L'itinéraire du héros de À la recherche du temps perdu , qui, au terme de son cheminement, le conduit à prendre conscience de sa vocation d'écrivain, correspond à une double évolution, à la fois artistique et sociale. Comment, sur le plan thématique, s'articulent précisément, dans l'oeuvre de Proust, les rapports entre l'initiation sociale de Marcel au monde aristocratique et son initiation à l'art? Telle est la question que pose cette étude et à laquelle elle s'efforce de répondre en montrant que le roman proustien laisse apparaître un complexe thématique à trois termes (art, religion et aristocratie), dont elle analyse les rapports. Il paraît en effet fructueux, dès lors que Proust use d'une métaphore religieuse pour décrire l'une et l'autre de ces deux initiations, de chercher à éclaircir leurs rapports en s'appliquant successivement, pour chacune d'entre elles, à élucider la cation de cette figure de style. Le sens et le rôle que Proust attribue notamment à l'art en reçoit peut-être un éclaircissement supplémentaire, d'où il ressort, entre autres choses, que l'inspiration biblique et évangélique est particulièrement marquée dans l'oeuvre de Proust.

La poesie est, chaque fois, a reinventer. Elle existe en prenant forme(s) et sens une nouvelle fois dans le poeme, qui en porte l'achevement et l'inachevement. Chaque poeme porte trace de la fin et du (re)commencement de la poesie--et, comme l'ecrivait Rene Char, seules les traces font rever. Nous proposons donc, dans un premier temps, une suite de poemes courts en vers, ou s'inscrivent la solitude, cette presence pleniere, ainsi que l'incertitude devant l'inconnu et le nouveau, devant chaque nouveau poeme, toujours etranger a nous-meme, toujours etranger a la poesie, jusqu'a ce qu'il prenne "corps" en nous, en dehors de nous et, peut-etre, contre nous. La deuxieme partie offrira une reflexion critique etablie a partir d'un "dialogue" avec la poesie de Rene Char. Ce "dialogue" s'articulera autour de trois axes: la "metapoesie", qui constitue l'une des composantes majeures de la poesie contemporaine; l'"aphorisme", cette forme fragmentee de l'ecriture faite poesie; et le "desir", cet "avant-monde" qui constitue l'enjeu meme de toute ecriture, de tout poeme. A travers notre these en creation, nous avons tente, des lors, d'acceder a la "co-naissance" poetique, selon le mot de Claudel, dans sa double exigence d'acte createur et de processus reflexif.

This work intends to study the concept and treatment of time and the passing of time in the poetry of the Spanish author Fernando Ortiz. It is our purpose to establish a link between the obsessive twentieth-century concern with time in the field of Philosophy and the aesthetic expression of that concern in poetry in general and in Fernando Ortiz's poetry more specifically. We have also endeavoured ourselves in placing his interest in time within the larger framework of contemporary Spanish poetry. That has allowed us to analyse his place in the history of Spanish poetry as well as to determine what he has taken from the poetic tradition to which he belongs, and what he has renovated with regard to that tradition. To achieve our aim, we have analysed a considerably representative amount of his poems. The data obtained from the said analysis have proved very useful to help us enumerate a number of literary devices as well as several recurrent themes that contribute to highlight his preoccupation with time and the temporal character of his poetry. As a result, we have been able to carry out a thorough description of his poetic work. In doing so, we have also tried to determine his standpoint with reference to current trends in Spanish poetry.

Le rayonnement des romans de Milan Kundera aura laissé dans l'ombre ses deux essais. Condamnés à servir de commentaire à son art du roman, on a négligé de les aborder dans leur spécificité. Cette étude propose donc une analyse esthétique de Kundera essayiste à travers le prisme de la thématique du paradoxe. Si Kundera romancier explore des possibilités existentielles dans le piège qu'est le monde, Kundera essayiste cherche à jeter un éclairage lucide sur nos mythologies modernes dans un monde envahi par le kitsch et la non-pensée des idées reçues. Avec un plaisir d'hérétique, c'est à titre de bouffon intellectuel que Kundera nous convie à cet appel au questionnement qu'est l'essai en reprenant le stratagème favori des humanistes de la Renaissance, le paradoxe. Il s'agira d'explorer les différents mécanismes, la variation, la pensée expérimentale, la carnavalisation et la redéfinition, de cette esthétique originale et scandaleusement paradoxale, qui vise à nous ébranler poétiquement .

The Armistice serves as the Great War's haunted point of closure in Britain. By combining literary and historical analysis with psychoanalysis and trauma theory, my interdisciplinary approach to the Great War enables a multifaceted exploration of the dynamics of unresolved mourning after catastrophic events through both general and historically specific modes of investigation. Chapter One addresses the unresolved crises of cultural and medical mediation occasioned by shell shock. I then suggest that contemporary scholarship which reformulates trauma and mourning after Freud's Beyond the Pleasure Principle (1920) effectively recalls the specters of the century's first massive trauma. Chapter Two foregrounds the scholar's participation in the cultural transmission and reception of catastrophic events through practical and theoretical formulations of trauma and mourning. In Chapter Three, diverse conceptualizations of mourning and survivorship are juxtaposed in illustration of the challenges which trauma poses to any unitary formulation of its aftermath. And adapting scholarship on the Second World War, Chapter Four considers the ways that secondary narratives of the Great War continue to engage the dynamics of historical trauma through an abiding preoccupation with the frontsoldier. In Part Two, by reclassifying the poems of Owen and Sassoon as poetic testimonies, Chapter Five privileges their urgent transmission and reception of harrowing experience and unresolved mourning. Chapter Six then contrasts the oppositional engagement of Woolf's Jacob's Room (1922) with official modes of memory-work configured after the Armistice by national commemorative sites such as the Cenotaph and the Tomb of the Unknown Warrior. In Chapter Seven, the postwar suicide of a veteran in Woolf's Mrs. Dalloway (1925) merely dramatizes that the specters of the War haunted the peace, a peace belied by numerous unresolved losses which contributed to the Second World War. Finally, Chapter Eight discusses Jones's In Parenthesis (1937) and its reconstruction of the haunted topography of the Somme, a landscape central to the War and its aftermath in Britain. In conclusion, I highlight the belated literature of historical trauma at the millennium as it continues to engage the cultural work of mourning initiated by the Great War generation.

La subversion des formes littéraires apparaît d'emblée à la lecture des quatre livres que Monique Wittig a publiés, entre 1964 et 1985, aux Éditions de Minuit. Dans L'Opoponax, Les Guérillères, Le Corps lesbien et Virgile, non , l'auteur aborde de front des thèmes provocateurs, utilise les pronoms de manière inhabituelle, fond les citations et les dialogues dans le texte, coupe celui-ci à intervalles réguliers par des listes de mots ou de noms, scinde le pronom «je» (j/e) et ses dérivés («m/e», «m/on», etc.), bouscule la syntaxe, invente de nouveaux mots, joue avec les caractères typographiques et bafoue même les règles de ponctuation. L'objectif ici, en regard de cette subversion affichée, est de saisir son fonctionnement, c'est-à-dire de découvrir ses articulations, sa portée réelle et son originalité, de manière à proposer la notion de «contre-texte». Ce projet représente un défi de taille, dans la mesure où les ouvrages de référence sur la subversion littéraire manquent à l'appel: les recensions de procédés subversifs ou de concepts les concernant n'existent pas encore. En outre, l'oeuvre de Monique Wittig s'avère, à l'examen, beaucoup plus dense et complexe que le ludisme qui caractérise également ses textes ne le laisse paraître. Dans un premier temps, il s'agit donc de procéder à une enquête historique de manière à repérer les outils et les approches nécessaires à l'analyse de la subversion propre à l'oeuvre de Monique Wittig. Cette enquête cerne les deux stratégies centrales qu'utilise l'auteur, à savoir l'intertextualité et l'interdiscursivité. Mises en lumière à partir des rares théories de la subversion littéraire proposées jusqu'ici, notamment par Mikhaïl Bakhtine et Julia Kristeva, ces stratégies sont alors redéfinies en fonction du corpus. La suite de l'étude porte sur la façon dont elles fonctionnent dans l'oeuvre. La subversion intertextuelle se manifeste au sein de deux réseaux d'hybridation. Le premier, baptisé hybridation radicale , traverse l'ensemble de l'oeuvre et lie les formes épique et lyrique de manière à trafiquer les pôles architextuels du roman. Le second, appelé hybridation structurale , concerne chaque oeuvre et rassemble des citations diverses de manière à courtcircuiter les structures des genres romanesques canoniques. Si Monique Wittig s'attaque plus particulièrement à la forme du roman, c'est parce que celui-ci accueille l'ensemble des textes de la culture occidentale et occupe désormais un statut dominant sur la scène littéraire. La subversion interdiscursive apparaît, quant à elle, dans l'élargissement du dialogisme bakhtinien aux pronoms et aux structures narratives, de manière à brouiller les frontières hiérarchiques qui séparent encore les catégories de la personne et les genres littéraires écrits et oraux. Elle permet la décontextualisation des paroles autoritaires et l'articulation de paroles censurées par des personnages normalement stéréotypés ou absents du système de représentation occidental, comme les enfants, les militantes et les lesbiennes. En combinant ces deux grandes stratégies de l'intertextualité et de l'interdiscursivité, le «contre-texte» formalise un vouloir-savoir, une enquête cognitive. Issu du désir de combler une lacune, une absence de mots, il est lui-même lacunaire, plein de trous entre les courts textes qui le composent, dans les blancs concrets de la page, la disparition des virgules et les interruptions qui le laissent toujours inachevé, ouvert à l'interaction.

This thesis presents a series of case studies demonstrating that literary biography and literary criticism concerning writers who abused alcohol or who lived in relationships with those who abused alcohol can be enriched by an interdisciplinary appreciation of contemporary addiction theory. It begins with an overview of the various constructions of addiction to alcohol and to other substances and activities, ways of thinking about harmful dependencies which have dominated Western attitudes since the eighteenth century. It then identifies the directions current addiction research and therapy have taken and focuses particularly on the paradigm in most frequent clinical use today; that is, the understanding of alcohol addiction as a disorder not merely of the individual subject but of a constellation of codependent relationships. Literary biography has all too often either trivialized or sensationalized the addictions of writers and their families, and in doing so, has made it difficult for critics to address textual questions which could be resolved more appropriately with a sensitivity to addiction theory in general and to the circumstances of the writer's life in particular. To demonstrate that current thinking about alcoholism and codependency provides a valid way to read works by writers who were either alcoholic themselves or who lived in domestic relationships with alcoholics, it presents "case studies" from eras prior to our own and argues that authorial anxiety about alcohol abuse and addiction was not only a significant factor in the production of the texts but in the preoccupations within the works themselves in ways which repay close reading. It provides readings of well-known nineteenth and twentieth-century novels: Anne Bronte's The Tenant of Wildfell Hall, Dostoevsky's Crime and Punishment, Malcolm Lowry's Under the Volcano, and Evelyn Waugh's The Sword of Honour trilogy. In doing so, it seeks to demonstrate that anxiety about alcohol abuse in the context of marriage and parent-child relationships is a recurring and meaningful element, attention to which deepens a reader's appreciation of the writers' theme and technique and, moreover, challenges-or complements, in unexpected ways-insights from more conventional criticism.

Dans cette analyse, nous nous sommes penchée sur l'oeuvre romanesque de Jorge Semprun, de son premier roman Le Grand Voyage à sa dernière publication en 1998, Adieu, vive clarté .... Parce que l'ensemble de cette oeuvre se présente comme une autofiction qui veut témoigner de l'Histoire que l'homme a traversée, nous nous sommes posée un certain nombre de questions quant au droit à l'énonciation dont se réclame le témoin de ces fictions et à la validité qu'il faut lui reconnaître compte tenu, précisément, du genre. Pour être à même de saisir les lieux énonciatifs qui traversent l'oeuvre, nous avons tout d'abord fait un survol des circonstances géopolitiques dans lesquelles J. Semprun s'est débattu. Cet homme est sorti de son adolescence par les durs chemins de l'exil. Il a dû faire face à une langue qu'il ne connaissait pas et surmonter cette première barrière communicationnelle à laquelle la dictature de Franco avait acculé tant de réfugiés espagnols. Mais la France n'était pas le refuge idéal, car quelques années plus tard, l'invasion allemande renversait la tranquille mais fragile démocratie française. Semprun, qui s'était alors parfaitement intégré linguistiquement parlant, s'engageait dans la résistance. Capturé par la Gestapo, il sera déporté à Buchenwald. À la libération, il comprend très vite que, dans son cas, il ne s'agissait pas d'être rapatrié, puisqu'il n'est pas Français; il recouvrait tout bonnement le statut de «réfugié politique espagnol» qui lui était échu à son premier exil. De retour à Paris, il se lance dans une seconde résistance, au sein du Parti Communiste Espagnol, pour combattre la dictature qui fait encore des ravages en Espagne. Semprun poursuit sa lutte clandestine jusqu'en 1964, année où, accusé de révisionniste avec Fernando Claudin, il est expulsé du parti. Quelques années avant cette scission, sans doute par instinct de survie prémonitoire, Semprun s'était mis à l'écriture de son premier roman, qui paraissait en 1963. Dans tous ses romans, le lecteur peut reconnaître les temps et les lieux que l'auteur a traversées au cours de sa vie, même si la narration fait aussi état des réflexions qu'ils a alimentées par son expérience. Cet aspect de l'oeuvre nous semble important pour comprendre la portée du témoignage. (Abstract shortened by UMI.)

Javier Marias' work, which belongs to the so-called "Nueva Narrativa espanola", has rapidly gained the attention of the critics and scholars alike. Nevertheless, the studies relating specifically to Manana en la batalla piensa en mi remain so far fragmentary and often limited to the thematic aspects of the novel. The objective of this thesis is to conduct an in-depth analysis of one of the themes underscored by the critics---time---in its three semiotic aspects (syntactic, semantic and pragmatic), in an attempt to bring into light the relationship between the temporal and ethical dimensions of the novel. Thus, after chapter one, which establishes the theoretical framework of the study, chapter II is devoted to the presentation of the history and its narrator. This preparatory work allows then a detailed analysis of the syntactic aspect of time, consistent with the structural approach of Gerard Genette (chap. III) and Paul Ricoeur's definition of the "fictive experience of time", which is then confronted to the ethical stand of our contemporary world (semantic and pragmatic aspects, chap. IV). The study reveals how the constant ambivalence inherent in time reflects itself in the deep structure of the novel and in its principal character. The main conclusion of the study corroborates the theoretical assumption of Paul Ricoeur concerning the function of the structural configuration of time in the novel, which is to articulate a temporal experience in the fictive world projected by the text which in this case entails ethical relativity. Also, its confrontation with our real world suggests the postmodern nature of the novel.

This thesis examines concepts of marriage in one representational work each by Virginia Woolf, Nella Larsen, and Dorothy Allison. I explore gender, race, class, sexual orientation, and female sexuality as categories governed by ideological impositions that in turn influence subjectivity and thus marital arrangements. I demonstrate that the characters' choice to submit to or to resist ideological constraints on these categories provide for an either open or closed concept of marriage. While Woolf proposes a performativity, or open concept of marriage, Larsen and Allison warn against marital performance, or a death-like/closed concept of marriage. The three authors show that their female characters' choices are limited as their existence in a patriarchal, racist, sexist, and heterosexist society grants them Selfhood (only) through marriage and married motherhood. Woolf, Larsen, and Allison illustrate clearly that to allow for an open subject formation it is necessary to de-ideologize the afore-mentioned categories, and to challenge destructive/closed concepts of marriage.