El presente estudio tiene por objetivo analizar la presencia del movimiento artístico de acrílicos sobre tela de los desiertos Central y Occidental australianos en el espacio museístico europeo. El marco temporal abarcado es de 1982-2012. En particular, se investiga dicha presencia, por un lado, a través de compilar las iniciativas de exposición temporal de dicho movimiento; y, por el otro, del análisis del proceso curatorial y de la materialización en el espacio físico del macro encargo de obras Aborígenes contemporáneas que se insertan hoy en el complejo arquitectónico del Musée du Quai Branly. El estudio pone el foco de atención en comprender la circulación de las obras en Europa (sus actores e instituciones de acogida), en subrayar la interculturalidad del fenómeno y en analizar las poéticas y políticas de construcción de la Aboriginalidad, presentes y pasadas, a través de dicho movimiento. / The following dissertation analyzes the presence of the Australian Central and Western Deserts acrylic movement in European museums from 1982 till 2012. Such presence is investigated by compiling European temporary exhibitions initiatives around the acrylic movement, and by analyzing Musée du Quai Branly’s double commission of contemporary Aboriginal artworks which are integrated today in the museum architectural complex as permanent displays. The main goals of this study are: to understand how Australian acrylic paintings from the desert have been circulating in Europe (by which actors and museums), to highlight the intercultural nature of this artistic movement and its circulation, as well as, to explore past and present representations of Aboriginality through the movement.

Due to the nature of scientic data sets, the generation of convenient visualizations may be a difficult task, but crucial to correctly convey the relevant information of the data. When working with complex volume models, such as the anatomical ones, it is important to provide accurate representations, since a misinterpretation can lead to serious mistakes while diagnosing a disease or planning surgery. In these cases, enhancing the perception of the features of interest usually helps to properly understand the data. Throughout years, researchers have focused on different methods to improve the visualization of volume data sets. For instance, the definition of good transfer functions is a key issue in Volume Visualization, since transfer functions determine how materials are classified. Other approaches are based on simulating realistic illumination models to enhance the spatial perception, or using illustrative effects to provide the level of abstraction needed to correctly interpret the data. This thesis contributes with new approaches to enhance the visual and spatial perception in Volume Visualization. Thanks to the new computing capabilities of modern graphics hardware, the proposed algorithms are capable of modifying the illumination model and simulating illustrative motifs in real time. In order to enhance local details, which are useful to better perceive the shape and the surfaces of the volume, our first contribution is an algorithm that employs a common sharpening operator to modify the lighting applied. As a result, the overall contrast of the visualization is enhanced by brightening the salient features and darkening the deeper regions of the volume model. The enhancement of depth perception in Direct Volume Rendering is also covered in the thesis. To do this, we propose two algorithms to simulate ambient occlusion: a screen-space technique based on using depth information to estimate the amount of light occluded, and a view-independent method that uses the density values of the data set to estimate the occlusion. Additionally, depth perception is also enhanced by adding halos around the structures of interest. Maximum Intensity Projection images provide a good understanding of the high intensity features of the data, but lack any contextual information. In order to enhance the depth perception in such a case, we present a novel technique based on changing how intensity is accumulated. Furthermore, the perception of the spatial arrangement of the displayed structures is also enhanced by adding certain colour cues. The last contribution is a new manipulation tool designed for adding contextual information when cutting the volume. Based on traditional illustrative effects, this method allows the user to directly extrude structures from the cross-section of the cut. As a result, the clipped structures are displayed at different heights, preserving the information needed to correctly perceive them. / Debido a la naturaleza de los datos científicos, visualizarlos correctamente puede ser una tarea complicada, pero crucial para interpretarlos de forma adecuada. Cuando se trabaja con modelos de volumen complejos, como es el caso de los modelos anatómicos, es importante generar imágenes precisas, ya que una mala interpretación de las mismas puede producir errores graves en el diagnóstico de enfermedades o en la planificación de operaciones quirúrgicas. En estos casos, mejorar la percepción de las zonas de interés, facilita la comprensión de la información inherente a los datos. Durante décadas, los investigadores se han centrado en el desarrollo de técnicas para mejorar la visualización de datos volumétricos. Por ejemplo, los métodos que permiten definir buenas funciones de transferencia son clave, ya que éstas determinan cómo se clasifican los materiales. Otros ejemplos son las técnicas que simulan modelos de iluminación realista, que permiten percibir mejor la distribución espacial de los elementos del volumen, o bien los que imitan efectos ilustrativos, que proporcionan el nivel de abstracción necesario para interpretar correctamente los datos. El trabajo presentado en esta tesis se centra en mejorar la percepción de los elementos del volumen, ya sea modificando el modelo de iluminación aplicado en la visualización, o simulando efectos ilustrativos. Aprovechando la capacidad de cálculo de los nuevos procesadores gráficos, se describen un conjunto de algoritmos que permiten obtener los resultados en tiempo real. Para mejorar la percepción de detalles locales, proponemos modificar el modelo de iluminación utilizando una conocida herramienta de procesado de imágenes (unsharp masking). Iluminando aquellos detalles que sobresalen de las superficies y oscureciendo las zonas profundas, se mejora el contraste local de la imagen, con lo que se consigue realzar los detalles de superficie. También se presentan diferentes técnicas para mejorar la percepción de la profundidad en Direct Volume Rendering. Concretamente, se propone modificar la iluminación teniendo en cuenta la oclusión ambiente de dos maneras diferentes: la primera utiliza los valores de profundidad en espacio imagen para calcular el factor de oclusión del entorno de cada pixel, mientras que la segunda utiliza los valores de densidad del volumen para aproximar dicha oclusión en cada vóxel. Además de estas dos técnicas, también se propone mejorar la percepción espacial y de la profundidad de ciertas estructuras mediante la generación de halos. La técnica conocida como Maximum Intensity Projection (MIP) permite visualizar los elementos de mayor intensidad del volumen, pero no aporta ningún tipo de información contextual. Para mejorar la percepción de la profundidad, proponemos una nueva técnica basada en cambiar la forma en la que se acumula la intensidad en MIP. También se describe un esquema de color para mejorar la percepción espacial de los elementos visualizados. La última contribución de la tesis es una herramienta de manipulación directa de los datos, que permite preservar la información contextual cuando se realizan cortes en el modelo de volumen. Basada en técnicas ilustrativas tradicionales, esta técnica permite al usuario estirar las estructuras visibles en las secciones de los cortes. Como resultado, las estructuras de interés se visualizan a diferentes alturas sobre la sección, lo que permite al observador percibirlas correctamente.

Aquesta recerca pretén emprar una aproximació per estudiar els recorreguts vitals d'algunes persones utilitzada freqüentment en antropologia social i cultural -i d'altres disciplines- anomenada mètode biogràfic; i aplicar-la als objectes que ens rodejen per abordar la biografia de les coses o dels artefactes. El principal repte metodològic que suposa aquest plantejament consisteix a fer una adaptació laboriosa que ens permeti discernir quines són les etapes de "vida" d'un objecte que defineixen el seu decurs vital. Les experiències que comparteixen les persones amb els objectes es poden catalogar en moltes categories. No és igual la relació que estableix un mateix artefacte amb un obrer de la cadena de muntatge, un venedor d'aquell producte, un publicista a qui n'encarreguen la campanya, un consumidor que el compra, un col·leccionista, o un antiquari, per citar-ne alguns. Per això podem afirmar que un objecte té tantes històries de vida com persones hi han mantingut alguna relació o experiència. I amb els testimonis de totes aquestes persones, un mateix objecte pot esdevenir una eina de coneixement i apropament a la cultura d'una riquesa incomparable.Per confeccionar un estudi de cas d'aplicació del mètode biogràfic als objectes he triat la batedora elèctrica de braç, un aparell prou popular a la cultura culinària catalana. També cal destacar que és un electrodomèstic que fa molts anys que no ha experimentat canvis tipològics malgrat les transformacions d'escenari econòmic, social i cultural que han tingut lloc des que va aparèixer.L'objectiu principal que m'he plantejat a l'inici de la recerca ha estat confrontar els discursos dels diferents testimonis amb els paradigmes teòrics de la tradició del disseny, entesa aquesta com activitat projectual que pretén produïr artefactes d'ús massiu a partir dels processos industrials. Però a mida que he anat aprofondint en aquest estudi m'he adonat que l'adaptació del mètode biogràfic als objectes pot propiciar no només l'exploració dels tipus de relacions que establim amb els objectes per als estudis de disseny sinó que també ens permet elaborar un estudi referencial del context social i cultural molt profitós. Quant a l'aplicació pràctica d'aquest tipus d'estudi i continuació de la recerca, crec que és també un repte interessant analitzar la informació aconseguida i valorar com aquesta pot revertir posteriorment en el procés de disseny i quins resultats poden ésser incorporats a un nou procés metodològic per dissenyar un altre petit electrodomèstic d'iguals o semblants característiques. / This research tries to use the approach to study the vital trajectory of some persons used frequently in social and cultural anthropology -and in other disciplines-, called biographical method, and apply it to objects that surround us to deal with the biography of things or artefacts. The main methodological challenge of this approach consists in discern which are the life periods of an object to define its lifetime. The experiences that some persons share with objects can be classified in many categories. The relations that establish, for example, the factory workers , the shop assistants, the consumers, or the collectors or the antique dealers, with the same artefact would be very different. For that reason it is possible to assert that an object has as many life stories as people having shared relations or experiences with it. And, with the accounts of all these persons, the same object can become a tool to deepen knowledge in the cultural studies.In order to execute a case study applying the biographical method to objects, I have chosen the handblender, a very popular artefact in catalan culinary culture. It is also important to emphasize that this electrical appliance has not suffered changes in its typology despite the economic, social and cultural transformations which took place since the moment of its appearance.The main objective at the beginning of this research was to bring the accounts of different persons face to face with the theoretical tradition of design, considering this like an activity to produce artefacts of massive use starting with industrial processes. Getting deeper in this study, I noticed that by applying the biographical method to the objects it is possible not only to get the exploration of the different kind of relationships we stablish with the objects, but also to elaborate a study of reference about social and cultural context with very profitable results. Regarding the practical application of this kind of study, I believe that it is also an interesting challenge to analise the achieved information and value how this can be used later in the methodological process to design another electrical appliance of same or similar characteristics.

La tesi doctoral que presentem a continuació és innovadora perquè és el primer estudi extens i rigorós sobre el llenguatge de la conservació-restauració d'obres d'art, no només analitzant els seus vocabularis, sinó també raonant-ne l'ús que en fa aquesta professió. Aquesta recerca és multidisciplinar, en aquest sentit la conservació-restauració d'obres d'art mai havia estat comparada i contextualitzada des del punt de vista de la lingüística i les ciències de la informació. Finalment, es tracta d'una investigació d'abast internacional poc freqüent en aquesta disciplina. L’interès d’aquest estudi es centra en la conservació-restauració dels béns mobles, l'arquitectura s'allunya del nostre camp de treball. La conservació-restauració és l'activitat que inclou les tasques de reconeixement, documentació, tractament i prevenció, recolzat per la recerca i l'educació (AIC, 1996), implica acció directa sobre el patrimoni cultural amb l'objectiu d'estabilitzar el seu estat i retardar el seu deteriorament (ICON, 2008). La història d'aquesta disciplina ens introdueix el tema del desenvolupament de la professió, el qual ens ajuda a començar a entendre el llenguatge de la conservació-restauració. Fins el segle XVIII no neix la professió del restaurador a França, però és l'excepció, a la resta d'Europa la distinció entre artesà, pintor i restaurador no es feu evident fins un segle més tard. Per un altre costat, a principis del segle XIX els científics comencen a investigar les obres d'art i fins el segle XX es creen laboratoris i departaments de conservació-restauració a dins dels museus occidentals. D'aquesta manera s'inicià el reconeixement d'aquesta professió i alhora l'ha convertí en interdisciplinar. És a dir, la conservació-restauració d'obres d'art amb una base eminentment artesanal creuava coneixements també amb la ciència i així esdevenia pluridisciplinar. Aquesta pluridisciplinarietat és un altre factor que ens permet entendre i analitzar el vocabulari de la conservació-restauració perquè aquesta manlleva el llenguatge tècnic de les disciplines amb les quals intercanvia coneixements. I precisament és en l'àmbit de l'educació on també s'evidencia aquesta multidisciplinarietat perquè en els programes educatius els estudiants tenen assignatures relacionades amb l'art i la ciència. La conservació-restauració d'obres d'art entrà en el món acadèmic a Europa després de la Segona Guerra Mundial quan a principis dels anys seixanta la United Nations Educational, Scientific and Cultural Organization (UNESCO) fundà a Roma l'International Centre for the Study of the Preservation and Restoration of Cultural Property (ICCROM) amb la finalitat de formar a professionals d'arreu del món i alhora que aquests entressin a treballar a la universitat o fundessin instituts de conservació-restauració. D'aquesta activitat formativa, educativa i acadèmica, en els anys seixanta a Europa començaren a publicar-se un corpus de textos especialitzat en conservació-restauració, els quals estaven escrits en anglès, francès i italià. En altres paraules, les publicacions especialitzades de la conservació-restauració apareixen en paral.lel a la creació d'estudis formatius i acadèmics, aquests textos contenen la terminologia d'aquesta disciplina, la qual té un abast temàtic molt extens. Per aquest motiu basant-nos en la base de dades dels llibres Glossary of art conservation i en l'anàlisi dels diccionaris sobre conservació-restauració publicats en vuit idiomes, vam arribar a la conclusió que la conservació-restauració només ha inventat dos termes: tratteggio i papetta AB-57. Tanmateix per entendre la relació que té aquesta professió amb el llenguatge ens hem de remetre a la documentació perquè els conservadors-restauradors només escriuen, i per tant utilitzen el llenguatge, quan documenten un procés de conservació-restauració. A diferència de la documentació en els museus, que empren tesaurus i un llenguatge artificial i controlat, els conservadors restauradors documenten utilitzant un llenguatge natural i aquest fet dificulta encara més el seu estudi. En les carreres d'humanitats la base és el pensament que s'estructura amb el llenguatge, en la conservació-restauració el llenguatge no és una prioritat; com ja hem dit, l'utilitza principalment en les tasques de documentació; sinó els materials i per això coopera amb els químics i els físics. Paradoxalment, els professionals d'aquesta disciplina necessiten diccionaris perquè els textos que els interessen no només s'han escrit en anglès, per això, diccionaris en general i multilingües en particular, són eines indispensables per traduir, documentar, recuperar informació i facilitar la comunicació. I des del nostre punt de vista, era necessari un estudi que analitzés aquest llenguatge, malgrat no haver estat mai una prioritat en aquesta professió. Finalment, aquesta disciplina té una llarga tradició històrica, però un recorregut acadèmic molt curt, per exemple, en comparació a la història de l'art. Aquest fet no li ha permès publicar suficients textos especialitzats i en conseqüència desenvolupar un vocabulari propi, potser en els propers anys des de les universitats, escoles i centres de formació se'n crearà de nou i genuí. / This Ph.D thesis explores and describes from a multidisciplinary, academic and international point of view the language of art conservation. It is striking the relationship between education and publications because as a result of the education and training activity, reference books are written and published. Consequently, technical language is created. It may be obvious or not, terminology is invented in the educational field, where teachers, trainers, professors and academicians use language; in general, and the technical vocabulary of their disciplines, in particular; to provide knowledge to their pupils. Moreover, the teaching task often entails the writing activity, and the publications contain the vocabulary of a discipline. In other words, the students learn the terminology of their profession when they are trained and educated, as well as, when they read books. The overriding consideration is that art conservation historical evolution has developed it as a multidisciplinary: between art and science. Since the 19th century, the works of art became an interesting topic for scientist, from then in western museums, they began to work in museums’ laboratories, and the scientific point of view of the materials became one of the most challenging topics. An earlier example in the United States was the book Painting Materials. A Short Encyclopaedia, published in 1942 and written by J. Rutherford Gettens and George L. Stout, who were pioneers in the investigation of art works in the Fogg Museum of Art, Harvard University and the Isabella Stewart Gardner Museum in Boston. Another remarkable step forward in the development and history of art conservation’s education occured in the early 1960s, when the United Nations Educational, Scientific and Cultural Organization (UNESCO) founded the International Centre for the Study of the Preservation and Restoration of Cultural Property (ICCROM). There, art conservation’s students had lectures about chemistry, biology, etc. and finally, the education programs reflected the interdisciplinary nature of art conservation, besides, in their publications and lexicon.

La insurrección armada de Franco triunfó en parte gracias a la ayuda material e ideológica de la Italia fascista y de la Alemania nazi. Cuanto ocurrió en España siguió teniendo repercusiones en el tablero geopolítico europeo en los años inmediatamente posteriores a la guerra civil. De ahí el interés en profundizar en las relaciones entre estos países durante pero también después de la contienda. En esta tesis lo hacemos desde la vertiente italiana. Lo que sitúa nuestro discurso entre el 18 julio de 1936, cuando Franco se sublevó contra el gobierno legítimo, y el 25 de julio de 1943, cuando Mussolini fue depuesto. Un minucioso y exhaustivo trabajo de localización y catalogación de los materiales audiovisuales, y la reconstrucción de su historia productiva, en estrecha interconexión con el contexto político-militar de la época, han sido condición previa para indagar con criterio riguroso la contribución del cine de no ficción realizado desde la Italia de Mussolini a una historia cultural de la guerra civil, por un lado; y al debate propiamente historiográfico, por otro. Para ello hubo que investigar el funcionamiento de la maquinaria de la propaganda cinematográfica fascista sobre el terreno: los problemas de organización, el esfuerzo técnico y económico que supuso dar cobertura a la guerra, la cuestión recurrente de la atribución de competencias, las conflictivas relaciones de las autoridades político-militares italianas con las del bando nacional, las intervenciones de la censura tanto italiana como española en documentales y noticiarios. Reconstruir la complejidad de tal maderamen ha requerido un considerable esfuerzo de búsqueda de información en hemerotecas y en archivos administrativos, diplomáticos y militares. También se han rastreado los fondos documentales del Istituto Luce y se han examinado cartas, diarios y memorias de los protagonistas. Todo ha sido meticulosamente cotejado con los filmes de los dos corpora en estudio: cinegiornali y noticiarios. La manipulación intrínseca en todo discurso mítico –y el de la propaganda lo es por definición– ya no es óbice para que se trate el cine como fuente primaria, a condición de que el correspondiente análisis se realice con una metodología acorde al medium y con herramientas propias de esta disciplina. Este era el reto que me había planteado: examinar el uso del dispositivo cinematográfico en el proceso de creación del universo simbólico en el que la propaganda fascista inscribió la guerra civil. Ello ha significado reflexionar sobre la representación audiovisualizada de lo real, la resemantización de las imágenes propias y del enemigo a través de las prácticas de recontextualización y resonorización, la alteración tendenciosa del profílmico orientada a darle al relato propagandístico un mayor grado de veridicidad y credibilidad. El resultado es un estudio que propone una lectura cruzada de cómo la historia condiciona el cine y el cine, a su vez, (re)escribe la historia. / L’insurrezione armata di Franco riuscì in parte grazie al sostegno materiale e ideologico dell’Italia fascista e della Germania nazista. Quanto accadde in Spagna continuò ad avere ripercussioni sullo scacchiere geopolitico europeo negli anni immediatamente successivi alla guerra civile. Donde l’interesse ad approfondire i rapporti tra tali paesi durante ma anche dopo il conflitto. In questa tesi lo facciamo dal punto di vista italiano. Il che colloca il nostro discorso tra il 18 luglio 1936, quando Franco insorse contro il governo legittimo, e il 25 luglio 1943, quando Mussolini fu deposto. Un meticoloso ed esaustivo lavoro di ricerca e catalogazione dei materiali audiovisivi, nonché la ricostruzione della loro storia produttiva, in stretta interconnessione con il contesto politico-militare dell’epoca, sono stati condizione previa per un esame rigoroso del contributo del cinema non-fictional prodotto dall’Italia di Mussolini a una storia culturale della guerra civile, da un lato; e al dibattito propriamente storiografico, dall’altro. A tale scopo abbiamo dovuto indagare il funzionamento della macchina della propaganda cinematografica fascista sul terreno: i problemi di organizzazione, lo sforzo tecnico ed economico necessario a garantire la copertura della guerra, la questione ricorrente dell’attribuzione delle competenze, i conflittuali rapporti tra le autorità politico-militari italiane e quelle del bando nazionale, gli interventi della censura sia italiana sia spagnola su documentari e notiziari. Ricostruire tale intreccio nella sua complessità ha richiesto un considerevole sforzo di ricognizione di informazioni in emeroteche ed archivi amministrativi, diplomatici e militari. Sono stati altresì scandagliati i fondi cartacei dell’ Istituto Luce e studiati diari, lettere e memorie dei protagonisti. Tutto è stato scrupolosamente confrontato con i film dei due corpora presi in esame: cinegiornali e notiziari. La manipolazione intrinseca a ogni discorso mitico – e quello della propaganda lo è per definizione – ormai non è più di ostacolo a un uso del cinema come fonte primaria, purché l’analisi relativa si svolga con una metodologia coerente con il medium e con strumenti propri della disciplina. Questa era la sfida che ci eravamo posti: studiare l’impiego del dispositivo cinematografico nel processo di creazione dell’universo simbolico in cui la propaganda fascista inscrisse la guerra civile. Ciò ha voluto dire riflettere sulla rappresentazione audiovisualizzata del reale, sulla risemantizzazione delle immagini proprie e del nemico attraverso le pratiche di ricontestualizzazione e risonorizzazione, sull’alterazione tendenziosa del profilmico volta a dare al racconto propagandistico un maggior grado di veridicità e credibilità. Il risultado è uno studio che propone una lettura incrociata su come la storia condizioni il cinema e il cinema, a sua volta, (ri)scriva la storia. / Francisco Franco’s uprising succeeded also thanks to material and ideological support from fascist Italy and nazi Germany. The consequences of the Spanish Civil War would cause a geopolitical ripple effect across Europe in the years immediately following the conflict; one that calls for a close examination of the relationships between those countries during and after the war. This thesis approaches the issue from the Italian perspective thus determining the related time frame under scrutiny here as the period comprised between 18 July 1936 – which marks the beginning of Franco’s military rising against the legally elected Republican government – and 25 July 1943, when Benito Mussolini was demoted from power and arrested. The methodology adopted includes thorough and comprehensive research and cataloguing of audiovisual materials as well as a detailed reconstruction of their production histories in close relationship with the political and military context of the time. Such an approach allowed for a rigorous investigation of how, on the one hand, non-fictional cinema produced by Mussolini’s Italy contributed to the making of a cultural history of the Civil War; and to a proper historiographic debate, on the other. To this purpose I have investigated the workings of fascist propaganda cinema on the field: that is, organizational issues, technical and economic efforts that were necessary to guarantee adequate coverage of the war, the recurrent issue of the attribution of competences, the conflicted relationships between the political and military authorities of both countries and, eventually, censorship intervention both in Italy and in Spain that affected documentaries and newsreels. In order to reconstruct such a complex web of relationships among all the above-mentioned components, I have traced sources in periodicals libraries as well as in archives held at administrative, diplomatic and military institutions. I have also examined printed materials in the fund collections of the Istituto Luce as well as diaries, correspondence and memoirs of actual protagonists of the events described. All such materials have been rigorously analysed and collated with films from both corpora indentified in the thesis. By definition, propaganda aims to produce a mythic narrative: the intrinsic manipulation that any such narrative entails should no longer prevent us from using cinema as a primary source provided that the proposed analysis be guided by a methodology that is consistent with the medium and by tools that are appropriate for the undertaken discipline of study. Thus, the primary task of this research project was to examine the role and use of cinema (both the films and the apparatus) in the creative process of the symbolic universe within which the Civil War was inscribed by fascist propaganda. This task led me to reflect on a number of core issues: the audiovisualized representation of the real; the resemanticization of images – both one’s own and the enemy’s – through instances of recontextualization and dubbing (of sound); the biased alteration of the profilmic aimed at charging the propaganda tale with a higher degree of veracity and believability. As a result, this study proposes a comparative reading of ways in which history may influence cinema making and, vice versa, of how cinema attempts to (re)write history.

El museo es uno de los edificios más importantes en la ciudad contemporánea. Actualmente se observa su proliferación y su creciente dependencia de la figura del arquitecto, habiéndose destacado, en sus poco más de dos siglos de vida, como una tipología que reflejaespecialmente la arquitectura de la época y es impulsora de su renovación.Como sucedía con las antiguas catedrales, hoy es evidente una competencia entre ciudades por tener su propio espectáculo arquitectónico en forma de museo y, debido a esa misma condición de hitos urbanos, suelen están reservados para los arquitectos de mayor prestigio. Se ha observado que una nueva edificación ideada, representada y materializada creativamente se traduce en la primera pieza de la colección, capaz de cautivar al público por sí misma.Así pues, esta tesis, en el marco de un grupo de investigación sobre la «Expresión del Proyecto de Arquitectura», trata sobre una serie de proyectos de museo de arte encomendados por la Fundación Guggenheim, donde la arquitectura ocupa un rol estelar y, junto a ello, la representación arquitectónica posee el mismo carácter que la propuesta que esta línea museística pretende desarrollar. Destacándose por su interés y compromiso incesante con la arquitectura más experimental ―durante más de seis décadas ninguna otra ha rivalizado con ella―, la Fundación ha producido una serie de veinticinco proyectos ―entre los que se encuentran dos de los museos más famosos de la historia. El estudio sustenta que en ellos, donde la espectacularidad es un objetivo, la imagen ha cobrado una gran importancia para sus intereses, siendo tan decisiva como la propia arquitectura.Para la línea, aparte de buscar una arquitectura relevante y de carácter original debido a los prestigiosos arquitectos seleccionados, es determinante expresar el edificio del modo más sugerente posible, con lo cual se intentará convencer al cliente y al público de las bondades de esa arquitectura e, independientemente de lograr su construcción, mantener su vigencia en el panorama museístico y arquitectónico.La tesis se compone de introducción, ocho capítulos y conclusiones. Se inicia abordando la génesis del museo como institución y su evolución hasta llegar a los proyectos creados en el Movimiento Moderno, de donde se desprende la primera sede de F. Ll. Wright. A lo largo de los capítulos siguientes, se profundiza en el fenómeno actual de los museos, a través de un análisis de los proyectos de la línea Guggenheim ―determinantes dentro de la museística contemporánea por su carácter innovador―, y se realiza un extenso recorrido analítico sobre los mecanismos de la representación en relación con los contenidos arquitectónicos de cada propuesta que la distinguen como singular. El estudio trata, simultáneamente, las tres formas en que los arquitectos tienden a expresar sus ideas: la propia arquitectura construida, las representaciones gráficas y modelísticas ―en toda su amplia variedad― y. por último, sus textos ―las explicaciones del proyecto en cuestión, así como su producción teórica. Así pues, paralelamente a la extensa revisión bibliográfica, se visitaron las cinco sedes existentes ―con el objetivo de visualizar los contenidos arquitectónicos in situ, y observar la transición que existe entre lo plasmado en las representaciones y su materialización en artefactos culturales― y se consultó la mayor parte del material representacional, asistiendo a diversas exposiciones tanto temporales como permanentes.Tras la investigación, se observó que una propuesta singular necesita una representación que la sustente como tal, siendo los dibujos y maquetas, los elementos que deberán comunicar y seducir visualmente al cliente. En estos diseños, la búsqueda de una arquitectura de alto impacto visual ha influido en el tipo de representación y, a su vez, las nuevas tecnologías gráficas y modelísticas lo han hecho en su propia generación. Esta situación de reciprocidad establece, pues, una importante e inseparable relación entre un tipo de expresión paradigmática y la arquitectura que más la utiliza, reflejándose, a su vez, que para la línea Guggenheim, la representación de los proyectos, además de ser medio y mensaje, se ha convertido en un objetivo en sí mismo, sobresaliendo en la actual sociedad de la imagen con su particular forma de entender la arquitectura como un caso singular. / Nowadays, the museum is one of the most important building types in the contemporary city. Everyday is possible to testify its proliferation and its increasing dependency of the architect's figure. For their relevance the museum projects are commonly reserved for the most prestigious architects. In this context, there is an architectural competition among cities in order to have its own spectacle; designing iconic museums that are capable to draw visitors by themselves, being a leading typology in the development of the discipline. It has been observed that a new construction, designed, represented and conceived creatively is transformed into a visitors' magnet.This thesis, following the line of research of the «Expression of the Contemporary Architecture Project», focuses on a series of museum designs entrusted by the Guggenheim Foundation, where the architecture occupies a stellar roll, and, in combination with it, the architectural representation is very rich and it owns the same character than the proposal it tries to develop. Identified as unique for its interest and incessant commitment with experimental architecture, this international network of museums has released a series of twenty-five projects ―among them two of the most famous museums of all time. It is systematically sustained that in these designs where the spectacle is a purpose, the image has received great importance for the interests of the network, being as decisive as the architecture.For this international network, aside from looking for a significant architecture with a original character due to the prestigious selected architects, its main objective is to have the building represented as suggestive as possible, because it will be the way by which they will try to convince the client and, also, independently of its construction, it will serve to keep his name appearing in the museums panorama. This thesis contains the Introduction, eight chapters and the Conclusions of the study. It starts approaching to the genesis of the museum as institution and its evolution until the projects generated in the Modern Movement, which the first venue of the Guggenheim has come off. Throughout the following chapters, this thesis investigates the contemporary phenomenon of museums through an analysis of the projects of the Guggenheim network that are crucial, and also makes an analytical review of the different mechanisms of architectural representation in relation to the architectonic contents of each proposal that make it singular.The thesis approaches to the three forms in which the architects tend to express their ideas: their buildings, the graphical and modelled representations ―analogical and digital―, and their writings ―the descriptive texts of the project, as well as their theoretical production. The study is the result of the revision of a extensive bibliography, combined with the visits to the five existing venues ―with the objective to visualize the architectonic contents in situ, and to observe the existing transition between the graphical and modelled representations and their materialization in cultural artefacts―, and the consultation of most of the representational material, found in diverse exhibitions.It is concluded that a unique design needs an architectural representation that shows its singularity, using drawings and models as mediums to visually convince and seduce clients and potential visitors. In this case, architecture with such potent visual impact has influenced the type of expression, and the new graphic and modelling technologies in turn have impacted in the generative process of form. The results of the analysis show an important and indivisible connection between a type of paradigmatic representation and the architecture that more uses it. In the case of the Guggenheim projects, the architectural representation has become an aim by itself, turning into the vehicle that helps them to appear in today's image society, communicating its particular way of understanding architecture as a singular case.

An approach to the Enric Miralies work through his working papers, discovering between the author's life and inteliectual path, the possible linking references with his projects. The investigation is focused on the study of the creative process about his exciting work of a certain stage: the first years of the decade of the nineties. That moment coincides with a personal and professional turning point, in which his impact leads to international and in which his individual working initiates an intense experimental stage. At 'Melanges', article published in 1997 by Architecture d'Aujourd'Hui nº 312, Miralles brings to light a vital key that opens a door to his work comprehension. He stares that 'the most important is the art of initiating the thought, the path to invent and represent things' he follows saying 'it is determined by what is explained to the project out of the same project.' With the intention of making explicit the mechanisms that express the ideas of his projects, graphic documents of working and representation materials are linked, as well as, transcriptions of his lectures and writings and also his travel scrap-book. Trough his India travel notes, it is discovered his interest in Le Corbusier iconography, from which he would deduce some silhouettes that would probably make the Palamós Hospital plan or the Colors Park walls of the shadows that he was drawing at that moment. The investigation individually analyses each project following a sequential order, identifying and linking his work concepts and strategies. lt has been proceeded by a similar way as Miralles used, from a few basic institutions and establishing multiple and unexpected connections. Along of the study, Miralles seems as the inventor of collection of 'tools' that enable to 'blur the limits' between the way of initial thoughts, objectify them and re-presentate the architectural project. In the Japan projects he worked the "drawings in space" from wire models, which its representation through intentioned photographs, first introduce the moviment topic. In the Bremerhaven competition, the invention of the abstract strategy of the blue 'blot' enabled him to simplify the place complexity. 'Graphic resources' as the use of collage, cut out and photomontage, a way making abstact and conceptual documents that show an idea, are also initiated in this stage, as a consequence of him interest. among others, in David Hockney, Max Ernst and the surrealists, and that Miralles transformed and developed in order to reach an own language creation. lconographical figures as the Moore maternity, vegetal elements, the maze figure as a symbol, etc ... they have all been elements from this analysed period, which he would keep using and evolving in his later projects. As a result of the analysis of the particular creative process used in each of these projects of the 1991-93 period; the dense line groups, memories, wishes, metaphors, etc. .. shaped a personal abstract materiality on paper, in which it could be read several signs, allegories, symbols and figures -described through a rigorous geometry-. Some of them have been interpreted, while others remain pending to discover other ideas included among them. All this concepts have been progressively transformed and multiplied since then -and immediately with EMBT Miralles/Tagliabue-, in a visual metalanguage, offering multiple lectures at different levels: calligraphic, allegoric, symbolic, etc. All these aspects are analysed from a collection of Enric Miralles graphic documents extracted from his archive 1, furthermore, the majority of them have never been published. lt has been considered that the Miralles work is fathomless in his totality, as we would never reach his total comprehension; therefore this research study do not pretend to clarify the totality of his work. 1 Appreciation to Benedetta Tagliabue for the consult and cession of material belonging to EMBT and the Enric Miralles Foundation. / La investigación está centrada en el estudio del proceso creativo de la fascinante obra de Enric Miralles, enmarcada en una etapa determinada: los primeros años de la década de los noventa. Es un período de inflexión personal y profesional, en el que su proyección pasa a ser internacional: concursos, docencia, conferencias, exposiciones, obras y reconocimiento ; y en el que su trabajo inicia una etapa intensamente experimental. En 'Melanges', texto publicado en 1997 en Architecture d'Aujourd'Hui nº 312, Miralles desvela una clave fundamental que abre las puertas a la comprensión de su obra. Afirma que 'lo más importante es el arte de iniciar el pensamiento, el camino de inventar y representar las cosas' y añade: 'está condicionado por lo que se explica al proyecto fuera del mismo proyecto'. Con la intención de hacer explícitos los mecanismos a través de los cuales se ejercitan y expresan las ideas en sus proyectos, se relacionan documentos gráficos de materiales de trabajo y de representación, transcripciones de sus conferencias y escritos, así como sus cuadernos de viaje. A través de las anotaciones del viaje a la India se percibe su interés por la iconografía de Le Corbusier, de la que extraería unas siluetas que aparecerían como contornos de las plantas en el Hospital de Palamós o en los muros de las sombras del Parque de Mollet que entonces estaba estudiando. La investigación analiza individualmente proyectos, siguiendo un orden secuencial, identificando y relacionando conceptos y estrategias entre sus obras. Se ha procedido de manera parecida a la utilizada por Miralles, a partir de unas pocas intuiciones básicas y estableciendo conexiones múltiples y a veces inesperadas. A lo largo de este estudio, Miralles va mostrando su capacidad de inventor de un repertorio de instrumentales que consiguen 'desdibujar los límites' entre la manera de iniciar pensamientos, materializarlos y representar el proyecto arquitectónico. En los proyectos de Japón trabajaría los 'dibujos en el espacio' a partir de maquetas de alambre, cuya representación a traves de fotos intencionadas introduce por primera vez el tema del movimiento en sus documentos. En el concurso de Bremerhaven, la invención de la estrategia abstracta de la mancha azul le permitirá sintetizar la complejidad del lugar. 'Recursos gráficos' como el uso del collage, el cut out y el fotomontaje, se inician también en esta etapa, como consecuencia de su interés por los trabajos de Hockney, Ernst y los surrealistas, y que Miralles iría transformando y evolucionando para crear un lenguaje propio. Figuras iconográficas como la maternidad, los elementos vegetales, la figura del laberinto como símbolo, etc ... son elementos que desde de la época analizada, seguirá utilizando y transformando en sus proyectos posteriores. Concluiremos que las densas agrupaciones de líneas, recuerdos, deseos, metáforas, etc ... configurarían una personal materialidad abstracta sobre el papel, sobre la que se pueden leer diversos signos, alegorías, símbolos y figuras, representados a través de una rigurosa geometría. Algunos de los cuales se han podido mostrar, y otros queda pendiente descubrir ideas incluidas entre ellos. Todos estos conceptos se irían transformando y se multiplicarían a partir de entonces -e inminentemente con EMBT Miralles/Tagliabue-, en un metalenguaje de lo visual ofreciendo múltiples lecturas a diversos niveles: caligráfico, alegórico, simbólico, etc. Todos estos aspectos se analizan a través de documentos gráficos de Enric Miralles, extraídos del archivo1 y que la mayoría de ellos nunca han sido publicados. Se ha podido considerar que la obra de Miralles es insondable en su totalidad y que es difícil llegar a conseguir su total comprensión, por lo que esta Tesis no pretende esclarecer la totalidad de su trabajo. 1 Agradecimiento a Benedetta Tagliabue por la consulta y cesión del material perteneciente a EMBT y a la Fundació Enric Miralles.

"Un moment, dotze instants, mil possibilitats" parteix de l’antropologia reflexiva per construir una recerca polièdrica basada en estratègies de recerca visuals col.laboratives. La recerca es proposa explorar l’univers visual dels i les adolescents a partir dels relats que un grup de nois i noies realitzen del moment que estan vivint. Utilitzant l’estratègia anomenada “photo elliciting”, la recerca explora l’univers dels i les adolescents a través de dotze imatges fotogràfiques i el relat que les acompanya i que han realitzat un grup de nois i noies. El relat de la investigació es construeix en diàleg amb el propi procés de recerca (un procés obert a la constant reflexió sobre els aspectes metodològics, conceptuals i processuals i on la figura de la recercadora no queda al marge). La necessitat de desplaçar-se d'una comprensió fixa basada en l'objecte (l'adolescència, la identitat i la imatge) a una comprensió mòbil basada en les relacions (des de les narratives visuals i la construcció de processos visuals de recerca col.laboratius) condueix el procés de la investigació a la recerca de noves metodologies i formats narratius que permetin una comprensió polièdrica i que aportin noves maneres de comprendre l’adolescència. Els relats i les imatges que construeixen els i les adolescents a la recerca, son interpretades des d'una diversitat d'aproximacions que permeten una comprensió plural de les narratives visuals i que es focalitzen en la riquesa de construccions narratives i visuals corresponents a un moment i un marc de relacions determinat. / “One moment, twelve instants, a thousand possibilities” is a polyhedrical research based on reflexive anthropology that focuses on visual collaborative research strategies. The investigation starts exploring the visual universe of adolescence from images and stories that a group of teenagers made about the moment they are living. Using the strategy of “photo elliciting”, research is conducted by listening to a group of adolescents within the twelve pictures and their stories that they created for the investigation. The investigation narrative is constructed in dialogue with the actual research process (a process opento the reflection on methodology, conceptual frames and processes where the researcher does notstand on the edge). The need to move away from a fixed comprehension based on the object (adolescence, identity, image) to a mobile comprehension based on relationships (starting from visual narratives and the construction of collaborative visual research processes) brings the research process to a polyhedrical approach. Narratives and images that the adolescents have created are analysed from different points of view that allow plural comprehension, open to the richness of the visual narratives related on time and relationships.

The present doctoral thesis on the theory of architectural design originates in the study of the written traces of design. As the first records of architectural design, lines and words encapsulate a type of thought that can solely be ascribed to architecture. In order for this study to approach and examine this type of thought, it focuses on the fundamental materiality of architectural thought; that is, it focuses on the lines and words of design, on what is defined as the double writing of architectural design. Being recorded on the same piece of paper, the signs of double writing are retained and, thanks to this essential co-placement, the gesture of drawing lines and the gesture of putting into words - although ontologically incompatible and partly supplementary - are regarded in the present study as a common act of fixing the peculiar architectural thought. The lines and words of architectural design are thus fixed in a common locus, which requires a definition beyond the neutrality of any material medium of stabilization. On the surface of a piece of paper, lines and words are obviously retained, but they exist in the depths of a still unexplored medium where they are essentially inscribed: even though recorded on the surface of a piece of paper, the lines and words of architectural design are inscribed on a medium of another order and they are com-posed precisely because of that. The present doctoral thesis argues that the medium that opens up from the lines and words of the double writing of architectural design assumes the dimensions of a special space, one that is defined as the space of inscription. In the space of interpretation that opens up, the words no longer render what is represented, while the lines do not aim at transcribing the text into an image. The terms in which architectural design is interpreted are altered. lnstead of the accustomed descriptions of design through its forms, in the space of inscription the form loses its primacy: depiction and description are suspended thanks to the indicative function of the signs of double writing towards the architectural-real space. lnstead of the dialectics between the iconic and the verbal, the lines and words - as signs of double writing - are systematically regarded as a unit of signification, always in accordance to the space of inscription, which is solely reflected upon as a locus of architectural design. In a paradoxical way, these signs are founded on the locus, that of the location of the work of architecture. This research revolves around certain reference concepts, certain reference works and a historical context, whose contribution designates the structure of the text of this doctoral thesis and the content of its sections. Among the reference works, one can detect Danteum by G. Terragni and P. Lingeri, Cannaregio by P. Eisenman, and The Large Glass by M. Duchamp. On the other hand, the historical context is divided into images which, as they are extracted from the historical continuum of writing and architecture, encapsulate, in general, the significant changes in the process of fixing the thought, and the architectural thought, in particular. This thesis advocates that every shift from mythography to the alphabet, and then on to typography and digital media upsets the correlations between the act of expression and the act of depiction, as these are recorded in the architectural design of every historical era. Conclusively, the course that the text of this doctoral thesis suggests is not realized in the order that the temporal sequence and the systematic lining up of people and works would determine. In contrast, the text of the thesis has assumed the form of a list of words that is accompanied by images and texts, whose structure ultimately resembles that of a glossary. Organized in concepts, the entries of this glossary designate a course within the object of this research, a research that is realized at the moment of writing. / La presente tesis doctoral en la teoría del proyecto arquitectónico, parte de las huellas escritas del proyecto. Las líneas y las palabras de las primeras manifestaciones gráficas del proyecto arquitectónico, condensan una especie de pensamiento que pertenece exclusivamente a la arquitectura. Para acceder a ello y para averiguar su particularidad, la investigación se centra en la rudimentaria materialidad del pensamiento arquitectónico, es decir se centra en las líneas y palabras del proyecto, en aquello que se define como doble escritura del proyecto arquitectónico. Sobre el mismo trozo de papel, las marcas de la doble escritura se retienen y gracias a esa esencial con-(dis)posición, el gesto de trazar en líneas y el gesto de escribir en palabras, aunque constituyen gestos ontológicamente incompatibles y en parte complementarios, se toman para la presente investigación como una única operación, la de fijar el pensamiento propiamente arquitectónico. Así pues, las lineas y las palabras del proyecto arquitectónico se fijan en un lugar común, que exige determinarse más allá de la neutralidad de cualquier soporte material de fijación. Sobre la superficie del papel, las líneas y las palabras obviamente se retienen, pero es en las profundidades de un medio aun inexplorado donde por esencia se inscriben: las líneas y las palabras del proyecto arquitectónico, aunque registradas sobre la superficie del papel, se inscriben en un medio de otro orden y se con-ponen precisamente gracias a ello. La presente tesis doctoral sostiene que ese medio franqueado por las líneas y las palabras de la doble escritura del proyecto arquitectónico, adquiere las dimensiones de un espacio particular, el que denomina espacio de inscripción. En este franqueado espacio de interpretación, los términos, bajo los cuales se interpreta el proyecto arquitectónico, cambian. En vez de las habituales descripciones del proyecto según sus formas, en el espacio de inscripción la forma pierde su primacía: la figuración y la descripción se suspenden merced a la función indicativa de los signos de la doble escritura hacia el espacio pragmático-arquitectónico. En vez de la dialéctica entre lo icónico y lo verbal, las líneas y las palabras como signos de la doble escritura se consideran sistemáticamente como una misma unidad de significancia, siempre respecto al espacio de inscripción, que se concibe exclusivamente como un espacio del proyecto arquitectónico. Paradójicamente, estos signos se fundamentan en el lugar mismo donde la obra arquitectónica se instala. La investigación gira alrededor de determinados conceptos de referencia, de determinados proyectos de referencia, y un contexto histórico cuyo entrelazamiento estructura el texto de la tesis y el contenido de sus partes. Entre los proyectos de referencia destacan el Danteum de los G. Terragni y P. Lingeri, el Cannaregio de P. Eisenman y el Gran Vidrio de M. Duchamp. Por otra parte, el contexto histórico es fragmentado en imágenes que, arrancadas del continuum histórico de la escritura y de la arquitectura, condensan aquellos cambios significativos respecto a la fijación del pensamiento en general. y particularmente del pensamiento arquitectónico. Se sostiene que cada cambio de la mitografía al alfabeto, la tipografía y los medios digitales, altera las correlaciones entre el expresar y el figurar como estas se registran en el proyecto arquitectónico de cada período histórico. Finalmente, el recorrido que propone el texto de la tesis no se realiza según el orden que impondría la secuencia histórica, ni una enumeración ordenada de autores y proyectos. Al contrario, el texto de la tesis fue formado por un catálogo de palabras acompañado de imágenes y textos, cuya estructura es parecida, finalmente, a la de un glosario. Los artículos de ese glosario, ordenados en torno a conceptos, indican un recorrido entre el material de la investigación, una investigación realizada a la vez que su redacción.

According to the instructions of the Minister of Labor José Antonio Girón de Velasco, promoter of the creation of Labor Universities, they would provide the means for Spain to bring culture to the workers and specially their children, so that they could ascend to upper scales of society. However, it didn't escape to the regime·s interests that the new network presented the opportunity to concentrate all professional profiles related to labor studies and the new professions, especially industrialists, that were appearing. The system spread throughout the Spanish territory through a management model generally based in the direct appointment by, more often than not, renowned figures. However, its construction suffered from any ulterior plan to define how its development should unfold. Most complexes were placed in peripheral positions to the cities they were assigned to, mainly due to land availability and price. Other factors, such as the desire to achieve a certain isolation of the students , or the need for large farms whose exploitation would help to the financial support of the center, had also an influence. Such was the size, not only of the buildings but also of their population, and the ambition of many of these complexes, that some of them come to be considered as models or representations of any kind of ideal city, or at least, because of their scale, as large ensembles whose organization was based on a certain urban paradigm. On the other hand, both in the architecture and in the organization of these complexes, it is possible to check, throughout the time span of more than the three decades needed for their construction, the progressive influence that the Modern Movement had on Spanish professionals of the time. lt can be observed the evolution from the more radical rationalism-rejecting positions of the years of the Civil War and inmediate Postwar -in search of a not-yet-obtained national style that could not ignore some of the issues learned during the previous period- to the most avant-garde trends that review modernity in Europe just when this had begun to step back in Spain. There was in many cases, as a result, the conflict between the desire to recover a lost step in our own evolution of modern and the desire for a quick update with the moment's highest international avant-garde, which usually come to the country with some delay. This modernization of the architecture would be developed at the same time than other social, political, economic and cultural processes that would pursue the progressive opening of the country to the outside, while the ruling forces would make use of architecture to project the most suitable image at each time. The evolution of Spanish architecture is evident from the analysis done about the strategies for general composition of the complexes, as well as through the detailed study of the design of the different parts, spaces or buildings that built up their projects, their hierarchy and zoning. lt is also possible to check this modernization through cross-cutting issues such as the use of materials and building systems, the use of regulatory frames and modular composition systems, the importance given to the empty space in the organization of projects, the layout of the circulatory solutions. the adaptation of the architecture to the pedagogical and hygienists reference concepts at each time, and even in artworks incorporated into buildings. In short, Labor Universities are a coherent set of buidings themselves and within the changing context of their time. Analyzing Labor Universities means analyzing the Spanish architecture or three decades, the span of time needed for their construction. / Según las consignas del Ministro de Trabajo José Antonio Girón de Velasco, artífice de la creación de las Universidades Laborales, éstas supondrían para España un medio de acercar la cultura a los trabajadores y, sobre todo, a sus hijos, de modo que pudiesen ascender a las escalas de mando de la sociedad. Sin embargo, no escapó a los intereses del Régimen la posibilidad de conseguir obtener todos los perfiles profesionales relacionados con lo laboral y con las nuevas profesiones, sobre todo industriales, que iban apareciendo. El Sistema se extendió por el territorio español a través de un modelo de gestión de los encargos basado, generalmente, en la designación directa, normalmente de figuras de reconocido prestigio. Sin embargo, su construcción adoleció de cualquier plan que definiera cuál debía ser su desarrollo. La mayoría de los conjuntos se situaron en posiciones periféricas a las ciudades a que quedaban adscritos, fundamentalmente debido a la disponibilidad y precio de los terrenos, aunque también influyeron otros factores, como el deseo de conseguir un cierto aislamiento de los muchachos, o la necesidad de disponer de grandes fincas que, con su explotación, ayudaran al sostenimiento económico de los centros. Tal fue el tamaño, no sólo de sus edificios sino también de su población, y la ambición de muchos de estos conjuntos, que, algunos de ellos, podrían llegar a ser considerados como modelos o representaciones de algún tipo de ciudad ideal, o, al menos, dada su escala, como grandes conjuntos organizados sobre la base de un determinado paradigma urbanístico. De otro lado, en la arquitectura, y también en la ordenación de estos conjuntos, es posible comprobar la influencia progresiva que el Movimiento Moderno ejerció sobre los profesionales españoles de la época, pudiéndose observar, dentro del arco temporal de más de tres décadas que ocupa su construcción, la evolución desde las posiciones más radicales que rechazan el racionalismo en los años de la Guerra Civil y la inmediata Posguerra, en la búsqueda de un inconseguido estilo nacional que no pudo ignorar algunas de las lecciones aprendidas durante la etapa anterior, hasta las corrientes más vanguardistas que revisan la modernidad en Europa apenas ésta había comenzado a pisar de nuevo en España, produciéndose en el pais, en muchos casos, la pugna entre el deseo de recuperar una etapa perdida en nuestra propia evolución de lo moderno y el de una rápida puesta al dia con la máxima vanguardia internacional del momento, que, generalmente, nos llegaría con un cierto retraso. Esta modernización de la arquitectura se desarrollaría a la par que otros procesos sociales, políticos, económicos y culturales que pretenderían la progresiva apertura del país al exterior, a la vez que éste se servía de la disciplina arquitectónica para proyectar la imagen que más le interesaba en cada momento. La evolución de la arquitectura española resulta evidente a la vista del análisis realizado sobre las estrategias de composición general de los conjuntos, así como a través del estudio pormenorizado del diseño de las diferentes partes, espacios o edificios, que componen sus programas edificados, de su jerarquía y zonificación. Asimismo se puede comprobar esta modernización en aspectos transversales como la utilización que se hizo de los materiales y sistemas constructivos, el empleo de tramas reguladoras y sistemas de composición modular, la importancia concedida al espacio vacío en la organización de los proyectos, el trazado de las soluciones circulatorias, la adaptación de la arquitectura a los conceptos pedagógicos e higienistas de referencia en cada etapa, e incluso en las obras de arte incorporadas a los edificios. En definitiva, las Universidades Laborales son un conjunto coherente de edificios, en sí mismos y con el contexto cambiante de su época. Analizando las Universidades Laborales se encuentra uno analizando la arquitectura española de las tres décadas que abarcó su construcción