Comment penser les problèmes d'accessibilité relatifs aux prix et la politique de répertoire des cinémas contemporains ? Quels sont les déterminants de la fréquentation des salles de cinéma et les conditions de son augmentation ? Quelles formes pourrait prendre un système d’exploitation cinématographique alternatif ? Tels sont les questionnements qui sous-tendent la recherche doctorale présentée dans cette thèse. Ce travail vise à définir et élaborer des bases théoriques et méthodologiques afin d’augmenter l'efficacité de la gestion du système de distribution des films en Russie, en s’appuyant sur l'utilisation de l'expérience russe et française en matière de préservation de l'identité nationale de la culture cinématographique dans un contexte de mondialisation culturelle. Cette thèse a permis d’élaborer un projet de système de gestion de la structure intergouvernementale portant sur l'exploitation cinématographique dans ses dimensions d’économie politique, d'organisation et de marketing dans la perspective d’une efficacité accrue pour résoudre les problèmes d’ordres économique et socio-culturel. Les résultats de l'étude peuvent être utilisés pour contribuer à définir la politique de l’État dans la sphère de l'exploitation cinématographique aux niveaux fédéraux, régionaux et locaux ; dans le processus de réforme et d'amélioration de l'efficacité de la gestion du système d'exploitation cinématographique ; pour la détermination des orientations à long terme de l'activité de marketing dans le domaine de l'exploitation cinématographique. / What is the solution of the problems with the price accessibility and repertoire policy for the modern cinemas ? What are the determinants of cinemas attendance and how to increase the target audience of cinemas ? What is the suitable form for the "system of alternative film exhibition" ? These were the questions to answer with the recent thesis. The purpose of the research is consisted in the determination and elaboration of theoretical and methodological bases for increasing the efficiency of Russian film exhibition management using the accumulated Russian and French experience of maintaining the national identity of cinematograph culture in the conditions of cultural globalization. As a result of the conducted research the international structure of film exhibition was elaborated and presented widely in the organizational, economical and marketing aspects with the aim of increase the efficiency of the solution of economical and socio-cultural problems. The results of this scientific work can be used while defining the state policy in the film exhibition field on the federal, regional and local levels ; in the process of reforming and increasing the efficiency of film exhibition management ; during the practice of foundation the perspective directions of marketing activities in the film exhibition field.

Dans les années vingt, au moment de l’institutionnalisation du cinéma classique hollywoodien, discours critiques et pratiques publicitaires maintiennent actif un plaisir spectatoriel lié à la présence sensationnelle de réel dans le film. La notion de « réalisme » que ces discours utilisent est un concept fragmenté qui vise d’une part à asseoir la légitimité du cinéma sur le sérieux des arts réalistes, et d’autre part à mettre l’accent sur les liens que le film entretient avec la réalité, dans son tournage, sa fabrication en studio, ou les techniques de l’illusion réaliste. Ces discours révèlent donc tout ce qu’il y a de réel dans le travail de la fiction des films. Il y a donc derrière ces discours un projet réaliste de construction d’un regard spectatoriel anti-illusionniste et actif qui est invité à analyser le film comme une illusion artificielle. Ces discours sont étendus dans le quotidien des spectateurs par des pratiques publicitaires qui visent à créer un espace de réception ludique où réel et romanesque s’interpénètrent dans le ballyhoo aux accents forains, les décorations des entrées de salles de cinéma, et les prologues joués sur scène avant (ou pendant) le film. Ce regard réaliste que ces discours et pratiques développent nous permet d’analyser la réception des films muets hollywoodiens comme un moment ludique et participatif. En visant au réveil des sens et à l’acuité du regard chez le spectateur, ces discours et pratiques permettent de poser la question d’un réalisme hollywoodien dont l’objectif serait un jeu actif, conscient et critique avec l’illusion cinématographique. / In the 1920s, as Hollywood cinema is undergoing industrial institutionalization, critical and advertising discourses maintain active a spectatorial pleasure derived from the sensational presence of reality in fiction films. The notion of « realism » used in those discourses is a « cluster concept » aiming on the one hand to derive cinema’s legitimacy from the serious purpose of realistic arts, and on the other to emphasize the relationship between film and the reality of on location or studio shooting, of the manufacturing of films, and of the tricks behind the realistic illusion. Those discourses therefore reveal all that is real in how fiction works in films and support a realistic project to construct an active and non-illusionistic spectatorial gaze that is invited to analyze film as an artifical illusion. These discourses are extended to spectators’ daily life through advertising practices that aim to create a playful space of reception where reality and romance merge in circus-inspired ballyhoo, in lobby decorations, and in on-stage prologues before, or during, the film. This realistic gaze developped by such discourses and practices allows us to analyze the reception of Hollywood silent films as a playful and participative moment. Aiming to awaken spectators’ senses and sharpen their attention, such discourses and practices allow us to raise the question of a Hollywood realism that would aim to create an active, conscious and critical game with the filmic illusion.

Cette étude prend pour objet les salles de cinéma et la relation des spectateurs avec elles. Pour pouvoir embrasser toutes les facettes de la salle de cinéma à l’ère de la multiplication des écrans, le travail s’insère pleinement dans une perspective socio-économique qui articule méthodes quantitatives et qualitatives et s’organise en trois grandes parties. La première décrit les lignes générales de l’expérience cinématographique avec ses écrans et ses sites, la deuxième aborde directement le contexte du paysage cinématographique en Turquie, et la troisième partie s’attache à décrire la place des spectateurs dans ce contexte particulier. Il essaye de construire, à la manière d’un puzzle, le portrait du spectateur-type en Turquie, tout en espérant que ce portrait sera révélateur pour comprendre le spectateur actuel. Les observations par immersion faites dans le cadre de cette étude témoignent de l’existence d’une ligne commune qui traverse tous les types de salles, que ce soit des multiplexes, des salles de quartier ou des espaces de visionnement alternatifs, et de la continuation de l’expérience en salle à domicile. / The object of this research is the movie theaters and the relationship of the audience with them. To embrace all aspects of the movie theaters in the era of proliferation of screens, the study which follows up a socio-economic perspective articulating quantitative and qualitative methods is organized into three parts. The first part describes the general lines of the cinematic experience with its screens and sites, the second directly addresses the context of the film industry in Turkey, and the third sets out to analyze the place of the movie spectators in this particular context. It thus tries to build up like a jigsaw puzzle, a portrait of the typical spectator in Turkey, hoping that this portrait would be relevant to understand today’s audience. The field observations made within the framework of this study demonstrate the existence of a common line cutting across all types of movie theaters, whether it be multiplexes, neighborhood cinemas or alternative screening areas, and illustrate the continuation of the theater experience at home.

Nous exposons dans ce mémoire les principes qui fondent, au sein de la discipline des études cinématographiques, une conception théorique de la réception d’images animées reposant sur la modalité de consommation spécifique du cinéma en salle. Notre analyse d’un ensemble représentatif d’approches théoriques et historiographiques de l’expérience cinématographique permet de relever les principes qui orientent la conception de différentes formes de médialité conférées à l’expérience du cinéma en salle. Les théories du dispositif et du signifiant imaginaire de Jean-Louis Baudry et Christian Metz proposent une conception de l’expérience du cinéma en salle qui met l’accent sur les effets de transparence médiatique de certaines composantes des salles de cinéma sur les spectateurs ainsi que sur le caractère imaginaire, symbolique et institutionnel de ces médiations. La sémio-pragmatique de Roger Odin et l’approche historiographique de la New Cinema History telle que présentée par Robert C. Allen et Richard Maltby proposent une conception de l’opacité médiatique de l’ensemble complexe des effets de médiation sensorielle, relationnelle, sociale et économique de l’expérience du cinéma en salle et dont les spectateurs font l’épreuve sur toute l’étendue de ce type de site d’exploitation et sur toute la durée de son occupation spectatorielle. Au terme de notre analyse, les différents principes relevés permettent de formuler la notion d’expérience hétérotopique du cinéma pour désigner la conception de l’expérience du cinéma en salle qui caractérise la compréhension de la réception d’images animées dans le cadre des études cinématographiques. / This thesis explores how theories of moving image reception that have or have had a significant impact on the development of film studies as a discipline are centered around the movie theater and on “movie-going” practices. The analysis of a representative set of theoretical and historiographical approaches to the cinematic experience allows for the definition of key principles that unearth various forms of mediation at play in the movie-going experience. Jean-Louis Baudry’s “apparatus theory” and Christian Metz’s notion of the “imaginary signifier” both suggest a theory of movie-going experience stressing the transparency effects on spectators of the mediation of certain architectural and technological aspects of movie theaters and focusing on the symbolic and institutional nature of this form of mediation. In contrast, Roger Odin’s semio-pragmatic approach and New Cinema History’s critical historiography (as theorized by Robert C. Allen and Richard Maltby) conceptualize the opacity of a complex set of sensory, relational, social, and economic mediations occurring in movie theaters, which last during the entire experience of the audience in these exhibition sites. By unspooling the complexity of the theoretical stances above mentioned, this thesis moves towards the definition of a heterotopic cinema experience formulated from within the context of film studies.