Female interpersonal relationships are complex – women often work to motivate, encourage and transform one another but can just as easily use tactics like intimidation, manipulation, and exploitation in order to save their own jobs and reputations. Through the lens of post-feminist theory, this thesis examines significant female interpersonal relationships in each film to illustrate how femininity is constructed and driven by consumer culture in the fashion industry themed films.