Ce travail porte sur les représentations de l’adolescence dans le cinéma indépendant contemporain. Il s’agit d’examiner la mise en images et en discours de ce phénomène social dans six films issus d’Europe et d’Amérique et sortis en salle entre 2009 et 2014. En nous inscrivant en Sciences de l’Information et de la Communication, nous articulons une approche sémiotique et pragmatique afin de rendre compte des aspects plastiques, esthétiques et communicationnels des films du corpus. Notre analyse poétique et socio-politique explore simultanément le langage cinématographique, les conditions de production et l’horizon d’attente auxquels renvoient les œuvres.La première partie rend compte de la construction du cadre analytique et de la démarche analytique qui articule adolescence, cinéma et représentation. La deuxième partie de la thèse saisit les formes et les effets de sens des films. Le corps y est analysé comme le fondement de la représentation de l’adolescence, un objet sémiotique, social et politique. La troisième partie de la recherche s’intéresse à l’émergence d’images des corps adolescents et de discours susceptibles d’engendrer un regard sur l’adolescence cinématographique en tant que construction symbolique et sociale.La thèse conclut que ces films en tant que discours sur l’univers adolescent, invitent à une interprétation délibérative sur le monde social, historique et culturel qui est convoqué dans les films. L’angle sémio-pragmatique met en relief la manière dont les discours sur l’adolescence constituent des discours sociaux qui prônent une prise de position sur la place allouée à la jeunesse dans le monde social. / This work focuses on the representations of adolescence in contemporary independent cinema. It is a question of examining the presentation in images and in discourse of this social phenomenon in six films coming from Europe and America and released in room between 2009 and 2014. By situating ourselves in the domains of Sciences of the Information and Communication, we articulate a semiotic and pragmatic approach to account for the plastic, aesthetic and communicational aspects of the films of the corpus. Our poetic and socio-political analysis simultaneously explores the cinematographic language, the conditions of production and the horizon of expectation to which the works refer.The first part sets out the theoretical categories and the method to follow to detect the relations between adolescence, cinema and representation. The second part captures the forms and effects of meaning of the films. The body is taken as the foundation of the representation of adolescence, a semiotic, social and political object. The third part focuses on the emergence of images of adolescent bodies and discourses likely to engender a look at cinematographic adolescence as a symbolic and social construction.The thesis concludes that these films constitute discourses on the adolescent universe, invite to deliberation, using a set of filmic forms that lead to reflections on the social, historical and cultural world that is deployed there. The semio-pragmatic angle makes it possible to interpret the messages that feature films want to deliver on the content of these representations in the frameworks of societies, the way in which the discourses on adolescence conform to social discourses that advocate a stance on this phenomenon.

Cette recherche porte sur le langage cinématographique (ou mode de représentation) adopté par Mizoguchi en contraste avec le style classique hollywoodien. Notre hypothèse est que le refus de Mizoguchi de recourir au découpage classique et au gros-plan procurerait au spectateur une expérience de perception qui tendrait à se rapprocher de celle vécue par un spectateur de théâtre ou le témoin d’une action se déroulant dans notre monde physique. Mizoguchi a débuté son métier au début des années 1920. Le cinéma japonais venait tout juste de prendre la voie d’un art nouveau en quittant son statut de simple captation de spectacles théâtraux. L’industrie cinématographique japonaise était alors en incubation marquée par diverses influences occidentales. Nous nous pencherons plus particulièrement sur les questions stylistiques à partir du moment où le cinéma japonais s’engageait dans le parlant en imitant le style classique hollywoodien. Ce cinéma dominant devenait une norme que Mizoguchi décida de ne pas suivre pour préférer un style caractérisé par des plans-séquences. Ce style plus « neutre » et «objectif » allait être encensé par Bazin après la guerre au moment où ce dernier découvrit notamment Welles et Wyler. À partir de plusieurs extraits filmiques, nous analysons le plan-séquence mizoguchien comme substitution à une série de plans rapprochés qui se serait imposé normalement avec le style classique hollywoodien. Et ce, afin de discuter des enjeux de réalisme et de théâtralité soulevés par Bazin. / This research focuses on the film language (or mode of representation) chosen by Mizoguchi in contrast to the Hollywood classical style. Our hypothesis is that Mizoguchi’s refusal to resort to traditional cutting and close-up would give the viewer an experience of perception that would tend to be get closer to the one experienced by a stage audience or viewers witnessing an action taking place in our physical world. Mizoguchi made his entry into the profession in the early 20s. At that time, Japanese cinema just recently became a new art by leaving its status of a mere capture of theatrical performances. The Japanese film industry was being incubated with various Western influences. We will focus specifically on stylistic issues from the moment the Japanese cinema engages in talkies by imitating the Hollywood classical style. This dominant style became a standard practice which Mizoguchi decided not to follow to prefer sequence-shots. The long takes style was to be later praised by Bazin for its neutrality and objectivity when he discovered Welles and Wyler after the Second World War. Through analysis of film excerpts, we compare Mizoguchi’s sequence-shots with cutting that would usually take place with the Hollywood classical style. This is to discuss the issues of realism and theatrics raised by Bazin.

Cette recherche porte sur le langage cinématographique (ou mode de représentation) adopté par Mizoguchi en contraste avec le style classique hollywoodien. Notre hypothèse est que le refus de Mizoguchi de recourir au découpage classique et au gros-plan procurerait au spectateur une expérience de perception qui tendrait à se rapprocher de celle vécue par un spectateur de théâtre ou le témoin d’une action se déroulant dans notre monde physique. Mizoguchi a débuté son métier au début des années 1920. Le cinéma japonais venait tout juste de prendre la voie d’un art nouveau en quittant son statut de simple captation de spectacles théâtraux. L’industrie cinématographique japonaise était alors en incubation marquée par diverses influences occidentales. Nous nous pencherons plus particulièrement sur les questions stylistiques à partir du moment où le cinéma japonais s’engageait dans le parlant en imitant le style classique hollywoodien. Ce cinéma dominant devenait une norme que Mizoguchi décida de ne pas suivre pour préférer un style caractérisé par des plans-séquences. Ce style plus « neutre » et «objectif » allait être encensé par Bazin après la guerre au moment où ce dernier découvrit notamment Welles et Wyler. À partir de plusieurs extraits filmiques, nous analysons le plan-séquence mizoguchien comme substitution à une série de plans rapprochés qui se serait imposé normalement avec le style classique hollywoodien. Et ce, afin de discuter des enjeux de réalisme et de théâtralité soulevés par Bazin. / This research focuses on the film language (or mode of representation) chosen by Mizoguchi in contrast to the Hollywood classical style. Our hypothesis is that Mizoguchi’s refusal to resort to traditional cutting and close-up would give the viewer an experience of perception that would tend to be get closer to the one experienced by a stage audience or viewers witnessing an action taking place in our physical world. Mizoguchi made his entry into the profession in the early 20s. At that time, Japanese cinema just recently became a new art by leaving its status of a mere capture of theatrical performances. The Japanese film industry was being incubated with various Western influences. We will focus specifically on stylistic issues from the moment the Japanese cinema engages in talkies by imitating the Hollywood classical style. This dominant style became a standard practice which Mizoguchi decided not to follow to prefer sequence-shots. The long takes style was to be later praised by Bazin for its neutrality and objectivity when he discovered Welles and Wyler after the Second World War. Through analysis of film excerpts, we compare Mizoguchi’s sequence-shots with cutting that would usually take place with the Hollywood classical style. This is to discuss the issues of realism and theatrics raised by Bazin.

Les premiers films chinois sont des documentaires de l’opéras traditionnels. Le langage cinématographique dans le cinéma chinois est née avec Tragédie de l’opium de 1916. L’industrie du cinéma a été fondée dans les années vingt avec la naissance de nombreux studios et avec une production débordante de long-métrage qui est très proche des films hollywoodiens. Le cinéma muet chinois est toujours présent dans les années trente. La mise en scène manifeste une conception cinématographique moderne en gardant la continuité de l’espace-temps. Dans l’utilisation du mouvement de caméra, SUN Yu garde une conception d’espace-temps rationaliste occidentale, tandis que FEI Mu respecte la fluidité d'image. Il y a trois styles principaux des cinéastes du muet : le "théâtre filmée", le modèle hollywoodien chinois et l’école de l’esthétique traditionnelle. La "tradition" du cinéma chinois n’est pas bien formée à l’époque du muet, pourtant elle est une tendance remarquable. Elle devient dans le début des années quarante avec le film parlant une conception générale de l’esthétique cinématographique qui est différente du cinéma d’autres pays. Elle se caractérise, par l’intégralité du plan avec l’utilisation fréquente du plan-séquence et le travelling continue. Cette esthétique cinématographique est influencée profondément par l’opéra traditionnel et la peinture chinoise, qui manifeste l’esprit de l’esthétique chinoise traditionnelle. La "tradition" du cinéma chinois se continue dans les films chinois d’aujourd’hui, pourtant, elle se trouve plutôt dans les films d’art. / The earliest film in China was the documentary of Chinese opera. It was the first time that the film language appeared in Victims of Opium of 1916. In the 1920s, the Chinese film industry came into being, building up many film studios and producing a quantity of Hollywood style feature films. The production of Chinese silent films had never stopped until the 1930s, when the concept of mise en scène had begun to pay attention to the continuity of time and space, showing the concept of modern film. As for the motion photography, the rational concepts of time and space in the West have been revealed in SUN Yu’s films while FEI Mu has created the implicit images by using motion photography. Thus, in the 1930s, there were three major types of film aesthetic tendencies: the dramatic films, Hollywood-style films and the films with Chinese traditional aesthetic tendency. In the silent era of films, the tradition had become the apparent aesthetic tendency in Chinese films, but it hadn’t developed into the mature film style. Not until the beginning of the 1940s of sound films had this tendency become a distinct national characteristic, which were keeping the integrity of single shot, frequently using le plan-séquence and ongoing motion photography. Chinese traditional opera and paintings have great influence on this film aesthetics, which shows Chinese traditional aesthetics revealed in the film art. The tradition in Chinese films has also been shown in today’s Chinese films; however, it is a style of the art film rather than the film aesthetics of those hot commercial films.

Ce mémoire de maitrise se penche précisément sur une des caractéristiques de la culture du viol, soit l’érotisation des violences sexuelles. Il cherche à démontrer la présence de stratégies formelles et narratives érotisantes dans les scènes d’agressions sexuelles de longs métrages de fiction québécois des années 1960 à aujourd’hui et par le fait même, il étudie le fonctionnement du processus cinématographique d’érotisation. Afin de bien mener cette recherche, les agressions sexuelles, la culture du viol et l’érotisme font l’objet d’un exercice de définition. Le premier chapitre s’intéresse à la conceptualisation de l’érotisme, ce qui permet de circonscrire des stratégies formelles et narratives pertinentes à l’analyse de nos objets d’étude. Nous y détaillons les caractéristiques du cinéma érotique et du cinéma pornographique puisqu’elles participent au processus d’érotisation. Également, nous nous attardons sur la théorie des regards, notamment sur le male gaze, le female gaze et notre proposition de regard déplacé, puisqu’elle occupe une place prépondérante dans la définition de l’érotisme à l’écran. Le deuxième chapitre est consacré à l’analyse formelle et narrative de Gina (Denys Arcand, 1975) tandis que le troisième chapitre se concentre sur les études de La Rivière sans repos (Marie-Hélène Cousineau et Madeline Ivalu, 2019) et du cas limitrophe d’Elles étaient cinq (Ghislaine Côté, 2004) qui précise et nuance l’opposition entre l’érotisation et la non-érotisation des représentations d’agressions sexuelles. Ces analyses filmiques détaillées sont supplémentées de tableaux analysant 30 longs métrages. / This master’s thesis examines one of the rape culture characteristics, namely the eroticization of sexual violence. It seeks to demonstrate the presence of eroticizing formal and narrative strategies in scenes of sexual assault in Quebec feature films from the 1960s to the present. In doing so, it explores the functioning of the cinematic process of eroticization. To properly conduct this research, we define the concepts of eroticism, rape culture and sexual assault. The first chapter focuses on the conceptualization of eroticism, which allows us to determine formal and narrative strategies relevant to our objects of study analysis. Notably, we detail the characteristics of erotic cinema and pornographic cinema since they are all part of the eroticization process. Also, we elaborate on the gaze theory since it occupies a dominating place in the definition of cinematic eroticism, particularly on the male gaze, the female gaze, and our proposal of regard déplacé. The second chapter is dedicated to the formal and narrative analysis of Gina (Denys Arcand, 1975) while the third chapter focuses on the studies of La Rivière sans repos (Marie-Hélène Cousineau and Madeline Ivalu, 2019) and of the bordering case of Elles étaient cinq (Ghislaine Côté, 2004) which clarifies and nuances the opposition between the eroticization and non-eroticization of sexual assault representations. These film analyses are enriched by analytical grids covering 30 movies.