A performance tradition stemming from the 19th century permitted lied accompanists to deviate considerably from the notated score when a flexible reaction to concrete performance situations was necessary. In this article some of these ‘accompanist’s licences’, as well as their decreasing acceptance in 20th century’s performance style, are described according to written sources. A comparative analysis of recordings of the lied “Zueignung” op. 10 No. 8 by Richard Strauss illustrates exemplarily the decline of ‘accompanist’s licences’ during the decades after 1900. Finally, the results are interpreted against the background of general developments in musical performance style.

Die Tradition, der zufolge sich Werkanalyse mit Notentexten befasst – ‚Werken‘ in ihrer Gestalt als Partituren – wird mittlerweile in zahlreichen musikologischen Zusammenhängen hinterfragt. So findet die Analyse von Musik als klingender Praxis (in Bereichen wie Popularmusikforschung und Ethnomusikologie seit langem etabliert) aktuell regen Zuspruch im Diskurs der sich disziplinär formierenden Interpretationsforschung/Performance Studies. Interessanter Weise lässt sich im Schrifttum zu bedeutenden Interpret*innen westlicher Kunstmusik eine quasi komplementäre Tendenz beobachten: Nicht selten verwenden Untersuchungen von Performances hochrangiger Künstlerpersönlichkeiten zur Beschreibung Begriffe, die zugleich Schlüsselkategorien der Analyse schriftlicher Notentexte darstellen (etwa solche aus dem Bereich der musikalischen Formenlehre). Diese Strategie unterstreicht indirekt die Einordnung des vermeintlich peripheren Klangereignisses als Analysegegenstand eigenen Rechts. Der Beitrag belegt diese Beobachtung an Beispielen aus der Literatur zum diskographischen Vermächtnis der Sängerin Maria Callas. Von dort ausgehend werden zunächst methodologische Grundsatzfragen thematisiert: Hat die Erschließung textanalytischer Kategorien für die Performance-Analyse lediglich metaphorische Qualität, oder birgt sie konkret-methodisches Potenzial zur Untersuchung musikalischer Aufführungen? Dass Letzteres zutrifft, wird anschließend am Beispiel einer Einspielung der Scena „O rendetemi la speme“ aus Vincenzo Bellinis Oper I Puritani durch Maria Callas (1953) gezeigt. / The traditional focus of musical analysis on scores – music in its written form as notated »text« – is by now questioned in several musicological contexts. For instance, the analysis of music as sounding practice (as it is well-established e.g. in popular music research and ethnomusicology) is highly acclaimed in the realms of Interpretationsforschung/performance studies, research fields currently undergoing organization as disciplinary integrated scientific discourse formations. Interestingly, in publications on major performers of Western art music, tendencies in a virtually opposite direction can be observed. It is not uncommon that analyses of high-quality performances make use of concepts known as central categories of »musical text analysis« (e.g. features of musical Formenlehre). This strategy can be understood as emphasizing the recognition of the performative event as an object worth of analysis by its own. This article gives evidence for this by quoting publications on the discographical legacy of Maria Callas. Following these observations, basal methodological questions are considered: can the valorisation of categories traditionally located in musico-textual analysis have anything more than purely metaphorical function in the context of performance research? That it indeed offers methodological potential of great value for performance analyses is shown by investigating a recording of the scena »O rendetemi la speme« from Vincenzo Bellini‘s opera I Puritani by Maria Callas (1953).

Dans ce mémoire, nous avons étudié l’impact du mouvement HIP (Historically informed performance) sur la manière dont les flûtistes interprètent le répertoire baroque depuis 60 ans. Nous avons analysé avec Sonic visualiser des enregistrements de cinq flûtistes, réalisés tant sur la flûte baroque que la flûte moderne. Le logiciel a permis de générer des données graphiques qui appuient objectivement les constats observés en ce qui a trait au tempo, aux ornements, aux articulations, aux nuances et au vibrato. En comparant ces enregistrements, nous avons remarqué qu’il existe plusieurs points communs entre les interprètes qui jouent sur un instrument baroque et ceux qui jouent sur un instrument moderne, au point où l’on peut parler d’un transfert des pratiques d’interprétation de l’un vers l’autre. Nous avons aussi fait une synthèse de quelques sources baroques afin de vérifier dans quelle mesure les interprètes observent ces indications. Nous avons observé qu’au cours des années, le mouvement HIP a changé la définition de ce qu’est une interprétation authentique et qu’il a modifié la manière dont les flûtistes modernes dans leur ensemble interprètent la musique baroque. / In this master’s thesis, we studied how the historically informed performance (HIP) movement has impacted the way flutists have approached Baroque repertoire since 1960. We analyzed recordings from five flute players with Sonic Visualiser. We used this software to generate graphical data to objectively support our observations on tempo, articulation, dynamics, and vibrato. By comparing recordings made on baroque and modern instruments, we found that in the past 20 years, flutists who are performing this repertoire on the modern flute started integrating performance practice from the baroque players in their own performance of early music. To contextualize the performance practices, we synthesized a few baroque sources to verify the extent to which flutists have respected these indications. Through the process of this research, we observed that the HIP movement has changed the definition of an authentic performance of early music and that it has modified the way modern flutists perform Baroque music.