Seminario de Investigación para optar al Grado Académico de Licenciado en Comunicación Social / Autor no autoriza el acceso a texto completo de su documento / La represión social y política ejercida en nuestro país durante casi dos décadas de régimen dictatorial y la consiguiente desarticulación de la sociedad, trajo consigo la transfiguración de prácticamente todos los ámbitos de la vida pública y privada. Actividades que antes se efectuaban con total naturalidad o que se dejaban de realizar porque no existía la urgencia para ello (como en el caso de la producción de textos o el libre acceso a la información), entonces requirieron de esfuerzos extraordinarios por parte de los individuos para ser llevadas a cabo. Precisamente, cuando el estado de cosas impide o dificulta este tipo de accionar tal cual se ha venido ejecutando, esto es con “normalidad”, entonces necesariamente los sujetos deben crear nuevos mecanismos para llevarlos a cabo. La eficiencia apabullante de la represión con que el régimen militar pudo imponer una política neoliberal librecambista y, sobre esa base, proceder a la refundación radical de la sociedad chilena, se cimentó sobre una violencia que instaló al miedo en el centro de la cotidianeidad. Proponemos que el exitoso manejo del terror por parte de la dictadura militar llevó a la total desarticulación de la sociedad y la sofocación de cada discurso opuesto al del oficialismo, en un autismo creativo y de producción -que algunos llamaron de “urgencia”- para comunicar aquello que estaba prohibido, a la manera de un monólogo. No concordamos, por lo tanto, con la tesis bastante manida que se refiere a un movimiento teatral surgido en el segundo lustro de los ’70, lo que implicaría una postura de consenso entre los teatristas nacionales opuesta al sistema político. Nos parece que la situación contextual, con todas las singularidades que tuvo la dictadura chilena, imposibilitó una mínima comunicación entre los grupos teatrales como para que estos lograran siquiera acuerdos en cuanto a principios éticos y estéticos. Por el contrario, en esos instantes se evidenciaban, más que nada, profundas discrepancias profesionales, que llevaron incluso a la escisión de importantes agrupaciones, como fue el caso del Ictus.

El teatro documental está fuertemente ligado a la investigación periodística, pues tiene como base de su creación testimonios y/o documentos reales. Este género se realiza de diferentes maneras: incluyendo actores que representan testimonios o a través de personas reales contando sus propias historias en escena. Del mismo modo, los recursos escénicos y documentales utilizados en el montaje también son variables según la naturaleza de cada obra. En el caso específico de esta investigación la obra analizada es Proyecto 1980/2000, el tiempo que heredé, la cual presenta el relato autobiográfico, entrelazado con la historia política del país, de cinco jóvenes que crecieron durante el periodo del conflicto armado interno en el Perú y que son familiares de personas que tuvieron un rol protagónico en los eventos políticos, de violencia y corrupción de la época. A partir de este caso, se busca responder de qué manera interactúan los elementos que están en juego en la creación de esta obra documental y cómo la interacción de estos determina el discurso del montaje. El interés por esta investigación, principalmente, se debe a que los estudios teatrales en torno a este tipo de teatro son escasos en nuestro país, por eso, considero necesario seguir reflexionando sobre este tipo de obras que buscan dialogar con problemáticas no resueltas o actuales en la sociedad. Entre los hallazgos más importantes se encuentran que los elementos documentales y escénicos utilizados en la obra apuntan a reconstruir el contexto histórico-social de esas dos décadas. Además, permiten transmitir un mensaje de reconciliación a través de metáforas y actos simbólicos. Finalmente, se puede afirmar que Proyecto 1980/2000, el tiempo que heredé demuestra que es posible sentarse a dialogar y reflexionar sobre un tema todavía sensible en nuestra sociedad. / Tesis

Infinity nace con el objetivo de que sus espectadores vivan una experiencia única y sin precedentes mediante la puesta en escena de espectáculos escénicos en la absoluta oscuridad. La propuesta artística se fundamenta en tres pilares, la oscuridad, que enmarca el espectáculo y fomenta al máximo la imaginación y concentración; la reinvención creativa, que garantiza una propuesta de entretenimiento fresca, innovadora y acorde a los requerimientos del público; y por último, la inclusión social y económica de personas invidentes como miembros de la organización. Para ello, Infinity propone dos alternativas, Misterios a la Carta y Narraciones a Oscuras. La primera presenta una historia ambientada en un bar acompañada de efectos especiales y bocadillos apropiados para el formato de oscuridad. La segunda, pone en escena una historia teatralizada potenciada por un gran número de efectos especiales. En un contexto de crecimiento económico sostenido, de aumento del poder adquisitivo, de crecimiento de las industrias culturales y de consolidación de un nuevo consumidor más globalizado e interesado en propuestas innovadoras, Infinity identifico una oportunidad para desarrollar una propuesta de entretenimiento escénico que reúna las características requeridas por el público objetivo. El modelo de negocio ideado por Infinity se sustenta en una investigación metodológica exhaustiva que permite validar la sostenibilidad y rentabilidad de la propuesta. Dicha investigación se dividió en dos fases: un viaje a Argentina para conocer diversos elementos fundamentales del teatro ciego; y, la validación y adaptación de la propuesta de negocio en nuestro país. A partir de ello, se determinó como público objetivo a personas de NSE A y B, entre los 18 y 35 años, residentes en Lima Moderna y con un alto nivel asistencia a espectáculos escénicos. De acuerdo a las proyecciones, Infinity requiere una inversión inicial de S/. 366,600, lo que, en un horizonte de evaluación de diez años alcanzará los siguientes indicadores financieros: VAN económico de S/. 538,459 y una TIR económica de 39%. Por todo lo antes mencionado se puede concluir que, Infinity, es una alternativa atractiva y beneficiosa para todos sus grupos de interés, lo que le permitirá posicionarse en el mercado como una alternativa de entretenimiento innovadora, inclusiva y rentable. / Tesis

Tesis para optar al grado de Licenciada en Historia / Demostrar y articular la relación entre la creación actoral y la dimensión ritual, de manera que pueda ésta introducirse en el debate en torno a la secularización de la sociedad ofreciendo nuevas perspectivas a la discusión.

Identifica y analiza los referentes de identidad cultural que se evidencian en la práctica teatral de los jóvenes que participan en los talleres de las asociaciones culturales Arena y Esteras, Casa Infantil Juvenil de Arte y Cultura (CIJAC) y La Comuna de Villa, en el distrito de Villa El Salvador. Para ello se realizó una investigación descriptiva de enfoque cualitativo, donde se recogió los testimonios de los fundadores de las asociaciones y los jóvenes que participan en los talleres que estas brindan. De igual forma, se aplicó la técnica de observación no participante y también se presenció las obras de teatro en las que participaban los jóvenes. Como resultados se presentan dichos referentes de identidad cultural, de los cuales destaca la fuerte conexión que han establecido las asociaciones culturales con su distrito, y que ha sido percibida e incorporada como propia por los jóvenes que participan en sus talleres. / Tesis

En el verano previo a iniciar mis estudios en la Facultad de Ciencias y Artes de la Comunicación, tuve la suerte de viajar a Pucallpa para participar del proyecto: “Teatro Intercultural Ucayali 2007” dirigido por Rodrigo Benza. Esta experiencia congregó a 11 jóvenes mestizos y shipibos1 de la ciudad de Pucallpa; y a 11 jóvenes de la ciudad de Lima, entre los que me encontraba yo. Durante un mes, participamos en el taller de artes plásticas dictado por Jorge Caparó, y en el taller de teatro dictado por Rodrigo; los que condujeron a la creación colectiva del montaje “¿Te vas?”, que fue presentado en distintos espacios de Pucallpa y Lima. Esta experiencia cambió mi vida, marcando un antes y un después, en mi forma de entenderme a mí misma, a los otros y al Perú. Me acerqué, de un modo más emocional, a aquellas categorías que estudiaría en las aulas en los años venideros: la pobreza, la exclusión, la discriminación, la multiculturalidad y la tan soñada interculturalidad. Pero descubrí también el teatro, y aunque aún no tenía las herramientas para entenderlo del todo, estaba convencida de que el proceso teatral vivido me impulsaba a ser una mejor persona y una mejor ciudadana. Sobre esa intuición, se erige la presente investigación como una apuesta por entender las posibilidades que el teatro, entendido como proceso comunicacional, ofrece al fortalecimiento de la condición ciudadana de actores y espectadores. Partiendo del estudio de caso de la creación colectiva P.A.T.R.I.A. de la Asociación Cultural Tránsito. / Tesis

Identifica y analiza los referentes de identidad cultural que se evidencian en la práctica teatral de los jóvenes que participan en los talleres de las asociaciones culturales Arena y Esteras, Casa Infantil Juvenil de Arte y Cultura (CIJAC) y La Comuna de Villa, en el distrito de Villa El Salvador. Para ello se realizó una investigación descriptiva de enfoque cualitativo, donde se recogió los testimonios de los fundadores de las asociaciones y los jóvenes que participan en los talleres que estas brindan. De igual forma, se aplicó la técnica de observación no participante y también se presenció las obras de teatro en las que participaban los jóvenes. Como resultados se presentan dichos referentes de identidad cultural, de los cuales destaca la fuerte conexión que han establecido las asociaciones culturales con su distrito, y que ha sido percibida e incorporada como propia por los jóvenes que participan en sus talleres. / Tesis

El presente documento es una investigación sobre los elementos de teatralidad de la capoeira regional expuestos como herramientas para la creación escénica del actor, dentro de la concepción de un proceso de creación colectiva. Una búsqueda a través de la indagación y experimentación de la capoeira regional, práctica cultural originaria en Brasil, en base a los conceptos de teatralidad, cuerpo y creación colectiva. Con la finalidad de elaborar una propuesta escénica constituida por ejercicios con base en la capoeira regional. Estos conceptos son los que delimitaran el encuentro de nuevas herramientas para la creación escénica. Así como el entendimiento de la capoeira regional como una práctica polisémica de la cultura brasileña que puede ser observada y vivida bajo la mirada del artista escénico. Parte fundamental de la investigación se sustenta en la elaboración de un laboratorio, el cual sirvió como espacio para la experimentación, la recolección de experiencias, y la elaboración de la propuesta escénica.

Esta investigación tiene como objetivo analizar de qué manera el grupo de teatro comunitario Waytay, Centro Cultural ha incidido en su contexto social a través de las artes escénicas desde los principios del buen vivir. A través de entrevistas realizadas a distintos miembros de las generaciones de Waytay, la revisión y el análisis de su archivo digital compuse la división de mi investigación en dos secciones. La primera sección contempla la sistematización de la trayectoria de Waytay. En esta presento las características y procesos que fueron constituyendo al grupo en una experiencia de cultura viva comunitaria. En la segunda sección presento su acción artística constituida por su propuesta pedagógica, la creación y producción de obras y su incidencia comunitaria e individual. El abordaje en cada una me permitió comprender que el enfoque que propone el buen vivir en Waytay plantea un modelo de convivencia que viabiliza la transformación individual mediante los principios que se aprenden en el quehacer artístico: la confianza, la auto percepción, la reciprocidad, la valoración de los otros como con uno mismo, la colectividad que puede instalarse en los diferentes aspectos de la vida social y el desarrollo de una conciencia social que conlleve a ser sujetos activos y partícipes de las problemáticas que acoge su entorno para la construcción del bien común.

Las Diosas es una obra de teatro sobre el cambio y la supervivencia, pero también sobre el enfrentamiento del poder con la fe, lo nuevo con lo antiguo, vistos desde el colapso de una sociedad ficticia en donde gobiernan las mujeres. Partiendo de los códigos de la tragedia griega, agregando pinceladas de la mitología Moche, y haciendo guiños a la evidencia arqueológica de la existencia de sacerdotisas y gobernadoras en las costas del antiguo Perú, con esta obra busco abordar, desde el pasado, temas actuales como el colapso (o el surgimiento) de sistemas como la política, la religión y la sociedad. Para bien o para el mal, el mundo se está fracturando y recomponiendo constantemente. El feminismo, la post pandemia, la guerra en Ucrania, las redes sociales, la violencia de género, las nuevas maternidades y masculinidades, la cultura de la cancelación, la inteligencia artificial. Estamos en medio del caos, siendo testigos del nacimiento de un nuevo mundo, un mundo incierto. Me pregunto constantemente sobre el legado que va a dejar esta generación, ¿mi legado será transcendente? Las Diosas se sitúa hace más de cinco mil años, la élite compuesta por sacerdotisas y gobernadoras, hijas de la diosa Shi, conviven en un escalafón superior con las mujeres o hijas de la diosa Pachamama y los hombres o hijos del dios Ai Apaec. En medio de una terrible sequía, los hombres del Ai Apaec inician una rebelión intentando matar a toda la estirpe de Shi para ponerse ellos en el poder, pero dos hijos de Shi (un hombre y una mujer) sobrevivirán para escribir una nueva historia y crear su propio legado.