La musique existe depuis des siècles mais la composition de musique pour film est un art relativement nouveau. Cela implique un équilibre délicat et une attention critique aux relations entre ce que l'art visuel présente et comment la musique devrait accompagner l'image pour transmettre un sentiment. Au fur et à mesure que ce nouveau domaine de la musique évolue, les recherches et les expérimentations qui l'entourent évoluent également. Partout dans le monde, nous voyons des musiciens ainsi que des chercheurs en musique jeter un oeil à différents aspects de la façon dont la musique peut élargir l'image. Dans un pays comme l'Iran, avec une histoire du cinéma presque aussi vieille que le cinéma lui-même, il y a très peu de connaissances dans ce domaine. Seuls quelquesuns des compositeurs qui ont travaillé sur la musique de films au siècle dernier du cinéma iranien avaient une connaissance académique de la musique, sans parler de la musique pour écran. Dans cette recherche, nous examinons l'histoire de la musique pour le cinéma en Iran, depuis le tout début en 1900 jusqu'à ces dernières années. Nous présentons un bref historique des premières années ainsi qu'une analyse de la façon dont la musique s'est progressivement répandue dans la production cinématographique. Ensuite, nous discutons de quatre générations de compositeurs de films iraniens, chacune représentée par un compositeur éminent de cette génération. Nous analysons leur style et leur travail, puis nous analysons spécifiquement l'une de leurs oeuvres les plus marquantes. / Music has existed for centuries but composition of music for film is a relatively new art. It involves a delicate balance and critical attention to the relations between what the visual art presents, and how music should accompany the picture to convey a feeling. As this newly formed field of music evolves, so does the research and experimentations around it. All around the world we see musicians as well as music researchers peeking at different aspects of how music can expand the image. In a country like Iran, with a history of cinema almost as old as cinema itself, there is very little knowledge of this field. Only a few of the composers who worked on film scoring in the last century of Iranian cinema had academic knowledge of music, let alone music for the screen. In this research, we examine the history of music for cinema in Iran, from the very beginning in 1900, to the recent years. We present a brief history of the early years along with analysis of how music gradually became widespread in film production. Then we discuss four generations of Iranian film composers, each represented by a prominent composer of that generation. We analyze their style and work, then we specifically analyze one of their most prominent works.

Joseph Vézina (1849-1924) est l'un des premiers musiciens canadiens à tenter de définir l'identité de sa nation, qu'il veut avant tout française et catholique, par ses compositions. Son nationalisme est à l'image de celui que prône la bourgeoisie socioculturelle de la ville de Québec à la fin du dix-neuvième siècle, soit un nationalisme culturel s'accommodant généralement bien des nationalismes politiques concurrents en Amérique du Nord. Le choix de l'orchestre à vent pour affirmer la nation canadienne est motivé en bonne partie par les nombreuses fonctions attribuées à cette formation musicale et par la facilité avec laquelle il permet de concilier une écriture ouvertement patriotique à une écriture plus intime. Loin de diminuer le nationalisme d'une oeuvre, l'expression individuelle du compositeur (on parlera de son romantisme) lui permet au contraire de tenir un discours identitaire plus éloquent. Vézina développe un style inspiré par les traditions musicales latines en général et françaises en particulier, avec plusieurs nuances d'origines locales, britanniques et étatsuniennes, à la fois pour se distinguer et pour intégrer dans une certaine mesure le nationalisme politique de la Confédération canadienne.

Cette thèse de doctorat analyse un objet culturel spécifique, la chanson d’auteur en Italie, entre 1958 et 1980. L’approche méthodologique choisie, la cantologie, consiste à croiser des analyses de texte, de musique et d’interprétation. L’étude s’intéresse également aux liens entre les chansons et le contexte culturel et social italien, ainsi qu’aux influences d’autres cultures, à travers les chansons francophones et anglophones.La première partie apporte une série de repères. Retracer l’émergence du néologisme « cantautore » et de l’expression « chanson d’auteur » permet de définir précisément le champ de l’étude. Une mise en perspective historique est complétée par des éléments géographiques et biographiques sur les auteurs du corpus. La deuxième partie rassemble des réflexions d’ordre méthodologique et esthétique, en proposant une synthèse d’approches innovantes et pluridisciplinaires qui permettent de ne pas réduire l’étude de la chanson à celle de son texte, et d’éviter ainsi l’assimilation encore trop fréquente avec la poésie. Une analyse comparée de traductions chantables et non-chantables démontre que l’écriture musicale conditionne profondément l’écriture textuelle. La troisième partie analyse les principales innovations introduites par les cantautori : l’évolution des contenus thématiques est d’abord mise au regard des évolutions législatives italiennes, pour aller ensuite vers une focalisation sur l’intérieur de la forme chanson, complétée par une étude de l’agencement des chansons entre elles. Ce cheminement débouche sur l’analyse d’interactions du genre chanson avec d’autres langages, à travers des formes incluant l’image, comme le cinéma ou l’opéra rock. / This doctoral thesis analyzes a specific cultural object, the songs by singer-songwriters in Italy, between 1958 and 1980. The chosen methodological approach, cantology, consists in crossing analysis of text, music and interpretation. The study also looks at links between songs and Italian cultural and social context in which they were created, as well as and influences from other cultures, with francophone and anglophone songs.The first part provides a series of benchmarks to seize this object. Redrawing emergence of the neologism "cantautore" and expression "canzone d’autore" allows to precisely define the field. Historical perspective is given, as well as geographical and biographical elements regarding the authors of the corpus. The second part gathers methodological and aesthetic reflections, by offering a synthesis of innovative and multidisciplinary approaches which allow not to reduce the study of the song to that of its text, thus avoiding yet too frequent assimilation with poetry. An analysis comparing singable and non-singable translations shows how writing music deeply affects writing texts. The third part analyzes the major innovations introduced in the song in these two decades : at first considering thematic content changes with regard to the Italian legislative changes, then focusing inside of the song, and finally studying the layout of these songs. This path leads to the study of song genre interactions with other languages, through forms including image, such as film or rock opera.

Dès 1870, dans un contexte politique et social français marqué par un patriotisme, voire un nationalisme antigermanique et revanchard, l’État ressent le besoin de redéfinir la nation et de diffuser jusque dans les arts un nouvel esprit français marqué par les valeurs issues de la Révolution. La chute de l’Empire et l’arrivée des républicains sur la scène politique marquent un tournant idéologique durant lequel un projet de rénovation des arts se dessine. Il a pour objectif de contribuer à la régénération de la société et à la naissance de citoyens nouveaux. En étudiant à la fois le projet théorique initial, ses répercussions sur les arts et plus spécifiquement sa réalisation en musique, nous souhaitons démontrer dans cette thèse une certaine perméabilité entre « les champs politique et administratif » et « le champ artistique ». Une première partie, consacrée à l’étude du contexte officiel du tournant du siècle ainsi qu’à celui de la presse artistique, examine le projet de rénovation des arts tel qu’il a été pensé par l’État. L'une de ses principales caractéristiques réside dans sa dimension sociale et politique. Il est envisagé comme un moyen d’action humaniste ayant pour objectif d'éduquer les hommes et les femmes dans leur quotidien. L'art doit devenir source de lien social, de fraternité et de communion, afin de ranimer les valeurs républicaines. Dans une seconde partie, nous étudions le rôle singulier de la musique au sein de ce projet. Un mouvement de propagande musicale est initié et un service public de la musique est mis en place : il s’agit de démocratiser la musique, en rendant son enseignement accessible à tous, et en l'intégrant au quotidien à travers des événements fédérateurs à la dimension patriotique forte. C’est grâce à l’école, rendue obligatoire, que le projet va largement se réaliser. L’analyse d'exemples significatifs de chants scolaires nous permettra de vérifier comment les valeurs défendues par le projet républicain se diffusent jusque dans le langage musical. / Since 1870, in a political and social context marked by patriotism, or even anti-Germanic nationalism, the French State felt the need to redefine the Nation and disseminate into the arts a new “esprit français” marked by the values inherited from the Revolution. The fall of the Empire and the advent of the Republicans on the political scene initiated an ideological turning point during which a project of arts renovation emerged. Its aim was to contribute to the regeneration of society and to the birth of a new citizen. By studying both the initial theoretical project, its impact on the arts and more specifically its implementation in music, this dissertation will demonstrate a certain permeability between political and administrative fields and the arts.The first part, devoted to the study of the official context of the turn of the century as well as that of the art press, will examine the project of arts renovation designed by the state. One of its main features lying in its social and political dimension, it was envisaged as a humanist mean of action to educate men and women in their daily lives. The arts would become source of social connection, fraternity and communion, whose main objective was to revive the Republican values.During the second part, we shall study the singular role of music within the project. A musical propaganda movement was indeed initiated and a “service public” of music established in order to democratize music, make its education accessible to all, and integrate it in strong unifying patriotic events. Through the institution of compulsory school throughout France, the project will also largely be realized. The analysis of significant examples of school songs will thus demonstrate how the values upheld by the Republican project also diffused into the musical language.

La thèse ici présentée ambitionne d’étudier l’impact de l’imaginaire musical sur l’écriture de trois poètes majeurs du XXe siècle : Federico García Lorca (1898-1936), Pierre Jean Jouve (1887-1976) et Giorgio Caproni (1912-1990). Elle part d’un constat simple : ces trois poètes ont pour élément fédérateur non seulement une connaissance intime de la musique, mais, risquons le terme, une véritable obsession de celle-ci, qui prend bien souvent les aspects d’une fascination irrationnelle et enchanteresse face à ce que Jouve, dans une expression lourde de sens, appelle la « matière ensorcelée » – entendons par là le pouvoir désarmant du charme musical.Tous trois permettent ainsi l’élaboration, par la comparaison, d’une réflexion sur les positionnements esthétiques et idéologiques possibles de la poésie face à la musique en Europe, dans une période à la fois post-wagnérienne et post-mallarméenne. Ils sont l’occasion d’une méditation sur le rêve énoncé par Vladimir Jankélévitch dans Quelque part dans l’inachevé, appelant à « écrire non pas sur la musique, mais avec la musique », pour « demeurer complice de son mystère ».Pour répondre à ce questionnement, la thèse envisage d’abord la dimension identitaire de l’imprégnation musicale chez les auteurs, puis les modalités de son inscription dans leurs poétiques respectives, avant d’observer les évolutions à l’œuvre dans leur perception du référent musical au fil du temps. Ainsi sera mise en valeur la dimension imaginaire et fantasmatique de cet art qui n’aura cessé de les requérir leur vie durant. / This thesis aims at studying the impact of musical imagination on the writing of three major poets of the XXth century : Federico García Lorca (1898-1936), Pierre Jean Jouve (1887-1976) and Giorgio Caproni (1912-1990). It starts from a simple observation : not only do these poets have an intimate knowledge of music, but, let us risk the term, a real obsession for it, that often verges on an irrational and enchanting fascination for what Jouve, in a thoughtful expression, calls “the bewitched matter” – ie the disarming power of the musical charm.All three of them thus enable the elaboration, through comparison, of a reflection on the esthetical and ideological positionings of poetry in front of music in Europe, in a time both post-wagnerian and post-mallarmean. They make possible a meditation on the dream once stated by Vladimir Jankélévitch in Somewhere in the unfinished, calling for “writing not on music, but with music”, to “remain accomplice of its mystery”.To answer this questioning, the thesis first tackles the search for identity enabled by the authors’ musical impregnation; it then explores the way music comes within the scope of their respective poetics; it finally observes the evolutions in their perception of the musical referent as time goes by. Thus will be underlined the imaginary and fantastical dimension of this art which kept calling for them all their lives.