Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão. Programa de Pós-Graduação em Estudos da Tradução / Made available in DSpace on 2012-10-26T01:29:21Z (GMT). No. of bitstreams: 1 301937.pdf: 1043657 bytes, checksum: 363de4e1db7d2ff105a7abb2ca350a98 (MD5) / Esta dissertação consiste na análise de duas traduções da obra Les Femmes Savantes (2003), de Molière (1622-1673), para o português do Brasil: As Sabichonas (2005), tradução de Jenny Klabin Segall, e As Eruditas (2008), tradução de Millôr Fernandes. Visando a performance no palco, muitos tradutores de texto dramático produzem uma tradução próxima à cultura alvo no intuito de tornar a peça acessível para o público. A encenação tem servido de justificativa para a prática da tradução que restringe detalhes estilísticos fundamentais da obra, limitando-se a transpor apenas o sentido geral da mesma. Tendo em vista esta problemática em torno da tradução de texto dramático, esta análise terá como fio condutor buscar em que medida as traduções analisadas reproduzem os artifícios estilísticos dos quais Molière lança mão para compor Les Femmes Savantes. Pretende-se, com a análise, compreender como a obra chega até o leitor brasileiro e discutir as escolhas e soluções encontradas pelos tradutores. A análise terá como apoio um estudo sobre o autor e a obra e será embasada nos estudos concernentes à tradução de texto dramático de Patrice Pavis (2008) e Susan Bassnett (1991, 2005) e no estudo elaborado por Gabriel Conesa (1992), sobre os traços estilísticos da dramaturgia de Molière. / This dissertation consists in analyzing two translations of the play Les Femmes Savantes (2003), by Molière (1622-1673), to Brazilian Portuguese: As Sabichonas (2005), translated by Jenny Klabin Segall, and As Eruditas (2008), translated by Millôr Fernandes. By aiming at the performance on stage, many translators of dramatic texts produce a translation close to the aimed culture with the purpose of making the play more accessible to the public. The production has served as a justification for the practice of translation that restricts fundamental stylistic details of the play, limiting itself to only transpose its general meaning. By having this problem around the translation of dramatic text in view, this analysis will focus on searching in which proportion the analyzed translations reproduce the stylistic art of which Molière resorts to composing Les Femmes Savantes. With this analysis, it is intended to understand how the play reaches the Brazilian reader as well as discuss the choices and solutions found by the translators. The analysis will have the support of a study about the author and the play and will be based on the studies relative to the dramatic text translation of Patrice Pavis (2008) and Susan Bassnett (1991, 2005) and on the study elaborated by Gabriel Conesa (1992), about the stylistic features of Molière#s playwriting.

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão, Programa de Pós-Graduação em Estudos da Tradução, Florianópolis, 2015. / Made available in DSpace on 2015-09-29T04:07:48Z (GMT). No. of bitstreams: 1 334764.pdf: 3470881 bytes, checksum: cc3f39db9f374b4664719c4ea5c4dbc8 (MD5) Previous issue date: 2015 / Este trabalho apresenta a tradução, do francês ao português brasileiro, do único texto teatral escrito por Erik Satie, Le Piège de Méduse (1913). Em todas as áreas em que atuou - música, teatro e literatura -, sua arte exibe características como: ironia, despreocupação, repetição, nonsense, jogos de palavras. Esses atributos são tratados aqui como ?armadilhas?, conceito chave de leitura para a peça A Armadilha de Medusa, título desta tradução. Como artifício para enganar, iludir e confundir o leitor, as armadilhas do texto de Satie se tornam potência de leituras múltiplas. O tradutor é um desses leitores, que deve ser capaz de jogar com o texto e cair em suas ciladas, para poder traduzir propondo suas próprias armadilhas.<br> / Abstract : This work presents the translation, from French into Brazilian Portuguese, of the single theatrical text written by Erik Satie, Le Piège de Méduse (1913). In every field in which he has worked - music, theater and literature -, his art displays characteristics such as: irony, unconcern, repetition, nonsense, game of words. These attributes are treated here as ?traps?, key concept for reading the play A Armadilha de Medusa, title of this translation. As an artifice to delude, deceive and confuse the reader, the traps from Satie?s text become power for multiple readings. The translator is one of these readers who must be able to play with the text and fall into its traps in order to translate by proposing their own traps.

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão, Programa de Pós-Graduação em Literatura, Florianópolis, 2015. / Made available in DSpace on 2015-10-13T04:07:24Z (GMT). No. of bitstreams: 1 335079.pdf: 2801587 bytes, checksum: fb8a19a9a6b06d331ddb6399a230c69d (MD5) Previous issue date: 2015 / Proponho neste trabalho o estudo do espetáculo Estremeço, desenvolvido pela Cia. Stravaganza de Porto Alegre/RS, a partir do texto homônimo do dramaturgo francês Jöel Pommerat, tendo como eixos principais o texto dramático, a encenação e o processo criativo que culminou na montagem em questão. Para a referida análise utilizo como base as entrevistas realizadas com os principais envolvidos pela montagem do espetáculo, entre eles os atores e a equipe de direção, o pensamento do sociólogo David Riesman e a Teoria Crítica acerca da modernidade, principalmente calcada nos estudos de Walter Benjamin, Guy Debord e pesquisadores contemporâneos que desenvolvem as ideias destes pensadores nos dias de hoje.<br> / Abstract : In this work I propose the study of the show Estremeço, developed by Cia. Stravaganza of Porto Alegre / RS, based on the homonymous play of the French playwright Jöel Pommerat, being the main lines the play itself, the staging and the creative process that culminated in the show. To accomplish such analysis, I use as base the interviews with the show?s key participants, including actors and direction staff, the sociological work of David Riesman and the Critical Theory about modernity, mainly the studies of Walter Benjamin, Guy Debord and contemporary researchers that develop their ideas today.

Thèse--Universidade de São Paulo, 1955. / Bibliography: p. [191]-195.

Orientador(a): Wagner Francisco Araujo Cintra / Banca: Agnaldo Valente Germano da Silva / Banca: Dalmir Rogério Pereira / Banca: Mario Ferreira Piragibe / Banca: Vinicius Torres Machado / Resumo: A presente pesquisa se estrutura por dois eixos principais. O primeiro se orienta pela análise dos processos de transformações das dramaturgias da Companhia Philippe Genty, especialmente a partir da década de 1980. Esse momento foi marcado por mudanças nos processos criativos do grupo, desencadeadas com a inserção do humano na cena como parceiro de jogo do inanimado; com a investigação do corpo, do movimento e de suportes expressivos como o papel e o plástico; com a ressignificação artística de ideias psicanalíticas, possibilitando à Genty desenvolver dramaturgias fincadas na memória, no sonho e nas suas experiências de vida; além do desenvolvimento de novas técnicas cênicas e de novas relações de Philippe Genty e Mary Underwood com as suas criações. O segundo eixo se norteia pelas mudanças acarretadas, a partir de então, na poética da Companhia, que passou a se orientar, cada vez mais, pelos jogos de ilusões capazes de tornar visivelmente possíveis situações insólitas, e pelas dicotomias que nascem do encontro entre o humano e o inumano. O teatro gentyniano desenvolveu-se na direção de um teatro de constantes metamorfoses visuais, que desafia as convenções espaciais, gravitacionais e volumétricas e que amiudadamente coloca o espectador diante de encadeamentos de imagens incomuns e impossíveis / Resume: La présente recherche est structurée en deux axes principaux. Le premier s'oriente sur l'analyse des processus de transformations des dramaturgies de la Compagnie Philippe Genty, particulièrement à partir de la décennie de 1980. Ce moment a été marqué par des changements dans les processus créatifs du groupe, déclenchés par l'insertion de l'humain dans la scène en tant que partenaire de jeu de l'inanimé; avec l'étude du corps, du mouvement et des supports expressifs tels que le papier et le plastique; avec la re-signification artistique des idées psychanalytiques, permettant à Genty de développer des dramaturgies ancrées sur la mémoire, sur le rêve et dans leurs expériences de vie; ainsi que le développement de nouvelles techniques scéniques et de nouvelles relations entre Philippe Genty et Mary Underwood et leurs créations. Le deuxième axe est guidé par les changements apportés, de partir de là, à la poétique de la Compagnie, qui s'est de plus en plus orientée vers les jeux d'illusions capables de rendre visible ment possibles des situations inhabituelles, et par les dichotomies qui naissent de la rencontre entre l'humain et l'inhumain. Le théâtre gentynien a muté vers un théâtre de métamorphoses visuelles constantes, qui défie les conventions spatiales, gravitati onnelles et volumétriques et qui place largement le spectateur devant des fils d'images inhabituelles et impossibles / Doutor