"Juanito, el huerfanito" es la película melodramática más exitosa del cine regional. Sin embargo, se conoce poco acerca de los motivos que llevaron a la notoriedad este largometraje dada la miope visión intelectual sobre esta categoría cinematográfica. Por ello, el presente trabajo consiste en demostrar mediante un análisis semiótico que, si bien a simple vista las particularidades de la película la distancian del cine estándar consumido en multicines, su éxito radica en el discurso que sus particularidades melodramáticas resaltan y en los efectos emocionales que genera en su público, sobre todo el del reconocimiento de sus diferencias. / Trabajo de investigación

Esta investigación tiene como objetivo reconocer el uso que hace Terrence Malick de su libertad creativa en la dirección cinematográfica para construir su voz autoral en la película A Hidden Life del año 2019. Por esto inicia con una revisión de literatura académica sobre el cine de autor, la dirección cinematográfica, las libertades creativas y la voz autoral. Luego se elabora con teoría las cuatro categorías de análisis cualitativo: estilo visual, estilo sonoro, montaje y construcción de personajes. Se sigue una metodología cualitativa con un diseño de estudio de caso, que lleva a un instrumento de análisis de contenido cinematográfico, con cuatro matrices para las cuatro categorías anteriormente señaladas. El objeto de estudio es toda la película que ha sido dividida en 5 grandes secuencias para efectos del análisis. Como hallazgos relevantes, la voz autoral de Malick está muy asentada en esta película, a pesar de sus diferencias con obras previas. Por lo que su recurrencia en libertades creativas para el uso de iluminación, movimientos de cámara, voces en off, tipo de montaje y creación del personaje, crean un texto fílmico que habla sobre la condición humana a través del sacrificio y la convicción de valores propios, por encima de lo que la sociedad dicta en un entorno inseguro como la Alemania de los años cuarenta. Claramente, se concluye que la voz autoral de Malick le crea un sello que lo mantiene con mucha vigencia y creatividad en la actualidad. / This research aims to recognize Terrence Malick's use of his creative freedom in filmmaking to construct his authorial voice in the 2019 film A Hidden Life. For this, it begins with a review of academic literature on auteur cinema, film directing, creative freedoms and authorial voice. Then the four categories of qualitative analysis are elaborated with theory: visual style, sound style, editing and character construction. A qualitative methodology with a case study design is followed, leading to a film content analysis instrument, with four matrixes for the four aforementioned categories. The object of study is the entire film, which has been divided into 5 major sequences for the purposes of analysis. As relevant findings, Malick's authorial voice is very well established in this film, despite its differences with previous works. Thus, his recurrence in creative liberties in the use of lighting, camera movements, voice-overs, type of editing and character creation, create a filmic text that speaks about the human condition through sacrifice and the conviction of one's own values, above what society dictates in an insecure environment such as Germany in the 1940s. Clearly, it can be concluded that Malick's authorial voice creates a seal that keeps him very relevant and creative today.

El tema central de esta investigación es el análisis de la representación discursiva y estética de la atmósfera distópica totalitaria en dos películas del siglo XXI, "Equilibrium" (2002) y "V for Vendetta" (2005), tomando como referencia el análisis de los elementos de dirección de arte y de fotografía, y cómo estos pueden ser influenciados y estar relacionados con la época de producción de las películas. Además, se analizará cómo la narrativa guía y, a la vez, colabora a generar la atmósfera distópica, respondiendo a temas y discursos de la época que son adoptados por estas películas para pronosticar los miedos futuros. El tema de la investigación está centrado en el análisis discursivo y la representación visual/estética de las distopías del siglo XXI, considerando películas realizadas desde el 2000 hasta el 2014. La base central de esta investigación es analizar cuáles son las características generales más importantes de las distopías del siglo XXI de acuerdo al contexto histórico en el que fueron realizadas, especificando su propuesta discursiva y estética.

El siguiente trabajo de investigación tiene como finalidad exponer la relación existente entre el género y la configuración de personajes en dos películas (J'ai tué ma mère y Laurence Anyways) del director canadiense Xavier Dolan. Este trabajo cobra interés e importancia dentro de un marco social que ha revitalizado los estudios en lo referente al género, ya que existe la necesidad de conocer y entender a las variantes de género que siempre han existido. Se parte del objetivo general de analizar las otras identidades masculinas homosexuales y lo transgénero en ambas películas, como espacio para la confluencia de las diversas voces presentes en estos discursos fílmicos. Con esto se logrará describir masculinidades alternativas al canon, analizar la relación entre la masculinidad hegemónica, sus variantes y lo transgénero. El primer capítulo es una breve introducción al marco general en el cual queda inscrita esta investigación, tanto en el ámbito social como en el académico. El segundo capítulo es el desarrollo de los conceptos básicos utilizados en este trabajo. El tercero, refiere a la metodología empleada para la tesis y el cuarto y último capítulo es el análisis de las películas desde un punto de vista narrativo y visual. Este trabajo está dirigido a la comunidad académica y a las personas que encuentran necesario expandir el campo de investigación de los estudios de género. En esta oportunidad, nos enfocamos en los productos culturales y la relación que puede darse con la identidad de género, sus variantes y su desempeño para dar construcción a discursos fílmicos.

El cine siempre me hipnotiza. Desde pequeña tuve una enorme facilidad para entregarme a la convención y dejarme llevar por aquello que veo en la pantalla, sin mayores pretensiones. Tal vez es un hábito heredado de mi abuela, a quien le encantaban las películas del cine de oro mexicano, o heredado de mis padres, que eran asiduos al cine de desastre de los setenta y al cine de terror. En realidad, es difícil saber. Lo único seguro es que lo disfruto mucho. Mi gusto por el terror y la ciencia ficción empezó temprano. Cuando nació mi hermana menor, mi mamá me regaló un televisor de 9 pulgadas, pequeñísimo, en el que podía ver la programación hasta muy tarde. Siempre sintonizaba Última función del canal 2. Obviamente, no tenía permitido ver televisión hasta tarde, pero ¿Quién se iba a dar cuenta?. En teoría, yo estaba “bien dormida”. Mi mamá me acostaba a las 8 de la noche. Aquella Última función empezaba a la medianoche. La matemática en este caso es bastante simple.

La creación cinematográfica, como el conjunto de las artes clásicas, ha dado cuenta con profusión de la dimensión religiosa del ser humano. Si bien las motivaciones iniciales del cine, a diferencia de la pintura, la escultura y la música, no han estado directamente relacionadas con el imaginario religioso de los precursores de estas artes, pronto la historia del cine incorporó una apreciable cantidad de películas vinculadas a diversos aspectos, interpretaciones y expresiones de lo espiritual. De manera que hoy disponemos de una gran variedad de producciones que, con mayor o menor justicia, son reconocidas ordinariamente como películas religiosas. Sin embargo, aunque pueda parecer una pregunta de respuesta evidente, no ha quedado establecido todavía cómo es que podemos examinar con precisión las cualidades religiosas o espirituales de un film.

La presente investigación se justifica por la necesidad de revalorar la teoría de Marc Ferro, que sustenta el valor del cine como fuente para el conocimiento histórico y las realidades sociales y culturales. Eso es lo que nos proponemos con el análisis narrativo, morfológico y semántico de las películas peruanas La boca del lobo, Sin compasión y Bajo la piel, que estimamos hipotéticamente representativas y explicativas del fenómeno de anomia social conducente al homicidio, intensificado durante las dos últimas décadas del siglo XX en el Perú. La teoría implica una visión multidisciplinaria, que compromete la intervención de otras ciencias como la sociología, la antropología, la filosofía, etc. La tesis tiene como objetivo demostrar la propuesta explicativa que ofrecen los tres films sobre el fenómeno social en mención. La teoría de Marc Ferro considera a cualquier película de ficción como un documento que, se lo proponga o no, proporciona información histórica a través de los distintos elementos dramáticos, materiales, artísticos, o simbólicos de su diégesis, lo que se confirma con el auxilio de otras fuentes de información. Cada film nos instala a su manera en un determinado momento del pasado, o de un presente historiable en el futuro. La tesis utiliza como instrumentos metodológicos el análisis morfológico de Vladimir Propp – precursor del estructuralismo-; la significación referencial, explícita, implícita y sintomática de la Teoría cognitiva aplicada al cine de David Bordwell, y la dialéctica. La conclusión principal afirma que los citados films conforman una trilogía cinematográfica a nivel narrativo estructural y semántico, que mediante una estrategia comunicativa propone como explicación que la frustración, el orgullo exacerbado y el honor mancillado fueron factores emocionales que de manera conjunta determinaron conductas homicidas entre jóvenes subversivos y soldados de las Fuerzas Armadas durante la guerra contrasubversiva de finales del S. XX. / Tesis

La presente investigación analiza el diseño de sonido –la identificación de sus elementos, formas e interrelaciones- en la película El laberinto del fauno, para explicar en qué forma es que estos elementos trabajan entre sí y en conjunto con la imagen, para apoyar la narración de la historia. La pregunta central es: ¿Cómo aporta el sonido en la película ‘El laberinto del fauno’ a la narración de la historia? De ella se desprende una serie de preguntas secundarias en torno a las relaciones de los distintos elementos de la banda sonora entre sí y con la imagen, al sonido como herramienta narrativa para la caracterización de personajes, la creación de mundos y la atribución de personalidad a los espacios. La resolución de estas interrogantes, pretende, finalmente, hablar del sonido como herramienta narrativa en los productos audiovisuales en general. La hipótesis central que se busca comprobar es la siguiente: El sonido en la película ‘El laberinto del fauno’ es una herramienta narrativa central, que sirve para caracterizar personajes, configurar ambos “mundos” -fantástico y real- y para reforzar la historia. Para ello se desarrollan primero las bases teórico-conceptuales de los tres grandes ejes que componen el problema de investigación: narración audiovisual, el poder de significación del sonido audiovisual y la película El laberinto del fauno. Los conceptos delimitados sirven de base para la matriz de análisis de contenido, herramienta metodológica central de esta tesis. Esta sirve para el registro detallado de todos los sonidos, su clasificación según el elemento de la banda sonora al que pertenecen y origen, sus características sobresalientes y su color sonoro-conceptual. Las categorías desarrolladas sientan a su vez las bases para el análisis de cuatro secuencias representativas, que muestran cómo es que los elementos de la banda sonora confluyen entre sí y en conjunto con la imagen, generando sentido y aportando a la narración de la historia. Entre las conclusiones principales, encontramos que el sonido en El laberinto del fauno sirve para generar sensaciones y significado, caracterizar personajes, otorgar personalidad a espacios y generar atmósferas dramáticas, construir dos mundos –realista y fantástico-, estructurar y puntuar la narración, así como para dirigir la atención del público. En suma, el diseño sonoro en El laberinto del fauno tiene un rol central en la narración de la historia y es de gran importancia para la creación de significado y sensaciones.

La presente investigación se justifica por la necesidad de revalorar la teoría de Marc Ferro, que sustenta el valor del cine como fuente para el conocimiento histórico y las realidades sociales y culturales. Eso es lo que nos proponemos con el análisis narrativo, morfológico y semántico de las películas peruanas La boca del lobo, Sin compasión y Bajo la piel, que estimamos hipotéticamente representativas y explicativas del fenómeno de anomia social conducente al homicidio, intensificado durante las dos últimas décadas del siglo XX en el Perú. La teoría implica una visión multidisciplinaria, que compromete la intervención de otras ciencias como la sociología, la antropología, la filosofía, etc. La tesis tiene como objetivo demostrar la propuesta explicativa que ofrecen los tres films sobre el fenómeno social en mención. La teoría de Marc Ferro considera a cualquier película de ficción como un documento que, se lo proponga o no, proporciona información histórica a través de los distintos elementos dramáticos, materiales, artísticos, o simbólicos de su diégesis, lo que se confirma con el auxilio de otras fuentes de información. Cada film nos instala a su manera en un determinado momento del pasado, o de un presente historiable en el futuro. La tesis utiliza como instrumentos metodológicos el análisis morfológico de Vladimir Propp – precursor del estructuralismo-; la significación referencial, explícita, implícita y sintomática de la Teoría cognitiva aplicada al cine de David Bordwell, y la dialéctica. La conclusión principal afirma que los citados films conforman una trilogía cinematográfica a nivel narrativo estructural y semántico, que mediante una estrategia comunicativa propone como explicación que la frustración, el orgullo exacerbado y el honor mancillado fueron factores emocionales que de manera conjunta determinaron conductas homicidas entre jóvenes subversivos y soldados de las Fuerzas Armadas durante la guerra contrasubversiva de finales del S. XX.

Los elencos “Show Indian Dance” y “Bollywood Perú” fueron los actores principales para obtener información del trabajo de campo. Sin embargo, a través de ellos pude conocer y tratar con otras fuentes quienes también pertenecen a la comunicad de fans de Bollywood, en su mayoría provenientes de otras agrupaciones coreográficas, tanto de la ciudad de Lima como también del interior del país. La colectividad de consumidores de esta propuesta cinematográfica en Lima (y en otras ciudades del país) concentra a diferentes tipos de seguidores, quienes a su vez mayoría participan en diversas comunidades virtuales, como consecuencia de los diversos actores y actrices de un star-system a quienes los fans siguen apasionadamente. Estas comunidades, en conjunto, proyectan la idea de una comunidad mayor, a la que los mismos fans reconocen como “Bollywood”. Los seguidores activos de este movimiento son en gran parte jóvenes, que van desde los 15 a los 30 años de edad, mientras que los expertos o referentes principales suelen superar ese rango. Tanto la recepción de Bollywood a través de las películas y de otros insumos, y el performance de Bollywood a través de sus danzas, de los clubes de fans, y de las redes virtuales crean un cambio en el comportamiento de los consumidores, integrándolos en una comunidad de consumo, dedicándole tiempo, sacrificios y costumbres. A su vez, la recepción es activa, con lo que a través de su participación re-contextualizan Bollywood en algo más legible al contexto peruano.