Tesis

Los diferentes medios de comunicación que nos rodean moldean y modifican nuestras relaciones sociales. Nos encontramos en una era en la que la comunicación más habitual sucede a través de pantallas. Es allí donde encontramos a lo audiovisual como principal método de comunicación. El teatro, al ser permeable a la sociedad en la que se desarrolla, no podía ser ajeno a sufrir un proceso de mediatización. Por lo cual es importante encontrar cómo es que las artes escénicas llegan a mediatizarse y también entender cómo la mediatización influye en aspectos de las artes escénicas como son: el tiempo, el espacio, el cuerpo y su carácter de arte vivo e irreproducible. El montaje Macbet de Vanessa Vizcarra es un claro ejemplo de un teatro mediatizado a través del uso del video

Este trabajo expone la problemática del teatro musical transnacional en oposición a las producciones nacionales originales de teatro musical en el Perú. Todo esto con el fin de generar una reflexión sobre nuestra industria y la influencia de las productoras de teatro en gran formato en el crecimiento de la misma. Se evalúan diversas ventajas y desventajas para la creciente industria teatral a partir de la diferenciación entre “teatro transnacional” y producciones originales locales. Así mismo se exploran términos como "glocalización","McTheatre" y "cultura activa" tomando ejemplos de nuestro contexto, con el objetivo de relacionarlo a la responsabilidad ética de las productoras al apostar por obras de teatro musical nacional, por sobre otras propuestas transnacionales. Entre otras cosas, se concluye en que ninguna alternativa es intrínsecamente mejor que la otra, ya que finalmente toda producción teatral se relaciona con su contexto y ayuda al crecimiento, desarrollo y expansión del teatro musical en nuestro país, muy a pesar de lo que cada individuo puede considerar como un producto “valioso” para su cultura o no. / The following paper exposes the problems of transnational musical theatre in opposition to the original national productions of musical theatre in Peru. All this in order to generate a reflection on our industry and the influence of big format theatre producers on this industry’s growth. Various advantages and disadvantages for the growing of theatre industry are evaluated based on the differentiation between "transnational theatre" and original local productions. Likewise, terms such as "glocalization", "McTheatre" and "active culture" are explored, taking examples from our context, with the aim of relating them to the ethical responsibility of the producers when it comes to betting on national musical theatre plays, over other transnational musicals. Among other things, it is concluded that neither alternative is intrinsically better than the other, since finally all theatrical production are related to its context and help the growth, development and expansion of musical theatre in our country, in despite of what each individual may or may not consider as a "valuable" product for their culture.

William Shakespeare es, sin lugar a dudas, uno de los dramaturgos más brillantes y más representados del teatro universal. Su obra es ampliamente reconocida y considerada en la literatura y las artes escénicas por la riqueza temática que guarda y las múltiples posibilidades interpretativas que alberga, según el punto de vista de cada director. El reto de montar un Shakespeare no es sencillo, pues hay que combatir cierta resistencia del público hacia los llamados autores clásicos. El hecho de pretender acercar a Shakespeare al espectador de hoy conlleva siempre riesgos. Muchas veces se pretende actualizar a Shakespeare empleando recursos escénicos modernos, como vestuario, escenografia, modismos al hablar, etcétera. Pero sólo se consigue una modernización artificial que no cumple con la misión de revelar la verdadera esencia de la obra. La pieza, entonces, se puede convertir en el mejor de los casos, en una buena crónica moderna pero su temática pasará desapercibida, descontextualizada. Ante el problema de la modernización superficial, surge la invitación a realizar el montaje shakespeareano bajo la perspectiva de una verdadera contemporaneidad, la cual buscará compenetrar la temática de la obra con el contexto social del público. La coincidencia se vuelve un resultado feliz cuando el público encuentra en escena una problemática en la cual se reconoce y se identifica. / Tesis

Esta investigación desde las artes busca aportar a la escena teatral peruana el conocimiento y análisis del gig-theatre como género que reivindica el fenómeno auditivo y su rol fundamental en el hecho teatral. Es una oportunidad para explorar nuevos lenguajes que nos acerquen a otras maneras de comunicarnos con el espectador. Asimismo, el modelo de Practice as Research ofrece una plataforma para que las investigaciones en artes escénicas puedan acercarse al público no académico y tener un valor artístico en sí mismas. A partir de la creación del espectáculo de gig-theatre “Prisión Euforia” y la búsqueda de una metodología de trabajo durante el mismo proceso creativo, esta tesis reflexiona acerca del uso de los objetos sonoros como punto de partida para la creación. El relato de la investigación permite seguir de cerca el proceso creativo para entender la manera en que se dieron hallazgos como la relación de los cuerpos de los performers con la música como un generador de conflicto desde su propia materialidad y la importancia del gig-theatre como un espectáculo posdramático observable desde la propuesta que otorga al expectador de vivir una experiencia enfocada en los estímulos sensoriales en un acontecimiento que los recibe en toda su materialidad, tal cual le son presentados.

En el presente trabajo de investigación, analizo la crisis familiar y la búsqueda del padre perfecto en la obra El sistema solar de Mariana de Althaus. A lo largo de la tesis, propongo que esta crisis familiar se origina a partir del desencanto de la figura paterna, por lo que mi objetivo principal es analizarla tomando en cuenta la presencia de las tres figuras paternas que aparecen en la obra. Así, surge el cuestionamiento sobre la función del padre en la familia, y está presente el anhelo de encontrar a la figura paterna perfecta por parte de los personajes. De esta manera, la crisis familiar generada por el desencanto del padre, refleja la búsqueda de aquella figura paterna; por lo que, además, el querer tenerla vigente permite que haya un intento por mantener la unión familiar. Asimismo, como parte de la tesis, incluyo un análisis de la puesta en escena de la obra que está unido al análisis del texto debido a que tomo como punto de partida la representación escénica de la crisis familiar, y la forma en la que el público establece una conexión con el drama familiar representado. Para ello, tomo en cuenta la organización de los espectadores en el espacio, y la forma en la que se presentan los signos teatrales (el cuerpo de los actores, el vestuario, la iluminación, los objetos y la música). En resumen, los personajes, en la búsqueda del padre perfecto, tienen una necesidad de mantener vigente al padre para sanar los vínculos familiares.

En esta investigación analizo dos propuestas de teatro testimonial: Proyecto 1980-2000. El tiempo que heredé, de Sebastián Rubio y Claudia Tangoa y Pájaros en llamas, de Mariana de Althaus. El objetivo es analizar cómo, mediante mecanismos dramatúrgicos relacionados con la temporalidad, la fragmentación, la retrospección y el empleo de perspectivas múltiples, los performers/testimoniantes logran construir una identidad a posteriori de la socialización y puesta en escena del drama; en ese sentido, realizamos un análisis que conjuga dos dimensiones del teatro: la puesta en escena y el texto escrito. Los estudios sobre el drama moderno de Sarrazac son la base teórica para la identificación de mecanismos dramatúrgicos que se emplean para la puesta en drama y puesta en escena del testimonio. Asimismo, para el análisis sobre la construcción identitaria, la perspectiva de Bauman sobre la identidad resulta elocuente en tanto la considera como un constructo en constante cambio y que se reinventa constantemente. Consideramos, también, la relevancia de la palabra en tanto posee el poder de insertar en el universo significante la experiencia que se pone en drama / en escena y que permite la construcción de un sujeto con una identidad que no tenía antes del trabajo para la obra testimonial. De esta forma identificamos, a partir del análisis de estas dos propuestas, que el teatro testimonial apertura un espacio en el que los sujetos, a partir de la indagación en los recuerdos, construyen una identidad anclada en el proceso mismo de revisión de la memoria.

Aldo Miyashiro, autor peruano nacido en 1976, es más conocido por sus participaciones en la televisión como conductor, guionista o actor; pero su primer acercamiento a las artes espectaculares la hizo desde la producción dramática. Como dramaturgo tiene en su haber nueve piezas escritas entre el 2001 y el 2006. Función velorio es su primera obra y ganadora del Premio Nacional de Dramaturgia. Además, es autor de Los hijos de los perros no tienen padre, Parias y Un misterio, una pasión, entre otras. Esta última, escrita en el 2003, tiene un lugar importante en su producción; por un lado, por su gran difusión y el éxito entre los lectores; por otro, porque el autor ha logrado plasmar en ella un universo con el que se siente conectado: el fútbol y las barras. Si bien Miyashiro siguió estudios de literatura, periodismo y actuación, de muy joven él tuvo el deseo de ser futbolista. Rápidamente se dio cuenta de que ese no sería su futuro, pero no por ello dejó de ser un ferviente hincha. Un misterio, una pasión (UM,UP) se vuelve la excusa perfecta para plasmar una parte del imaginario que caracteriza a su equipo Universitario de Deportes: la historia del líder de la Trinchera Norte, Misterio. En esta pieza él logra mezclar la realidad con la ficción y llevarle al público su propia versión de los hechos. Es justamente en eso donde recae el éxito que tuvo la publicación de la obra, ya que Miyashiro logró que los hinchas se hicieran lectores de teatro, e hizo que esta obra se volviera icónica dentro de su producción.

William Shakespeare es, sin lugar a dudas, uno de los dramaturgos más brillantes y más representados del teatro universal. Su obra es ampliamente reconocida y considerada en la literatura y las artes escénicas por la riqueza temática que guarda y las múltiples posibilidades interpretativas que alberga, según el punto de vista de cada director. El reto de montar un Shakespeare no es sencillo, pues hay que combatir cierta resistencia del público hacia los llamados autores clásicos. El hecho de pretender acercar a Shakespeare al espectador de hoy conlleva siempre riesgos. Muchas veces se pretende actualizar a Shakespeare empleando recursos escénicos modernos, como vestuario, escenografia, modismos al hablar, etcétera. Pero sólo se consigue una modernización artificial que no cumple con la misión de revelar la verdadera esencia de la obra. La pieza, entonces, se puede convertir en el mejor de los casos, en una buena crónica moderna pero su temática pasará desapercibida, descontextualizada. Ante el problema de la modernización superficial, surge la invitación a realizar el montaje shakespeareano bajo la perspectiva de una verdadera contemporaneidad, la cual buscará compenetrar la temática de la obra con el contexto social del público. La coincidencia se vuelve un resultado feliz cuando el público encuentra en escena una problemática en la cual se reconoce y se identifica.

La teoría del drama contemporáneo, desarrollado por autores como Jean-Pierre Sarrazac y Carles Batlle, pone a disposición de la investigación teatral herramientas de análisis que permiten lecturas alternativas acerca de textos teatrales peruanos de las últimas dos décadas. Tal es el caso de Los número seis de Gino Luque Bedregal, en el cual se pueden identificar mecanismos dramáticos contemporáneos aplicados a la construcción del concepto de violencia objetiva. En ese sentido, la presente investigación plantea reconocer dichos mecanismos e identificar de qué manera construyen diferentes niveles de violencia según la conceptualización del filósofo esloveno Slavoj Zizek. Para ello se revisarán los conceptos de “sujeto rapsódico”, “fragmentación”, “repetición” y “repetición con variación” como articuladores del discurso del texto dramático. El análisis permitirá establecer, con mayor claridad, cómo es que el texto dramático relaciona el contenido temático y el eje formal de manera indivisible y coherente a lo que se puede identificar como “drama contemporáneo”. Finalmente, los mecanismos dramáticos exponen los sistemas de violencia objetiva a partir de la voluntad del sujeto rapsódico en relación con el texto. Ello genera cuestionamientos que sobrepasan el mundo representado, y permiten que dichas problematizaciones sean recibidas por en lector/espectador. La identificación de estos sistemas en su propia realidad da lugar a que el lector/espectador haga el ejercicio reflexivo de distanciarse de la violencia subjetiva visible y concreta, para concentrarse en los mecanismos sociales que generan la violencia simbólica y sistémica