Orientador: Alexandre Luiz Mate / Banca: Rosangela Patriota / Banca: Maria Sílvia Betti / Resumo: Os Seminários de Dramaturgia do Teatro de Arena de São Paulo significam um momento de fundamentais transformações no pensamento e na prática teatral paulistana e nacional. A partir de uma concepção do nacional e do popular que busca a formação de novos autores brasileiros através da prática sistemática da discussão de teoria estética, de textos teatrais e da apresentação de obras autorais abertas e sujeitas ao debate em trabalho colaborativo. Sua eclosão, em 1958 e seu desenvolvimento até o ano de 1961 deu origem a peças que pela primeira vez no País se valerão da utilização de expedientes épico-dialéticos. Entre as obras oriundas desse processo, duas serão analisadas: Chapetuba Futebol Clube de Oduvaldo Vianna Filho e Revolução na América do Sul de Augusto Boal / Abstract: The dramaturgy seminars of Teatro de Arena from São Paulo means a moment of fundamental transformations in the thought and theater practice in the city of São Paulo and nationally. Starting from a conception of national and popular which aims the formation of new Brazilian writers through de systematic practice of discussion on aesthetic theory, theatral writings and presentation of open authoral works, subjected to debates and collaborative production. It's outbreak, in 1958 and it's development until 1961, gave origin to plays which, for the first time in Brasil, will resort epic-dialectic expedients. Between the theater plays that arose from this process, two will be analyzed: Chapetuba Futebol Clube written by Oduvaldo Vianna Filho and Revolução na América do Sul written by Augusto Boal / Mestre

Made available in DSpace on 2014-08-23T02:01:10Z (GMT). No. of bitstreams: 1 000460549-Texto+Completo-0.pdf: 570272 bytes, checksum: d1e45078091fc28d2aab55a0a643a618 (MD5) Previous issue date: 2013 / The theoretical study concerning the Brazilian play-writing from the last decade is imposed as it contributes to the rescue of national memory and identity. Nonetheless, once we analyze the 20th century productions, we can observe the expressive number of men who write for the theater. Ever since early times, women's play-writing has been reduced due to the socially instituted condition of marginalization of the female figure. In general, it is compared to the writing of men, being, hence, analyzed in light of the canon of male domination. When tracking the drama production from the period in question, we can identify the work of some important writers, especially Consuelo de Castro. Her texts express the concern about the female's social condition in Brazil along different periods of the country's history. Thus, the playwright reveals the transformations suffered by women along the years. This dissertation has focus on the study of Consuelo de Castro, in at least three distinct moments of sir career, focusing the image of the woman represented in À flor da pele (1969), Louco Circo do Desejo (1983) e Only You (2001). / O estudo teórico acerca da dramaturgia brasileira das últimas décadas atribuise na medida em que contribui para o resgate da memória e da identidade nacional. Contudo, quando analisamos as produções do século XX, observamos o expressivo número de homens escrevendo para o teatro. Desde os tempos mais recuados, a dramaturgia produzida por mulheres é reduzida pela condição instituída socialmente de marginalização da figura feminina. Em geral, é comparada à escrita dos homens, sendo, pois, analisada a partir dos cânones de dominação masculina. Ao rastrear a produção dramatúrgica do período em questão, identificamos o trabalho de algumas importantes escritoras, destacando-se Consuelo de Castro. Seus textos expressam a preocupação relativa à condição social feminina no Brasil, em diferentes períodos da história do país. Assim, a dramaturga revela as transformações vividas pelas mulheres ao longo dos anos. Esta dissertação tem como foco o estudo da produção de Consuelo de Castro, em pelo menos três momentos distintos de sua carreira, focalizando a imagem da mulher representada em À flor da pele (1969), Louco Circo do Desejo (1983) e Only You (2001).

Orientador: Reynúncio Napoleão de Lima / Banca: Alexandre Luiz Mate / Banca: Flávio Augusto Desgranges de Carvalho / Resumo: Teatro Ventoforte de 1985 a 1995 - a formação de um artista e arte-educador, dissertação de Mestrado de Wilton Carlos Amorim Rezende, sob a orientação do Prof. Dr. Reynúncio Napoleão de Lima, tem como objetivo uma reflexão a respeito da formação artística e pedagógica proporcionada pelo grupo Teatro Ventoforte. Para tanto, o primeiro capítulo expõe influências que precederam à criação do Teatro Ventoforte e sua origem com a montagem de História de lenços e ventos, em 1974. O capítulo, ainda trata da mudança para São Paulo em 1980 e a instalação do grupo na atual sede no Parque do Povo a partir de 1985. Já o segundo capítulo aborda a poética e pedagogia do grupo, analisando a linguagem do Ventoforte dividida em quatro pontos: a narrativa, o teatro de boneco, a festa popular e os contos de fada no processo criativo do Teatro Ventoforte. O terceiro capitulo toma como base a própria experiência do autor junto ao Ventoforte em sua formação e atuação como artista e educador. A formação artística apresenta quatro processos de criação de espetáculos e a formação pedagógica três projetos de arte-educação e uma reflexão que aproxima a prática do Ventoforte aos postulados teóricos do Professor Paulo Freire. Para a elaboração do trabalho, foram desenvolvidos conceitos relativos às linguagens artísticas, em especial ao teatro, e à pedagogia no ensino das artes, elementos que constituem a prática e poética do grupo desenvolvida durante os seus mais de trinta anos de atividades. Ao analisar os elementos constitutivos do objeto estudado, o texto procura mostrar que o Teatro Ventoforte mantém a opção por um trabalho construído coletivamente que tem o ser humano e seu desenvolvimento integral como principal foco. / Abstract: Teatro Ventoforte from 1985 to 1995 - the formation of an artist and art-educator master dissertation of Wilton Carlos Amorim Rezende, under the guidance of Prof. Dr. Reynúncio Napoleão de Lima, is targeting a reflection on the artistic and pedagogical training supplied by the Group Teatro Ventoforte. For both, the first chapter displays influences that preceded its creation and its origin with the assembly Story of Scarves and Winds in 1974. The chapter also points out the move to São Paulo in 1980 and the settlement in the group's current headquarters in Parque do Povo from 1955 on. The second chapter discusses the poetics and pedagogy of the group analyzing the language of Ventoforte divided into four sections: the narrative, the puppet theater, the folk feasts and fairy tales in the creative process of Teatro Ventoforte. The third chapter builds on the creator's own experience with Ventoforte in his training and performance as an artist and educator. The training presents four artistic processes of creating shows, pedagogical training, three projects of art education, and a consideration that shows Ventoforte resemblance to the theoretical postulates of Professor Paulo Freire. For the present work, concepts were developed, being them related to language arts, especially theater, and pedagogy in art education, elements that constitute the practice and poetics of the group, developed during its more than thirty years of activities. By analyzing the components of the studied object, the text aims to show that Teatro Ventoforte retains the option for such work that has collectively built the human being, in his/her and integral development, as the main focus. / Mestre

Orientador: Peter James Harris / Banca: Maria Celeste Tommasello Ramos / Banca: Beatriz Kopschitz Xavier Bastos / Resumo: O resgate da antiga tradição literária irlandesa é um contínuo processo de ressignificação e manutenção de todo arcabouço que representa a própria identidade do país. As personagens mitológicas estão presentes na memória da população e servem como inspiração para novas leituras e adaptações. O trabalho de releituras mitológicas intensificou- se principalmente durante o movimento do revivalismo celta (Celtic Revival, início do século XX), tendo como principal figura o dramaturgo William Butler Yeats. Inspirado pelo espírito nacionalista de dado movimento, John Millington Synge produziu diversas peças voltadas para a temática da vida e história celta, entre elas está Deirdre of the Sorrows (1910). Quase um século mais tarde, Vincent Woods escreveu A Cry from Heaven (2005), peça que também tem por base o mito The Exile of the Sons of Uisliu, vulgarmente conhecido como o mito de Deirdre. Esta dissertação analisa uma particularidade acerca da mitologia irlandesa, ou seja, o fato de esta tradição nos presentear com uma vasta quantidade de importantes personagens femininas. O mito de Deirdre, que originalmente leva o nome dos guerreiros, e filhos de Uisliu (The Exile of the Sons of Uisliu), possui como principal personagem uma mulher, Deirdre. Esta característica foi mantida e revisada por Synge e Woods. Neste sentido, averiguamos aspectos acerca da caracterização das personagens femininas presentes em cada uma das peças, de modo comparativo com as presentes no mito. Para tanto, utilizamos a tradução de Thomas Kinsella, presente na obra The Táin (1969), The Exile of the Sons of Uisliu. As ações e os discursos das personagens foram examinados. Deste modo, utilizamos a hipótese de que as personagens femininas nas peças de Synge e Woods poderiam (ou não) ser caracterizadas como mulheres mais independentes... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: The work of deliverance from the ancient Irish literary tradition is a continuous process of re-signification and maintenance of all the collection of stories that represent the country's own identity. The mythical characters are present in the people's memories and are a source of inspiration for new readings and new adaptations. The work of mythological rereading became intense mainly during the Celtic Revival Movement, having as leading role the playwright William Butler Yeats. Inspired by the nationalist spirit from this period, John Millington Synge produced several plays regarding the celtic life and history, among them is Deirdre of the Sorrows (1910). Almost a century after Vincent Woods wrote A Cry from Heaven (2005), a play that is also shaped having the myth The Exile of the Sons of Uisliu, widely known as the myth of Deirdre, as source. This dissertation aimed to analyze one specificity regarding the Irish mythology, in other words, the fact that this traditions presents us with a wide amount of important female characters. The myth of Deirdre, that originally has the name of its warriors, and sons of Uisliu, has as the main character a woman, Deirdre. This feature was maintained and revised in a special manner by Synge and Woods. Thus, our goal was to research aspects of the female characterization present in each play, in a comparative manner with the same ones present in the myth. For such, Thomas Kinsella's translation, present in The Táin (1969), The Exile of the Sons of Uisliu was used. The female actions and speeches were examined, especially in dialogues with the male figure. Therefore, we worked with the hypothesis that the female characters in Vincent Woods's and Synge's plays could (or couldn't) have been characterized as independent and powerful women, if compared with their traditional... (Complete abstract click electronic access below) / Mestre

Made available in DSpace on 2013-08-07T19:02:05Z (GMT). No. of bitstreams: 2 000388430-Texto+Completo+Anexo+A-1.pdf: 12089045 bytes, checksum: 8ce6939ae7ac2d8a00df072ebe849850 (MD5) 000388430-Texto+Completo-0.pdf: 444092 bytes, checksum: f8872b31fd30f695887b0e549ea2678f (MD5) Previous issue date: 2006 / This work presents a study about the elements proposed by the playwright in Midsummer night’s dream, by William Shakespeare, and besides that information about the theatrical context in which the play was produced, the Elizabethan Period. Two performances of this play are analysed here: the first was produced by the Grupo Província in 1971, directed by Luiz Arthur Nunes; and the second was produced by the Companhia Rústica de Teatro in 2006, directed by Patricia Fagundes. In each case of study, it is examined how the theatrical elements together with the text compose the performance and how the directors´ conceptions followed the play in terms of fidelity, beyond the approaches utilized to pass from the text to the stage. The research demonstrates that this transition demands a true creation calling the need of a connection between the author’s proposals and their interpretation by the creators of the scene. / Este trabalho apresenta um estudo sobre os elementos propostos pelo dramaturgo no texto Sonho de uma noite de verão, de William Shakespeare; além de informações sobre o contexto teatral no qual a peça foi produzida, o teatro elisabetano. São analisadas duas encenações deste texto: a realizada pelo Grupo Província em 1971, com direção de Luiz Arthur Nunes; e a realizada pela Companhia Rústica de teatro em 2006, com direção de Patricia Fagundes. Verifica-se como, em cada caso estudado, os elementos da linguagem teatral compõem, com o texto, o espetáculo teatral e como as encenações estudadas trataram o texto em termos de fidelidade, além das abordagens usadas para transitar do texto para a cena. A pesquisa demonstra que essa transição exige verdadeira criação e que, para isso, faz-se necessária a junção do que o autor propõe no texto com a leitura que será realizada pelos criadores da cena.

Made available in DSpace on 2013-08-07T19:01:45Z (GMT). No. of bitstreams: 1 000399592-Texto+Completo-0.pdf: 958857 bytes, checksum: c5cba8dcb350b35e0278be562fb7ff73 (MD5) Previous issue date: 2007 / António Aleixo (1899-1949), Portuguese popular poet of very little formal education, became a unique case in the Portuguese Literature not only for his talent to write verses, but also for having his poetry registered in a book from a compilation work while he was still living. From Aleixo’s small, but meaningful production, it is possible to emphasize three plays which have been associated to the characteristics of the work from the greatest Portuguese playwright, Gil Vicente (1465?-1537?). This paper aims at analyzing the autos written by António Aleixo by identifying its possible connections to Gil Vicente’s work. The studies of Sociology of Literature and the Theories of Drama are used to such comparison. / António Aleixo (1899-1949), poeta popular português, de pouca instrução formal, tornou-se um caso único na literatura portuguesa por conta não apenas de seu singular talento para a versificação, mas por ter sido sua poesia registrada em livro a partir do trabalho de compilação da obra do poeta ainda em vida. De sua pequena, porém significativa, produção literária destacam-se três textos dramáticos, aos quais sempre foram associadas características pertencentes ao teatro de Gil Vicente (1465?-1537?), considerado o maior dramaturgo português. O presente trabalho propõe-se a analisar os autos escritos por António Aleixo tendo por base teorias fundamentadas nos estudos da sociologia da literatura e nas teorias do drama, no intuito de comparar tais textos dramáticos com os elementos de composição do teatro vicentino, identificando suas possíveis aproximações.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Letras, Departamento de Teoria Literária e Literaturas, Programa de Pós-Graduação em Literatura e Práticas Sociais, 2012. / Submitted by Alaíde Gonçalves dos Santos (alaide@unb.br) on 2013-03-04T14:09:19Z No. of bitstreams: 1 2012_HelcicleverBarrosdaSilvaVitoriano.pdf: 21021788 bytes, checksum: c586bf988dff4c406ba854a363eebb56 (MD5) / Approved for entry into archive by Guimaraes Jacqueline(jacqueline.guimaraes@bce.unb.br) on 2013-03-06T10:29:47Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2012_HelcicleverBarrosdaSilvaVitoriano.pdf: 21021788 bytes, checksum: c586bf988dff4c406ba854a363eebb56 (MD5) / Made available in DSpace on 2013-03-06T10:29:47Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2012_HelcicleverBarrosdaSilvaVitoriano.pdf: 21021788 bytes, checksum: c586bf988dff4c406ba854a363eebb56 (MD5) / Esta dissertação objetiva discutir e analisar as imagens e as referências especulares e infernais contidas nas peças Navalha na carne (1967), de Plínio Marcos de Barros e Entre quatro paredes (1944), de Jean-Paul Sartre conjuntamente às obras fílmicas homônimas a estes textos teatrais, respectivamente, Navalha na carne (1969), do diretor brasileiro Braz Chediak, e Huis Clos (1954), da diretora francesa Jacqueline Audry. Observou-se que o corpus em análise traz vários pontos de vista sobre a natureza e função dos espelhos na literatura moderna, bem como na mesma direção, o inferno dantesco foi redesenhado pelos dramaturgos contemporâneos Plínio Marcos e Jean-Paul Sartre. As obras fílmicas oriundas dos textos-fontes expressam estas categorias analíticas, ora recuperando as ideias dos escritores, ora inovando as temáticas sob o jugo da linguagem cinematográfica e das concepções dos cineastas Jacqueline Audry e Braz Chediak. Do ponto de vista teórico, serviram a este trabalho, variadas expressões críticas, tais como a semiótica, especialmente a peirceana, além de Bakhtin com seus conceitos de carnavalização e dialogia e as inevitáveis incursões sobre a seara da alteridade. Algumas concepções filosóficas de Sartre foram estudadas por serem necessárias para elucidar e melhor compreender seu teatro, especialmente os fundamentos do pensamento existencialista de orientação ateia. No que se refere a Plínio Marcos, processou-se um escrutínio dos seus maiores críticos à luz das intenções da presente dissertação, especialmente sobre sua estética naturalista. Ficou evidente no decorrer da investigação que a condensação da ação e sua aparente simplicidade, características do texto teatral contemporâneo, escondem um universo polissêmico colossal. Ademais, a quantidade reduzida de personagens reclusos em ambientes claustrofóbicos, marca das duas peças estudadas, redefinem nossas concepções de inferno e de relações interpessoais, além de restar agônica nossa percepção do cotidiano, do qual o espelho é objeto indispensável. Na mesma orientação, os textos-fonte de Sartre e Plínio Marcos são oriundos de dois contextos sociais de alta turbulência: a segunda Grande Guerra e a Ditadura Militar brasileira, sendo que estas peças teatrais acabam “espelhando” ou pelo menos desembocando num novo paradigma estético da Odisseia infernal jamais antes imaginado. No âmbito da constituição dos personagens, há notória semelhança entre os textos estudados, a começar pela quantidade de personagens, pela utilização do espaço em confinamento, por uma correspondência em termos de perfil psicológico: Garcin ⇔ Neusa Sueli (fracos e dominados), Estelle ⇔ Veludo (dissimulados e orgulhosos), Inês ⇔ Vado (arrogantes e controladores), sendo que estes binarismos são permutáveis entre si, a depender do olhar do analista. Além disso, observamos que do ponto de vista da interação entre os personagens de ambas as peças, esses carregam grande semelhança em termos constitutivos, pois as “alianças” e “conchavos” entre eles se dão na mesma intensidade que dos rompimentos com intuito de destruir os outros, de se sobrepor: Estelle finge interesse por Garcin para castigar Inês, da mesma maneira que Veludo e Neusa Sueli se aproximam e se distanciam de Vado ao sabor de suas intenções pessoais e mesquinhas ou para autodefesa. Ao cabo percebemos que as máximas sartrianas “o inferno são os outros” e “a existência precede a essência” são acerbamente experimentadas por todos os personagens analisados, assim como pelos dramaturgos em suas trajetórias artísticas e intelectuais. _______________________________________________________________________________________ RÉSUMÉ / Cette memoire de maîtrise vise à discuter et analyser les images et les références spéculer et infernal contenues dans les pièces Navalha na carne (1967), Plinio Marcos de Barros et Huis Clos (1944), Jean-Paul Sartre à travailler conjointement à ces textes théâtrales avec les films homonymes, respectivement de A Navalha na carne (1969) du réalisateur Braz Chediak et Huis Clos (1954) de Jacqueline Audry, la réalisatrice française. On a observé que l'analyse de corpus a plusieurs points de vue sur la nature et la fonction des miroirs dans la littérature moderne, ainsi que dans la même direction, l’enfer dantèsque a été redessiné par les auteurs contemporains Marcos Plinio et Jean-Paul Sartre. Le travail des textes filmiques en provenance de sources exprimant ces catégories analytiques désormais récupérer les idées des écrivains, parfois d'innover les questions sous le joug du langage cinématographique et les concepts des cinéastes Braz Chediak et Jacqueline Audry. Du point de vue théorique, ce travail s’a servi de variée critiques expressions, telles que la sémiotique de Peirce et avec ses concepts de la carnavalisation et le dialogisme de Bakhtine et les raids inévitable sur la récolte de l'altérité. Certaines des idées philosophiques de Sartre ont été étudiés parce qu'ils sont nécessaires pour élucider et mieux comprendre son théâtre. En ce qui concerne Plinio Marcos, a poursuivi à un examen minutieux de ses plus grands critiques, à la lumière des intentions de cette thèse du maîtrise, en particulier sur son esthétique naturaliste. Il est devenu évident au cours de l'enquête que la condensation de l'action et de son apparente simplicité, caractéristique de texte de théâtre contemporain, cacher un polysémique univers colossal. Par ailleurs, la quantité réduite de détenus des personnages dans des environnements oppressants, caractéristique du deux pièces étudiées, Il forme nos concepts de l'enfer et les relations interpersonnelles, ainsi que notre perception quotidienne reste angoissante, dont le miroir est un objet indispensable. Dans le même sens, les textes sources de Sartre et de Plinio Marcos sont de deux contextes sociaux de haute turbulence: la Seconde Guerre mondiale et la dictature militaire brésilienne, et ces jeux de fin " être en train de miroir" ou tout au moins de se retrouver dans un nouveau paradigme esthétique de Odyssey infernal jamais imaginé. Conformément à la constitution des personnages, il ya des similitudes frappantes entre les textes étudiés, à commencer par le nombre de caractères, l'utilisation de l'espace en isolement pour un match en termes de profil psychologique: Garcin ⇔ Neusa Sueli (faible et dominé), Estelle ⇔ Veludo (déguisée et fier), Inês ⇔ Vado (arrogants et dominateurs), et ces binaires sont interchangeables, selon le regard de l'analyste. En outre, nous notons que le point de vue de l'interaction entre les personnages dans les deux pièces de théâtre, ceux-ci portent une grande similarité en termes d'incorporation, puisque les «alliances» et «collusion» entre eux donnent la même intensité de perturbations dans l'intention de détruire d'autres, se chevauchent: l’Intérêt d’Estelle par Garcin est seulement pour punir Inês, tout comme Veludo et Neusa Sueli approche et de s'éloigner de Vado à la saveur de leurs intentions personnelles et mesquines ou d'auto-défense. A la fin, nous voyons que les postulats sartriens «l'enfer, c'est les autres» et «l'existence précède l'essence» sont amèrement vécue par tous les caractères analysés, ainsi que par les dramaturges dans leurs trajectoires artistiques et intellectuelles.

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Instituto de Letras, Departamento de Teoria Literária e Literaturas, 2006. / Submitted by Jaqueline Ferreira de Souza (jaquefs.braz@gmail.com) on 2010-05-12T13:24:35Z No. of bitstreams: 1 Joselia da Silva Almeida.pdf: 1487592 bytes, checksum: e3546c46bd74cee88283cfd4511a9751 (MD5) / Approved for entry into archive by Carolina Campos(carolinacamposmaia@gmail.com) on 2010-05-13T14:07:40Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Joselia da Silva Almeida.pdf: 1487592 bytes, checksum: e3546c46bd74cee88283cfd4511a9751 (MD5) / Made available in DSpace on 2010-05-13T14:07:40Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Joselia da Silva Almeida.pdf: 1487592 bytes, checksum: e3546c46bd74cee88283cfd4511a9751 (MD5) Previous issue date: 2006 / Este trabalho visa a contribuir para o campo de pesquisa que engloba a estética trágica e a política, apresentando, portanto, um caráter interdisciplinar. Seu objetivo é mostrar que há relação entre o fenômeno do trágico e a política, na tragédia. Para tanto, utilizam-se quatro tragédias de expoentes da poesia trágica e mostram-se evidências que comprovam a relação entre o fator política e a estrutura do trágico. Dividido em duas partes, o estudo começa por tratar o conceito de trágico, comentando textos de alguns filosófos e estetas, como Schelling, Hegel, Nietzche, Schopenhauer. Com relação ao trágico, considera-se, ainda, autores como Emil Staiger, Gerd Bornheim e outros. As diversas definições são analisadas visando a um conceito geral do trágico. Em seguida, trata-se a dimensão política, abordando-se a questão do poder como uma estrutura despótica internalizada pelo homem a partir de sua própria constituição psíquica. São apresentadas diferentes formulações do poder, segundo Freud, Marx, Clausewitz e Maquiavel. Cada qual em seu domínio específico: teoria do inconsciente, teoria histórica, teoria da guerra e teoria de Estado. Na segunda parte do trabalho, analisam-se quatro tragédias que representam duas grandes épocas da poesia trágica: antigüidade clássica e modernidade. São analisadas Édipo- Rei, de Sófocles; Ricardo II e Ricardo III de Shakespeare, e, A morte de Danton, de Büchner. As tragédias estudadas caracterizam-se pela presença do fenômeno do trágico, apontando, por meio da bipolaridade entre elementos antagônicos, a aparência da realidade específica de seus personagens. Dessas análises, verifica-se o fenômeno do trágico denunciando a verdade ou falsidade do campo da aparência, que é o da política. Conclui-se que a política é a própria aparência que o trágico denuncia, aquele campo de aparência em que o submetimento ao poder se encontra encoberto. Daí a relação do fenômeno do trágico com a política. __________________________________________________________________________________________ ABSTRACT / This works purpose is to collaborate with the field of research that involves tragical aesthetics and politics, having, thus, an interdisciplinary character. Its objective is to reveal the relationship between the tragical phenomenon and politics tragedy. To achieve its purpose, four tragedies of the tragical poetrys great authors are used and proofs of the connection between the political factor and the tragedys structure are presented. Divided in two parts, the study begins with the analysis of the concept of tragical, reviewing texts of some philosophers and aesthetes, like Schelling, Hegel, Nietzsche, Schopenhauer. Concerning tragedy, Emil Staiger, Gerd Bornheim and other authors are considered. The various definitions are analyzed aiming a general concept of what is tragical. Then, the side of politics is discussed, treating power as a despotic structure internalized by man through its own psychological nature. Distinct formulations of power are exhibited, according to Freud, Marx, Clausewitz and Machiavelli. Each one works in its specific domain: psychoanalytic theory, historical theory, war theory and Estate theory. In the second part of the work, four tragedies that represent two great periods of tragical poetry, classical antiquity and modernity, are analyzed: Sófocles Oedipus the King, Shakespeares Richard II and Richard III and Büchners Dantons Death. The referred tragedies are characterized by the presence of the tragical phenomenon, showing, with bipolarity between conflicting elements, the appearance of their characters specific reality. From this analysis, the tragical phenomenon reveals the truth or non-truth of the respective field of appearance that is the politics. One can conclude that politics itself is the appearance that tragedy denounces, the field of appearance in which submission to power lies sealed. That is the connection between the tragical phenomenon and the politics.

Submitted by Ricardo Carrasco (ricardogc84@uepb.edu.br) on 2016-12-22T13:05:36Z No. of bitstreams: 1 PDF - Duílio Pereira da Cunha Lima.pdf: 33436082 bytes, checksum: 789e159f41d292791edcbfc2dd62cded (MD5) / Approved for entry into archive by Irenilda Medeiros (nildamedeiros@uepb.edu.br) on 2016-12-22T14:13:55Z (GMT) No. of bitstreams: 1 PDF - Duílio Pereira da Cunha Lima.pdf: 33436082 bytes, checksum: 789e159f41d292791edcbfc2dd62cded (MD5) / Made available in DSpace on 2016-12-22T14:13:55Z (GMT). No. of bitstreams: 1 PDF - Duílio Pereira da Cunha Lima.pdf: 33436082 bytes, checksum: 789e159f41d292791edcbfc2dd62cded (MD5) Previous issue date: 2016-10-27 / It is a study of the theater practice in the city of João Pessoa, Paraíba, in the last quarter of the twentieth century (1975-2000), through the analysis of journalistic documents, seeking to recognize and interpret the local trends and conceptions about theater practice and performance, involved in a set of thoughts about the relationship established between the dramaturgical text and scene. A panoramic sight of that production is carried out by a broad understanding of the concept of dramaturgy, not restricted to the dramaturgical text only, and also trough a sense of modern and contemporary theater, first of all, as an experience of staging. The historical narratives built on this paper are also based on a cartography in which the field research results are shown, involving a newspaper survey concerning plays produced in João Pessoa in the period scrutinized. The tradition of a staging in the city of João Pessoa, with its own characteristics, is formed next to another, the one that brings a regional theater with a popular feature, which can also be read as a predominant trend in the time frame analyzed, when it highlights the significant number of playwrights staging their own texts, as well as a strong presence of different literary texts on stage, far beyond dramaturgy. Finally, we conjecture about the deepening of specific issues related to the relationship between the dramaturgical text and staging, from the analysis of a set of five spectacles by Fernando Teixeira, understood as a „stage director-synthesis‟ of this period (1975-2000), reflecting on the theatrical production so called, on this study, “Tabajara scene”. / Trata-se de um estudo sobre o processo de formação da Encenação na cidade de João Pessoa, Paraíba, no último quartel do século XX (1975-2000), mediante a análise de documentos jornalísticos, procurando reconhecer e interpretar as diversas tendências e concepções de teatro, envolvidas em um conjunto de pensamentos em torno das relações estabelecidas entre o texto dramatúrgico e a cena. Uma visada panorâmica dessa produção é realizada a partir de uma compreensão alargada do conceito de dramaturgia, não restrita apenas ao texto dramatúrgico, e de uma noção de teatro moderno e contemporâneo, antes de tudo, como uma vivência da encenação. As narrativas históricas construídas neste trabalho também estão baseadas numa cartografia na qual se apresentam os resultados da pesquisa de campo, envolvendo um levantamento de notícias de jornais relativas aos espetáculos teatrais produzidos na capital paraibana no período estudado. A tradição de uma Encenação pessoense, com características próprias, se forma ao lado de outra, a de um teatro regional de feição popular, que também pode ser lida como uma tendência predominante na época recortada, quando se destaca o significativo número de dramaturgos que encenam seus próprios textos, além de uma forte presença de textos/encenações adaptados de gêneros para além da dramaturgia. Por fim, vislumbra-se o aprofundamento das questões específicas ligadas à relação entre o texto dramatúrgico e a encenação, a partir da análise de um conjunto de cinco espetáculos montados por Fernando Teixeira, compreendido como um encenadorsíntese desse tempo-espaço recortado e analisado, refletindo-se sobre a produção teatral denominada, neste trabalho, de Cena Tabajara.

Orientador : Maria Clementina Pereira Cunha / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-03T13:42:29Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Mencarelli_FernandoAntonio_D.pdf: 18883056 bytes, checksum: e15e49ddd6a2d2b1dcd02681397b630f (MD5) Previous issue date: 2003 / Resumo: o teatro musical foi um dos primeiros momentos de formação de uma ampla e diversificada rede de produtos culturais voltados para a crescente população urbana das grandes cidades do século 19. Tornou-se um negócio lucrativo e em expansão a partir da década de 70 do século 19 no Rio de Janeiro, como exemplificam as trajetórias de alguns dos principais empresários teatrais do período e a abertura de inúmeras companhias que tinham a opereta, a mágica e a revista de ano como seus principais produtos. Voltada para o público heterogêneo das concentrações urbanas, essa nova empresa teatral desconsiderava o teatro edificante e investia na espetacularidade cênica, reunindo na produção de suas peças uma grande diversidade de sujeitos e práticas constitutivas do cenário culturaL Os artistas e profissionais envolvidos tornaram essa nova "indústria" do teatro musical um campo de diálogos e confrontos culturais, propulsor de sua popularidade. A diversidade da música popular que emergiu ou se associou a esse teatro musical encontrou distintos espaços e estratégias para sua difusão, contribuindo, principalmente através da canção popular, para a formatação de um circuito de diversão urbana massificada / Abstract: The musical comedy was one of the first forrnation moments of a vast and varied net of cultural products towards a growing urban population of the big cities of the 19th century. It became a profitable and growing business from the 70's of the 19th century in Rio de Janeiro as show the career of some of the most important impresarios of that time and the opening of several companies that had the operetta, the magic and the annual revue as their main products. Directed to a heterogeneous public of the urban masses, this new theatrical business did not take into consideration the edifying theatre and invested in the spectacularity, joining to the production of its shows a great diversity of characters and practices that made part ofthe cultural 'scenario' ofthat time. The artists and professionals involved in it made this new musical comedy 'industry' a field of cultural dialogues and confrontations, a propeller of its popularity. The diversity of popular songs that appeared or associated with this comedy theatre found different spots and strategies for its spreading, contributing, mainly through popular songs, to the setting of a mass produced entertainment circuit / Doutorado / Doutor em História