The Ince Hall Virgin and child is a painting of the Virgin and Child in an interior that was attributed to Jan van Eyck by the leading historians of early Netherlandish art from 1854 to 1956. Between 1956 and 1959 the work was subject to a technical and art historical analysis in Europe, in the re-classification of the work as a copy by a follower of Van Eyck, and possibly a forgery. Subsequently, a number of art historians have suggested that not even the composition of the work is Eyckian, and that the work is a pastiche based on Van Eyck’s paintings. Nevertheless, some authors have doubted the arguments for these reattributions. Some authors maintain the attributions to Van Eyck, and others suggest that the work may be a copy. This thesis is the first comprehensive critical reappraisal of the scientific and art historical analysis to be conducted. In the first chapter it examines the provenance and bibliography of the work. / In the second chapter it examines published and unpublished documents relating to the technical analysis found in Melbourne, Brussels, London and Amsterdam, which have been brought together for the first time. It also contains an interpretation of the work’s infrared reflectography that was produced, for the first time, for this thesis. It is argued that, contrary to the 1950's analysis, there is no technical impediment to an attribution of the work to Van Eyck. Furthermore, technical analysis reveals numerous correspondences to Van Eyck’s works, in the pigments, paint layer structures, underdrawing style and pentimenti. In the third chapter the relationship of the execution, composition and iconography to Van Eyck’s paintings is discussed. It is argued that the execution, composition and iconography are closely related to Van Eyck’s works. In the fourth chapter the attribution of the work as an original painting of Van Eyck, a copy, a pastiche or a forgery is discussed. It is concluded that the balance of the available evidence suggests the attribution of the work to Van Eyck, or his studio, is justifiable. The possibility that the work is a free copy is not excluded, but is undermined by the numerous correspondences to Van Eyck’s materials and technique and its relationship to the versions of the composition by other artists.

Dernièrement, les études sur le patrimoine artistique en Argentine ont fait des progrès importants. Notamment, la recherche des collections d’art publiques et privés a bien avancé. Cependant, l’étude des œuvres médiévales a été presque toujours négligée. L’art médiéval en Argentine est rare, si on le compare avec des styles plus modernes. Mais, il s’y trouve de pièces de haute qualité qui sont très peu connues. Puisque l’étude de ces œuvres est nécessaire pour une meilleure appréciation de notre patrimoine artistique, de sa valorisation et préservation, le principal objectif de cette thèse est de contribuer à la connaissance de ce patrimoine. La grande diversité d’œuvres nous demande de définir un corpus qui deviendra notre sujet d’étude. L’iconographie de la Vierge à l’Enfant est plus représentée que d’autres thématiques, c’est pourquoi nous l’avons privilégié. Etant donné que la quantité de sculptures est supérieure à la quantité de peintures, on a opté pour cette seule technique. Finalement, dans un souci de clarté et d’homogénéité on a délimité notre champ d’étude á la sculpture en bois. La grande diversité d’œuvres nous demande de définir un corpus qui deviendra notre sujet d’étude. L’iconographie de la Vierge à l’Enfant a été le premier critère qu’on a suivi pour faire cette sélection d’œuvres. Etant donné que la quantité de sculptures est supérieure à la quantité de peintures, on a opté pour cette seule technique. Finalement, dans un souci de clarté et d’homogénéité on a délimité notre champ d’étude à la sculpture en bois. / During the last years, the building process and history of art collections became a prolific field of study in Argentina. However, research on medieval art in private and public collections in our country received little or no attention. But even if medieval art is considerably less represented than modern styles, there is an interesting amount of high quality medieval pieces exhibited at several museums in Argentina. The main purpose of this thesis is therefore to expand our knowledge of the medieval works of art in public Argentine collections, as related to their origin, dating, interpretation, technique and provenance. These pieces show great diversity of styles, provenance and technique. Such heterogeneity demanded a selection, in order to define a homogeneous corpus of study. Among the many works of medieval art in Argentine museums, the Virgin and Child iconography is the most represented subject - accordingly, that subject has been our first focus of attention. Finally, owing to the abundance of sculpture, we have decided to limit our study to this technique; and in order to give further thematic consistency to our research; we decided to circumscribe our research to woodwork sculpture.

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Dans les années 1500, la villa qui se présentait comme une alternative à la ville permettait aux hommes de reprendre contact avec la nature. Cette dernière, qui possédait selon les théoriciens, hommes de lettres, architectes et médecins de l'époque des vertus sacrées et curatives contribuait au bonheur de l'être humain. Alors que les villas se multipliaient dans les campagnes vénitiennes l'on vit apparaître dans les années 1500, une tendance à incorporer la villégiature dans les tableaux de paysage. Les peintres comme Giovanni Bellini avaient recours à la nature pour créer la charge sacrée de leurs oeuvres et instaurer un sentiment de bien-être chez le spectateur. Le paysage dans lequel gravitaient les figures saintes contenait alors de nombreux symboles renvoyant à l'image de la Vierge Marie et du Christ. Les Vierges à l'enfant connurent ainsi une vague de popularité en Italie et en Flandres où le paysage symbolique avait pour effet de stimuler la dévotion des fidèles. / During the 1500's,the villa was as a safe alternative to the city, offering to men the possibility to establish a relationship with nature. The villa was for writers, architects, and doctors a safe haven equipped with curative as well as sacred virtues that contributed to the happiness of mankind. While villas where multiplying in the Venetians countryside, they also began to be integrated in landscape paintings. Giovanni Bellini used nature to create the religious character of his works and to give a sense of well-being to his public. The bucolique landscape in which the religious figures gravited were presented with many symbols of the Virgin Mary and Child. The images of the Madonna, widely collected in Flanders and in Italy, stimulated the devotion of worshippers. / « Pour respecter les droits d'auteur, la version électronique de ce mémoire a été dépouillée de ses documents visuels et audio-visuels. La version intégrale du mémoire a été déposée au Service de la gestion des documents et des archives de l'Université de Montréal ».

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(in English) The key theme of my thesis are venetian influences on the Boccaccio Boccaccino's work, who was one of the most important exponents of the Cremonese school of painters. Initially he worked in Genoa, Cremona and Milan and he was influenced by the painters as Leonardo, Bramantino and Boltraffio. In the years 1497-1500 Boccaccino is documented in Ferrara. In this period he executed so-called tondo Gronau, The Christ on the way to Calvary, The Virgin and Child, now in Boston, The Virgin and Child, now in Padua, The Adoration of the Shepherds, now in Naples and Dead Christ supported by an Angel. This works show the influence of Bramantino, umbrian school but also early influence of venetian art. In 1500 or 1501 he painted the altarpiece with Virgin and Child with Sts Peter, Michael, John the Baptist and John the Evangelist for the church of S. Giuliano in Venice. Models of this composition are the S. Cassiano altarpiece of Antonello da Messina and Virgin and Child with Saints which Giovanni Bellini executed for the church of S. Giobbe. Boccaccino's image in S.Giuliano is also inspired by Ercole de'Roberti and Lorenzo Costa. His colours show the influence of Giorgione. In 1506 is Boccaccino documented in Venice but also in Cremona. In the years 1500-1506 he stayed probably in Venice, but he...

Le corpus d’œuvres et la synthèse des études menées sur les images de dévotion à l’époque médiévale n’ont jamais approfondi, dans le contexte européen, la question des peintures mariales ayant fonction de porte-reliques. Le modèle de tableau-reliquaire : panneau unique, diptyque et triptyque comprenant le portrait de la Vierge à l’Enfant peint sur bois (plus rarement sur verre églomisé) enchâssé dans un large cadre incrusté de reliques (parfois de pierres précieuses) se répandit particulièrement sur le territoire de la Petite-Pologne à partir des environs de 1420. Les reliquaires polonais, connus jusqu’au début du XVIe siècle, doivent sans doute être considérés comme une adaptation des types iconiques et formels de provenance byzantine, lesquels furent réinterprétés dans la peinture du Trecento italien. Il s’agit notamment du modèle siennois de retable portatif marial popularisé dès les années 1330-1340. D’après l’étude comparative des œuvres, relative à leurs caractéristiques similaires et leur ancienneté, on envisage l’arrivée d’un tel concept formel en Pologne soit directement de l’Italie, soit par l’intermédiaire de la Bohême.L’expansion des tableaux-reliquaires, typiques de l’art toscan, s’inscrivit au XVe siècle en Europe centrale dans le mouvement général du renouveau de piété, qu’était la devotio moderna. De sorte qu’à côté des représentations singulières, spécialement vénérées au cours des offices liturgiques et paraliturgiques, on voit se répandre des reliquaires moins coûteux dans l’espace privé. Appréciés dans l’intimité des couvents – franciscains et dominicains –, ainsi que dans celle du quotidien des laïcs, ils étaient utilisés comme des autels domestiques ou bien comme des autels pliables de voyage. Ces images d’affection religieuse constituent un phénomène artistique du bas Moyen Âge. Et, quelques-uns des reliquaires semblables connus postérieurement n’assurent pas une véritable continuité de l’ancien modèle à l’époque moderne. / Scholarly investigation of devotional images from the medieval period has never explored, in a European context, the question of Marian paintings functioning as portable relics. The model of the « picture-reliquary » : a single, diptych, or triptych panel comprsing the por-trait of the Virgin and Child painted on wood (or, more rarely, on gilded glass, verre églomisé) set in a large framework encrusted with relics (occasionally with precious stones) was particularly widespread in the territory of Little Poland from c. 1420. Polish reliquaries, known until the beginning of the 16th century, should be considered as an adaptation of iconic types and forms of Byzantine provenance, which were reinterpreted in the painting of the Italian Trecento. Of particular note is the Siennese model of the portable Marian altar piece made popular from the 1330s-40s. From the comparative study of the works, concerning their similarities and their antiquity, one envisages the advent of such a formal concept in Poland either directly from Italy, or by the intermediary of Bohemia.The diffusion of picture-reliquaries, typical of Tuscan art, forms part of the general movement toward a renewal of piety in central Europe in the 15th century, the devotio moderna. As a result, alongside singular representations, especially venerated in the course of liturgical or paraliturgical offices, one sees less costly reliquaries spread in private space. Appreciated in the intimate setting of convents – Franciscan and Dominican – as well as that of the daily life of the laity, these relics were used as domestic altars or as folding altars for travel. These images of religious affection constitute an artistic phenomenon of the late Middle Ages. And, several similar reliquaries known later do not guarantee a veritable continuity of the ancient model to the modern era. / Die erhaltenen Überblicksdarstellungen und Spezialuntersuchungen zu den Frömmigkeitsbildern des Mittelalters haben sich niemals – im europäischen Kontext – mit der Frage derjenigen Mariendarstellungen auseinandergesetzt, die die Funktion von Tragereliquien inne hatten. Das Modell des Reliquien-Bildes – einfaches Tafel-bild, Diptychon oder Triptychon mit einer Darstellung der Jungfrau mit dem Kind, gemalt auf Holz (seltener auf Glas), umschlossen von einem breiten Rahmen, in den Reliquien (mitunter auch Edelsteine) eingefügt sind – verbreitet sich ca. ab 1420 ins-besondere auf dem Gebiet Kleinpolens. Diese polnischen Reliquiare, bekannt bis zum Beginn des 16. Jahrhunderts, können ohne Zweifel als Adaptation ikonischer und formaler Typen byzantinischer Provenienz angesehen werden, die in der Malerei des italienischen Trecento wiederinterpretiert wurden. Dabei handelt es sich vor allem um das Sieneser Model des marianischen Tragaltars, verbreitet seit den Jahren 1330-1340. Folgt man den vergleichenden Untersuchungen der erhaltenen Stücke mit Blick auf ihre übereinstimmenden Charakteristika und ihr Alter, wird das Auf-greifen eines solchen formalen Konzepts in Polen entweder direkt aus Italien oder indirekt über Böhmen wahrscheinlich.Die Ausbreitung dieser Tafel-Reliquiare, typisch für die toskanische Kunst, verbindet sich im 15. Jahrhundert in Mitteleuropa mit der umfassenden Bewegung einer Er-neuerung der Frömmigkeit, bekannt auch unter dem Namen devotio moderna. Dies führt dazu, daß neben einzelnen, vor allem im Rahmen liturgischer oder paraliturgi-scher Veranstaltungen verehrten Darstellungen, zunehmend weniger kostspielige Reliquiare auch in den privaten Raum vordringen. Gehütet sowohl in der Intimität der Klöster – franziskanisch und dominikanisch – als auch im täglichen Lebensraum der Laien, wurden sie als Hausaltäre oder auch als zusammenklappbare Reisealtäre verwendet. Diese Darstellungen religiösen Affekts stellen ein künstlerisches Phäno-men des Spätmittelalters dar. Einige der ähnlichen, allerdings später entstandenen Reliquiare garantieren allerdings keine überzeugende Kontinuität vom alten Modell hin zur Neuzeit.